Luigi Ghirri en el MNACRS

Luigi Ghirri, 1977 Salzburg
© Legado de Luigi Ghirri
Colección Particular, cortesia de Matthew Marks Gallery

Luigi Ghirri (1943-1992, Italia) es uno de los grandes artistas que han usado la fotografía como medio para cuestionar la realidad, a través de imágenes que puedan producir una reflexión en el espectador, entre lo que vemos, lo que representan y su significado.

Luigi Ghirri nació en Scandiano, cerca de Modena en la región de Emilia Romagna. Su campo de trabajo se encontraba en un radio de tres kilómetros cerca de su casa. Utilizaba esta zona para la captura de gran parte de sus fotografías. Trabajó como aparejador y hasta 1973 no se dedicó a la fotografía a tiempo completo.

 <<hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía ; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo>>

Luigi Ghirri (1)

Luigi Ghirri, 1972, Pescara
© Legado de Luigi Ghirri

Fue también un ensayista, pensador, conservador y editor. Amigo del cantante Lucio Dalla colaboró con él en algunas de sus canciones. Era un intelectual y para él la fotografía era una activación del pensamiento. La frase de Giordano Bruno << Pensar es especular con imágenes >> , fue siempre para él una referencia. En 1971 conoce al artista Franco Vaccari y con él explora y debate sobre el papel de la fotografía en el arte contemporáneo.

Criticó el uso masivo de las imágenes en el medio audiovisual como forma de alienación y agresión al espectador defendiendo el uso reflexivo de la fotografía:

<<la fotografia como una imagen necesaria, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes>> (2)

Luigi Ghirri, 1972. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Influenciado por el arte conceptual y experto en fotografía de arquitectura, en contraposición a sus intenciones sobre un estilo propio, ha conseguido que sus obras sean perfectamente reconocibles.

El uso de la sobrexposición, los colores pasteles, el minimalismo narrativo y el lenguaje conceptual constituyen las referencias básicas con las que podemos definir su obra. Usaba el color <<porque el mundo es en color>> en contraposición a los planteamientos de Cartier-Bresson que afirmaba que la fotografía era en blanco y negro y el color estaba destinado a la pintura y a la naturaleza.

En sus reflexiones sobre su serie Fotografie del periodo iniziale. 1970 -1973 Luigi Ghirri afirma lo siguente:

<<Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mi la fotografía es un lenguaje sin código alguno…
El encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la escena de una manera directa…
me he situado ante aquello que quiero representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotografías a laboratorios convencionales. Nunca me han interesado los procesos de maquillaje de la imagen. Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean al mismo tiempo, fotografías>> (3)

Luigi Ghirri, 1973. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Kodachrome 1970 -1978 es su primer trabajo, con una estructura concreta y articulada. Realizaba diversos proyectos a la vez y muchas de las series que veremos en la exposición coinciden en el tiempo. La década de los setenta es una época muy prolífica en el trabajo de Ghirri.

En 1978 se publica Kodachrome, y en 1979 en Parma realiza la exposición Vera Fotografía. En esta exposición se muestran todos los proyectos realizados hasta la fecha: Fotografie del periodo iniziale (1970); Kodachrome (1970-78); Colazione sull’erba(1972-74); Catalogo (1970-79); Km 0.250 (1973); Diaframma 11, 1/125, luce naturale(1970-79); Atlante (1973); Italia ailati (1971-79); Il paese dei balocchi (1972-79); Vedute (1970-79); Infinito (1974); In scala (1977-78); Identikit (1976-79); Still-Life (1975-79).

Luigi Ghirri nos da algunas de sus reflexiones sobre este trabajo, que constituyen una referencia dentro del cuerpo de su obra.

<<Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace de estas fotografías, que no quieren hablarnos de como las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratar de relacionar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad>> (4)

Luigi Ghirri, 1972, Marina di Ravenna. ©Legado de Luigi Ghirri

En el año 2000, se expuso en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid su serie <<Il profilo delle nuvole>>. Este trabajo recoge la interpretación del artista sobre el paisaje. Un interesante texto de Giani Celati titulado <<Comentarios sobre un teatro natural de las imágenes>> , nos ayuda a conocer los pensamientos de Ghirri sobre esta obra. El catálogo se publicó en 1989, tres años antes de la muerte de Ghirri.

