María Teresa Gutiérrez Barranco

Expone su serie Atlánticas en el Museo de Guadalajara.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

María Teresa Gutierrez Barranco (1948, Madrid) es una artista que que posee esa mirada privilegiada que sólo tienen los grandes maestros. Su fotografía es íntima, delicada, inteligente, reflexiva y aporta en ocasiones ese minimalismo estético de gran belleza y sutileza, que utiliza para expresar sus emociones más profundas.

La vida es un viaje, y la fotografía en ocasiones nos acompaña cada día. María Teresa lleva la cámara como medio de expresión de ese viaje lleno de incertidumbres, sus imágenes se han convertido en un diario visual de los espacios tangibles y de lo que sólo ve ella en su imaginación. Expresar lo que se siente mediante metáforas visuales es sumamente complejo y María Teresa lo realiza a la perfección y lo ofrece con su infinita generosidad.

Resumir la poesía del paisaje, maximizar la luces que otros no ven, acercarnos los pequeños detalles o la grandiosidad del mar o de los espacios abiertos, convertir el acto fotográfico en algo único y sublime; es un soplo de aire puro y fresco frente a la mediocridad de los monocaptadores que nos agreden diariamente con sus basuras.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

María Teresa posee una gran cultura visual que la permite abordar sus trabajos desde una perspectiva muy diferente, y la convierte en una fuente de sabiduría, y me gustaría mucho poderla disfrutar en las clases magistrales que organiza el master de la escuela PIC.A.

Es una autora de larga trayectoria, siempre con esa inquietud reflexiva que la permite realizar los proyectos con esa visión personal que le caracteriza. Como amante de la fotografía se involucró en la gestión de la Real Sociedad Fotográfica, siendo presidenta en el periodo 1992-2000, realizando una labor excelente al frente de esta centenaria institución.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

La exposición

Tenemos la suerte de poder disfrutar de su exposición Atlánticas hasta el próximo día 23 de febrero en la Sala Azul del Museo de Guadalajara, en el Palacio del Infantado.
El próximo martes 18 de febrero a la 19 horas se realizará un coloquio con la autora.

Os reproduzco un aquí un texto de María Teresa Gutiérrez sobre su serie Atlánticas:

Esta pequeña muestra de fotografías marinas, forma parte de una constante en mi vida que viene determinada por la seducción que el mar ejerce sobre mi. Sobre mi, como sobre otros muchos que formamos parte de los habitantes de tierra adentro y para los que las costas marinas se convierten en lo soñado, en lo que no vivimos de forma habitual, en lo que simboliza los territorios de libertad que visitamos durante nuestro tiempo vacacional. El breve contacto con los mares nos lleva después a alimentarnos literariamente de autores como Melville, Conrad, Stevenson… y a visitar con frecuencia las librerías náuticas cuando las tenemos a nuestro alcance.

La primera serie de fotografías que expuse llevaba el titulo de Mediterráneo, su lenguaje fue también el color como en el caso actual, y entre ellos, otros dos trabajos de imágenes marinas realizados en blanco y negro. Cuando reviso de manera conjunta todas estas fotografías, veo que en todas ellas hay un denominador común, la búsqueda de la belleza de las luces marinas en sus diferentes situaciones, incluso más allá de sus aguas, en su vegetación, en su arquitectura y en su hábitat en general.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

Las luces que vienen de los océanos y mares son luces largas, livianas, blancas, cálidas o azuladas. Son luces llenas de mariposas e iluminaciones inesperadas, pueden ser también luces tenebrosas, trágicas, devoradoras, invernales. Todas ellas, luces que nacen y mueren en las costas marinas sin tener ningún interés por viajar o pasear por los territorios del interior.Busqué esas luces en mis primeras fotografías en color y a ellas regreso ahora buscando la infinita memoria que nos asalta, al menos alguna vez, a todos. Busco las luces vivas y naturales.

En estas fotografías no hay ningún tipo de intervención posterior a la toma fotográfica. Sólo luz sobre la propia luz traspasando el tiempo y los espacios como el sutil silbo de cualquier pájaro y tejiendo una renovada memoria extraída de los tiempos profundos.Hay luces que están imantadas y que seducen porque tienen magia en su misma entraña- Las luces oceánicas son hijas directas de los dioses, de las estrellas, de las nubes, de las nieblas y las brumas, de los soles tenues, de la tibieza, el calor o el frío extremo.De ellas, de esas luces seductoras, es el mérito, si es que lo hay, de estas imágenes fotográficas. De la propia naturaleza marina y, no mío.
Septiembre de 2019

Ramón Masats en la RSF

Ramón Masats © 1985, Madrid

Ramón Masats (1931, Barcelona) es un fotógrafo muy importante de la generación que se agrupó en torno a la revista AFAL en 1956. Sus inicios fueron en 1953 con su reportaje sobre las Ramblas. Después se unió a la Agrupación Fotográfica de Cataluña en la cual se encontró con Xavier Miserachs y Ricard Terré con unas sensibilidades estéticas similares con respecto a la fotografía.

A partir de 1957 se instala Madrid, colaborando con la revista Gaceta Ilustrada. Se hace inseparable de Gabriel Cualladó y Paco Gómez, miembros de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. En ese mismo año se integran en el Grupo AFAL.

Con posterioridad combina las exposiciones de su obra personal con colaboraciones editoriales. Colaboró con Miguel Delibes en la publicación de Viejas Historias de Castilla la Vieja en 1964.
Su pasión por el cine le lleva a la realización del documental “El que enseña” en 1964 que fue premiado en el Festival de Cinematografía de Bilbao. Durante un periodo de diez y ocho años se dedica a la realización de documentales para televisión.

Ramón Masats © 2003 Túnez

Desde 1981 vuelve a la fotografía publicando diversos libros y realizando exposiciones. En 2004 recibe el Premio Nacional de Fotografía.
Ramón Masats es uno de los grandes referentes de la fotografía española de esa generación.

Ironia y Color – Festival Off PHE2019

Hasta el 27 de junio expone en la RSF de Madrid una muestra de su trabajo en color, menos conocido para el gran público, en la cual nos muestra su innovación en el manejo de este soporte. Una exposición muy interesante que refleja la extensión y profundidad de la obra de este autor. A veces en este país valoramos más a fotógrafos extranjeros como innovadores de algo que han hecho ya autores españoles con anterioridad y que su obra no ha sido debidamente difundida con la intensidad que hubiese sido necesaria. La exposición bajo en título “Ironía y Color” ha sido comisariada por Angélica Suela de la Llave y Enrique Sanz y forma parte del Festival Off de PHE 2019.

Ramón Masats © 2003

Hoy 20 de junio a las 19,30h, Ramón Masats será nombrado Socio de Honor de la Real Sociedad Fotográfica, en un acto que se celebrará a la 19.30h, en la calle Tres Peces 2, Madrid.

Gabriel Cualladó

Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó (Massanassa, 1925 – Madrid, 2003) es uno de lo los fotógrafos más importantes de la fotografía española que pertenece a la generación de la posguerra. Miembro de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid desde 1956, y del Grupo La Palangana y AFAL.

Podemos considerar que fue autor destacado de esa generación de artistas que formaron los cimientos del desarrollo de la fotografía española en la segunda mitad del siglo XX. Gran amigo de Paco Gómez, ejerció de fotógrafo aficionado durante toda su vida, teniendo una mirada privilegiada para reflejar todo aquello que quería retener con su cámara. Retratos, instantes efímeros de la vida, su entorno familiar y los viajes fueron entre otros los temas que desarrolló.

Fue un fotógrafo con una gran cultura visual, compraba revistas en el extranjero, y procuraba estar informado de las tendencias de la fotografía, investigaba y trabajaba con pasión. En 1962, viaja a París con un grupo de fotógrafos españoles invitados por el Ministerio de Cultura Francés para hacer un reportaje de la ciudad. Allí surge la mirada moderna del artista realizando un reportaje que supuso una ruptura estética y narrativa con la forma en la cual se fotografiaba en este país.

Su mirada está a la altura de los trabajos que William Klein realizaba en aquellos años. Tuve la suerte de ver parte de aquellas fotografías en 1980, en el estudio de Pepe Puga. Con posterioridad, Pepe Puga, Rafael Ramírez, y yo fundamos la Galería Image en Madrid e inauguramos con una exposición de Gabriel. Era un hombre cercano que como otro grande de esa generación Paco Gómez influenciaron de forma decisiva a mi generación.

En sus imágenes podías percibir esas sensaciones intensas que recibes cuando un fotógrafo lo entrega todo en el acto fotográfico. Eso es recibido por el espectador, y ese es el Punctum del que nos hablaba Roland Barthes. Gabriel Cualladó comentaba que sus negativos cabrían en una caja de zapatos, muchos creemos que es una exageración.

Exposición

En la excelente retrospectiva de su obra, comisariada por Antonio Tabernero, sitúa este periodo de su obra entre los años 1956-1994.