En 2015 pudimos ver la obra de Luigi Ghirri en la exposición Construyendo Mundos, en la Fundación ICO de Madrid.

Luigi Ghirri murió prematuramente en 1992, pero su legado es indudable y su obra forma parte del arte europeo contemporáneo, investigar su obra nos da una perspectiva diferente sobre lo que esta ocurriendo hoy con otros autores; y nos demuestra su clara influencia en muchas de las obras que vemos en la actualidad.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Venecia de 2009 el documental <<Deserto Rosa>> basada en la obra de Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, 1972, París. Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

La Exposición

La exposición El mapa y el territorio de Luigi Ghirri se podrá visitar en el MNACRS (Museo Reina Sofía) desde el 25 de septiembre hasta el 7 de enero de 2019. Ha sido comisariada por James Lingwood.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta.
Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color “sin paralelo en la Europa de la época”, según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado. (5)

Luigi Ghirri, 1974, Orbetello
©Legado de Luigi Ghirri

Podemos decir que la exposición que vamos a ver en el MNACRS es una versión de la exposición Vera fotografia que se presentó 1979 en Parma. En el catálogo aparecen los mismos textos de Luigi Ghirri y el mismo orden que acompañaban a las series presentadas en la exposición de Parma. Nos encontramos ante la mayor retrospectiva de este periodo de la obra de Ghirri que se ha hecho con anterioridad en España.
El catálogo es una pieza fundamental para que el espectador conozca con profundidad la obra de este artista tan importante en la última parte del siglo XX.

Luigi Ghirri, 1972, Brest
© Legado de Luigi Ghirri

 

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Citas

(1) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(2) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(3) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 58. editor: MACK. organizador: MNACRS

(4) El mapa y el territorio. Pag 76. Kodachome, Luigi Ghirri.
editor: MACK. organizador: MNACRS (1)

(5) Resumen de la información en la web del MNACRS.

Notas Sobre El Paisaje

Rafael Roa © 2015
De la serie Nowhere Anywhere

Definimos el paisaje como la extensión de terreno que contemplamos desde un lugar y se extiende hasta la linea del horizonte. La naturaleza y su contemplación va unida a la belleza, nos emocionan aquellos paisajes en los cuales la tierra muestra toda su fuerza y esplendor, grandes cataratas, ríos, valles, desiertos…. y eso lo idealizamos en nuestra búsqueda personal del paraíso como un espacio de refugio en el cual podremos alcanzar la felicidad. En definitiva terminamos por expresar emocionalmente la contemplación de las bellezas naturales y a su vez esto forma parte de nuestros recuerdos, anhelos y sueños. Apreciamos de igual manera la belleza de los cuerpos, sonidos o texturas. El paisaje en el arte ha sido una creación subjetiva de lo real, produciéndose una exaltación romántica y espiritual que ha sido asimilada por los receptores de esas obras. El ideal de la belleza llevado al limite de lo sublime y del deseo de experimentar esas sensaciones producidas por el acto de contemplarlos alejados de nuestros entornos cotidianos y asfixiantes.

El paisaje urbano en contraposición al paisaje-paraíso soñado por todos. Walter Benjamin y sus opiniones sobre la ciudad. La ciudad no es un paisaje más de la industrialización, ni siquiera su escenario privilegiado, sino un vector esencial de la experiencia moderna, de sus dramas, pero también de las posibilidades de emancipación que ofrece. Sus experiencias urbanas en Moscú, París, Berlin, las tres grandes metrópolis más influyentes de esa época le hizo profundizar en el concepto de la vida urbana como vía de acceso a la teorización de aspectos cruciales de las sociedades capitalistas. El paisaje urbano se aleja del paraíso soñado que supone la contemplación de un idílico paisaje natural lleno de esplendor y fuerza. En la fotografía de paisaje se expresan estas interpretaciones del mismo, la belleza natural expresada por Ansel Adams como un autor clásico, las imágenes de Walker Evans de las ciudades o la expresión moderna de la fotografía de Atget documentando la ciudad de París. Esa ciudad por la cual El Flâneur, el héroe urbano de Benjamin, el paseante que se sumerge entusiasmado en la multitud, en el anonimato y su misterio, en la contemplación admirada de una plétora de mercancías en las que resulta invisible el trabajo necesario para producirlas. El flâneur es un arqueólogo que indaga en las ruinas de una civilización futura, un detective multifacético al que afecta profundamente aquello que investiga: observador y observado, comprador y mercancía, actor y espectador.

En definitiva podemos abordar la creación de imágenes fotográficas del paisaje desde diferentes puntos de vista: estéticos, documentales, y conceptuales dando nuestra interpretación del entorno que nos rodea.

Joel Meyerowitz ©

Joel Meyerowitz ©

Edward Burtynsky ©Flood Control LeveeMaasulakte, Rotterdam, The Netherlands, 2011

Edward Burtynsky ©Flood Control LeveeMaasulakte, Rotterdam, The Netherlands, 2011

Stephen Shore © 1972 Amarillo, Texas

Stephen Shore © 1972
Amarillo, Texas

Luigi Ghirri © 1986 ©Eredi Luigi Ghirri

Luigi Ghirri © 1986
©Eredi Luigi Ghirri

Nadav Kander ©

Nadav Kander ©

 

Construyendo Mundos – PHE2015

Nadav Kander ©

Nadav Kander ©

En la Fundación ICO tenemos una interesante exposición titulada “Construyendo Mundos” que comisariada por Alona Pardo y Elias Redstone reúnen autores tan interesantes como: Berenice Abbott, Iwan Baan, Bernd y Hilla Becher, Hélène Binet, Walker Evans, Luigi Ghirri, Andreas Gursky, Lucien Hervé, Nadav Kander, Luisa Lambri, Simon Norfolk, Bas Princen, Ed Ruscha, Stephen Shore, Julius Shulman, Thomas Struth, Hiroshi Sugimoto y Guy Tillim. La exposición contiene 250 fotografías de estos grandes maestros y se muestra desde una forma cronológica y temática.

Berenice Abbot nos muestra la construcción del gran Nueva York en la década de los años 30. Walker Evans la arquitectura del sur de USA en los años de la depresión y los posteriores a su trabajo en la FSA. Los Becher su trabajo de los depósitos de agua que han sido la inspiración de la escuela de Düsseldorf, acompañados por sus pupilos Thomas Struth y Andreas Gursky. La magia de Hirosi Sugimoto con las fotografías borrosas de grandes rascacielos que alimentan nuestra imaginación y nos llevan a un mundo onírico. Luigi Ghirri, el gran maestro italiano del paisaje vuelve a esta edición de PHE con las imágenes del arquitecto Aldo Rosi. En mi recuerdo su exposición en año 2000 en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid incluida en la edición de PHE de aquel año. Ed Rucha la arquitectura de Los Angeles y Julius Shulman completa el estilo de vida de aquella California en plenitud. Lucien Hervé  la obra de Le Corbusier en la india y Hélène Binet el Museo Judío de Berlín. Stephen Shore el gran maestro del New Color norteamericano aporta una gran selección de su trabajo Uncommon Places y Greetings from Amarillo que recientemente hemos podido disfrutar en la Fundación Maphre en septiembre del 2014.

Dentro de los autores más contemporáneos podemos disfrutar del trabajo de Nadav Kander y sus paisajes de China que visualizan el impacto del desarrollo salvaje y su transformación medioambiental. Guy Tillim sus series de Angola, el Congo y Mozambique. Simon Norfolk nos da su versión del paisaje después de la guerra y los impactos sobre la arquitectura y la vida de las gentes. Iwan Baan y su serie Torre de David y las intimistas fotografías de Luisa Lambri explorando las viviendas de prestigiosos arquitectos. Quizás sea la exposición más completa de todas las colectivas que podemos ver en esta edición de PHE, impactante por los diferentes puntos del vista del desarrollo de la arquitectura y su impacto en la población. También podemos ver este desarrollo en sus diferentes épocas y así poder sacar nuestras propias conclusiones. Una exposición imprescindible.