Podemos ver a un Gabriel Cualladó en plenitud creativa con imágenes directas, intimistas, que inmediatamente producen esa relación emocional intensa, y a la que se vuelve con calma y reposo para disfrutar de la composición, el claro oscuro y las miradas de sus personajes. Hay melancolía y desesperanza, las calles destruidas, los rostros desgastados por el tiempo y una falta de futuro subyacen en el ambiente.

En los años 1980-81 realiza su serie del Rastro madrileño, un trabajo lleno de silencios y fuerza narrativa. El claroscuro sustenta la base estética de las obras. En 1994 se le otorga el Premio Nacional de Fotografía. Ahora tenemos la oportunidad de ver una excelente retrospectiva de su obra en la sala del Canal de Isabel II en Madrid hasta el próximo 29 de abril. El catálogo es imprescindible.

Gabriel Cualladó, 1968, El Fitu

Gabriel Cualladó, 1958, Clemente

Autorretrato, 1956

José Santos Mingot

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot (1948, Camas, Sevilla) es un fotógrafo que pertenece a esa generación de comienzos de los años ’80 que surgió en el entorno de la RSF de Madrid. Fue un miembro destacado del Colectivo 28. Crecimos bajo la influencia de los grandes maestros de la Escuela de Madrid como Gabriel Cualladó, Paco Gomez, Paco Ontañon, y Juan Dolcet entre otros.

Fotógrafo autodidacta, Santos Mingot siempre ha tenido esa mirada precisa, estéticamente minimalista con la que nos muestra las sutilezas de lo cotidiano que pasan desapercibidas para la mayoría. La poesía silenciosa de su fotografía nos cautiva y sumerge en ese mundo del difícil equilibrio entre las luces, las sombras, las formas y los significados. Es un trabajo intimo, lleno de sugerencias que el espectador tiene que interpretar. Santos Mingot es un maestro de esa generación, y después de su última exposición internacional en Tokio (2012), ahora tenemos la posibilidad de ver su proyecto Ausencias, en la RSF del 11 de mayo al 7 de junio. Un autor imprescindible con una mirada única, que representa el triunfo de las ideas y el trabajo serio frente a esa vorágine de mediocridad que nos rodea.

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

Paco Gómez

1959, Tranvía en el paseo de Extremadura, Madrid, © Paco Gómez / Foto Colectania

1959, Tranvía en el paseo de Extremadura, Madrid, © Paco Gómez / Foto Colectania

Paco Gómez (1918, Pamplona-1998, Madrid) fue uno de los maestros de la Escuela de Madrid. Una persona entrañable y afable con el que coincidias en la RSF de Madrid cuando tenía su sede en la calle del Principe. En aquellas tardes de debates fotográficos de los concursos sociales, no sólo nos disfrutamos de la presencia de Paco Gomez, sino también con Gabriel Cualladó, Juan Dolcet, Gerardo Vielba, Sigfrido de Guzmán o Enrique Peral. Entre los jóvenes nos encontrábamos la mayoría de los que después formamos el Colectivo 28. Crecimos influenciados por está maravillosa generación que formaron parte del grupo de La Palangana y algunos de ellos del Grupo Afal. Su influencia fue decisiva en la generación de Nueva Lente y en la nuestra .

Paco Gómez ha sido un fotógrafo que desde su silencio y modestia ha creado obras maestras. Su colaboración con la revista Arquitectura nos dio la oportunidad de disfrutar de su gran talento, ese minimalismo poético que encontramos en la mayoría de sus obras. Su trabajo tiene un desarrollo estético muy diferente al de muchos de sus coetáneos y un aire más reflexivo que se aleja más del famoso instante decisivo. Lamentablemente muchos de los grandes maestros de esta generación no han tenido en vida el reconocimiento que han merecido, por ser los que construyeron los pilares de la fotografía española de la segunda mitad del siglo XX. Ahora tenemos la oportunidad de ver en Madrid está retrospectiva de este gran maestro en El deposito del Canal de Isabel II de Madrid. Una exposición imprescindible para disfrutarla en esta primavera madrileña.

1974, Paseo de La Habana, Madrid Paco Gomez©Fotocolectania

1974, Paseo de La Habana, Madrid
Paco Gomez©Fotocolectania

1959, Paco Gomez©Fotocolectania

1959, Paco Gomez©Fotocolectania

1958, Paco Gomez © Fotocolectania

1958, Paco Gomez © Fotocolectania