simon norfolk ©

simon norfolk ©

Luigi Ghirri © 1986 ©Eredi Luigi Ghirri

Luigi Ghirri © 1986
©Eredi Luigi Ghirri

Guy Tillin ©

Guy Tillin ©

Stephen Shore © 1972 Amarillo, Texas

Stephen Shore © 1972
Amarillo, Texas

A La Mañana Siguiente

roa©blog22

Rafael Roa © 2012

Hoy di mi paseo matinal mientras la ciudad dormía, con unos amigos y una pequeña cámara. Hacía frío, y el silencio como había pronosticado, ayudaba a que se oyesen nuestras pisadas.
La neblina de la mañana me recuerda a los paisajes de Luigi Ghirri, y la noche a los desolados parajes de Marie José Jongerius.
La fotografía americana de los años ochenta nos ha educado la mirada a muchos fotógrafos. Nos han enseñado a ver espacios, luces, y formas que hasta ahora pasaban desapercibidos para nosotros. Una gran parte de la fotografía nocturna e intimista que tratamos de hacer está inspirada en Edward Hopper, el New Color, y la literatura de Carver o Kerouac.
Cuando te enseñan a apreciar que en la música de George Gershwin encuentras influencias de Claude Debussy, te vuelves más meticuloso cuando lo escuchas y observas esas referencias estéticas rápidamente.
El otro día hablaba de las emociones y definiciones, de como construir algo propio, que tenga primero el sentido del compromiso sincero con nosotros mismos, y luego seamos capaces de integrarlo en una estética personal. Al final siempre llego a las mismas conclusiones, terminamos destilando en nuestro trabajo lo que somos.
Alejarse de la marabunta social que acepta cualquier cosa y se somete al dirigismo cultural y político que el poder transmite te da otra perspectiva del tablero.
Si aceptamos todo aquello que nos venden nos convertiremos en una pieza del engranaje sumisa y carente del más mínimo pensamiento propio.
Trasladando estas reflexiones al ámbito de la fotografía, lo peor que nos puede pasar es que nos subamos al carro del “apunta y dispara”, busquemos trucos, o saquemos pecho por la cantidad de “me gusta” que nos den en las redes sociales.
Abstraerse de las corrientes es muy difícil, pero es necesario tener esa voluntad para poder ver con otra perspectiva que hacemos y hacía donde queremos dirigirnos.
La ciudad se fue despertando, llegó el momento de regresar a casa.

Maria Jose Jongerius © 2011 - 2012Lunar Landscapes

Maria Jose Jongerius © 2011 – 2012
Lunar Landscapes

Luigi Ghirri ©

Luigi Ghirri ©

Lina Scheynius © Self Portrait

Lina Scheynius © Self Portrait

 

Paraíso

Harry Callahan © Eleanor

Harry Callahan © Eleanor

Enfrentarse al vacío de las ideas, a la oscuridad y al silencio. Huir de lo épico aunque nos seduzca el canto heroico de Sibelius “Finlandia”, y lo mezclemos con las miradas tiernas de las bañistas de Luis Ramón Marín o la poesía del paisaje de Ghirri.
Lo cotidiano nos abrasa como el sol del desierto, y necesitamos soplos de aire fresco que alivien las quemaduras de la monotonía.
Unos se refugian en las drogas o el alcohol, el gozo o el vértigo de la velocidad en la noche, yo me refugio en todo aquello que me emocionó y me abrió las neuronas a la compresión y disfrute del trabajo de los otros.
La música, la literatura, las imágenes, todos esos pequeños compartimentos llenos de pequeños tesoros que he ido guardando a lo largo del tiempo, me alivian cuando los abro poco a poco, seleccionando cual será el adecuado para cada instante.

Pero la textura de la piel gana siempre la batalla, cerrar los ojos y deslizar tus dedos sobre el cuerpo que deseas, leer los poros que me hablan, y saber que es lo que me voy a encontrar unos centímetros más arriba.
Ese oasis donde refugiarse de las quemaduras, buscar el alivio al cansancio, y hacer realidad los sueños, relajarse y entregarse a las pasiones sin ningún control, beber el deseo hasta empacharse del gozo, una isla de paz y placer.
Desconectarse del mundo, disfrutar de todo lo sencillo y placentero que hoy nos niegan, reconquistar esas pequeñas parcelas de libertad individual, la brisa de las noches de otoño, las miradas y los senderos íntimos que siempre nos llevan a nuestros paraísos.
La muerte puede esperar, esta noche no.

Luis Ramón Marín ©

Luis Ramón Marín ©

Luigi Ghirri ©

Luigi Ghirri ©

Alexander Gronsky

Alexander Gronsky ©

Alexander Gronsky (1980, Tallinn, Estonia) es un joven fotógrafo ganador del prestigioso premio Foam Paul Huf Award en el año 2010.
Su trabajo minimalista en la fotografía de paisaje me recuerda al gran fotógrafo iltaliano Luigi Ghirri. Nada más adentrarme en la obra de Gronsky vi esa similitud de estéticas minimalistas y conceptuales, que trajeron la innovación a la fotografía del paisaje europeo, aportadas por Ghirri.
Gronsky nos muestra los detalles ocultos, en la inmensidad de sus paisajes de desiertos helados, nos hace buscarlos, y estos se convierten en el punto principal de la imagen que muestra. El uso del color, los encuadres precisos enriquecen y potencian las cualidades estéticas de su obra.

Alexander Gronsky ©

Lo instantes cotidianos, los convierte Grosnky en momentos importantes que suceden en lugares inhóspitos y lejanos. Esa lectura estética del paisaje, bajo la mirada de este fotógrafo produce una transformación del espacio que selecciona, dotándole de una importancia que seduce la mirada del espectador, que se cuestiona por el desenlace de la escena que está contemplando. Buscar los momentos y aislarlos de su contexto, dando importancia a lo que cualquiera de nosotros podría ver como irrelevante, es el gran acierto de la mirada de este paisajista, que sigue la estela del malogrado Luigi Ghirri.

Alexander Gronsky ©

Alexander Gronsky ©

Franco Fontana

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana (1933, Modena, Italia) representa la interpretación abstracta del paisaje. Lo divide en zonas delimitadas por los colores, juega con el horizonte y las sombras.
Nacido en la misma tierra que Luigi Ghirri representa todo lo contrario, los excesos del color frente a la sutileza y suavidad de Ghirri.
Fontana siempre ha mostrado esa visión exuberante, sus fotografías provocan el interés inmediato de quien las contempla. Esos excesos del color se justifican y forman parte de su personal e inconfundible estilo.
Sus desnudos muestran las formas del cuerpo, integradas en la naturaleza o contrastando con el azul de las piscinas y los reflejos del cielo.
Ha tenido una larga trayectoria desde que a comienzos de los años sesenta comenzase a  fotografiar y a exponer su obra. Sólo con echar un vistazo a su historial nos daremos cuenta de su denso e importante curriculum. En los años ochenta era habitual encontrarse con él en Arles, y verle buscar por aquella carreteras de la Camargue los colores con los que él se identificaba para definir el paisaje.
Porque como he comentado muchas veces, la fotografía es la expresión del fotógrafo a través de sus imágenes, nos definimos y mostramos a los demás a través de nuestras obras.
Fontana tiene esa fuerza y vivacidad que muestra en su obra, y como él comenta habitualmente, “para fotografiar un paisaje tienes que formar parte de él”.

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

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Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

Franco Fontana ©

 

 

 

 

 

 

Recordando A Luigi Ghirri

Luigi Ghirri ©

Estoy en Abano Terme, en casa del artista y amigo Matteo Albertin, perteneciente al Grupo Sinestetico con el cual me une una relación desde hace años. Abano Terme es una pequeña ciudad cercana a Padova, llena de hoteles de lujo y balnearios de aguas termales. Es un lugar limpio, impoluto, con una perfección cercana al de un lugar donde se va a desencadenar cualquier suceso imprevisto. Grandes tiendas de lujo contrastan con la edad avanzada de los turistas de alto poder adquisitivo que visitan el lugar.
Las joyerías y la música de valses que sale de los hoteles al anochecer contrasta con el vacío y el silencio de las calles. Bromee con Matteo sobre el tema en la noche de ayer, a mi este lugar me parece un decorado similar al de la película “El Show de Truman”.
Hoy, al amanecer me despierto con la niebla que invade esta región del Veneto cada día. Miro por la ventana y me encuentro con una fotografía de Luigi Ghirri, el gran maestro del paisaje italiano del cual os he hablado en otras ocasiones. Ghirri nació en 1943 en Scandiano, en la provincia de Emilia Romana, en plena segunda guerra mundial. Nadie como él ha dado a la fotografía de paisaje ese toque intimista, elegante, poético y misterioso. Ghirri ha mostrado todo eso con sus fotografías de estas tierras.
Vamos a Este, por pequeñas carreteras sinuosas que están acompañadas de los canales fluviales que llevan hasta Venecia. Este es un pequeño lugar lleno de una arquitectura medieval y que conserva una gran fortaleza y recinto amurallado en un magnifico estado.
Me gustan estos pequeños pueblos que se agigantan con los restos de su historia que saben conservar, y me da envidia al ver como nosotros hemos destrozado nuestro patrimonio y los italianos saben cuidar el suyo como su gran tesoro.
Preparamos todo para el taller del fin de semana, comemos en Este una estupenda pasta que sólo se hace en el Veneto. La residencia de Lord Byron y de Percy Bysshe Sheley de estilo alemán se encuentra frente a la fortaleza de Este. Una placa nos recuerda este hecho.
A la vuelta nos encontramos con el Castelo del Catajo en la comuna de Battaglia. Mi amigo Alessandro me cuenta que tiene 365 habitaciones y que durante la segunda guerra mundial fue el cuartel de las SS de la zona.
Mientras nos movemos lentamente por estas carreteras sigo acordándome de Luigi Ghirri.
Este fotógrafo todavía no ha sido suficientemente reconocido, ni su aportación a la estética del paisaje apreciada. Los alemanes con la Candida y los diferentes Thomas se han llevado los honores que a él le pertenecen por su carácter innovador. Pero muchos seguirán apreciando “Il Profilo della Nuvole” y las obras de este poeta de la fotografía.

Rafael Roa © Abano Terme

Rafael Roa © Abano Terme

Rafael Roa © Abano Terme

Rafael Roa © Comune di Battaglia, canal fluvial

Rafael Roa © Castello de Catajo

Rafael Roa © 2012 , Matteo Albertin

Wim Wenders, Genuinamente Americano

Wim Wenders © Open-Air Screen, Palermo 2007

Wim Wenders (1945, Düsseldorf Alemania) es uno de los cineastas más interesantes de los últimos 40 años. Las primeras secuencias de Paris, Texas (1984) nos muestran ese desierto californiano con una estética muy especial.
En 1979 Richard Misrach comenzó su serie “Desert Cantos” que se extendió hasta 1999. En la obra de Misrach encontramos las soledades y la belleza de los inmensos espacios del desierto que vimos en aquellas secuencias de Paris, Texas magníficamente complementadas por los desgarrados acordes de Ry Cooder.
Wenders refleja en sus fotografías toda la estética del New Color. Esa forma especial de aprender a ver los espacios y a conjugarlos con el color y el vacío.
Esta corriente estética de la fotografía nos ha enseñado a muchos a apreciar el paisaje, sus soledades y la poética del color. Ha influido en muchos autores de la denominada fotografía contemporánea. Siempre una imagen refleja muchas cosas, aunque nos pretenda mostrar el vacío.
Wenders es un viajero curioso. Necesita fotografiar todo aquello que tiene una armonía de color y muestra lugares que definen a aquellos hombres que los habitan.
Al final uno termina cerrando el circulo en sus obras. Paris, Texas aportó una nueva narrativa visual a una historia dramática llena de soledades. La obra fotográfica de Wenders cierra el circulo que él abrió con ese film. Y lo cierra con la mirada directa y experta de un individuo que no ha podido dejar de producir imágenes ni un sólo día en su vida.
Todos nos hemos acostumbrado a ver y mirar de esta forma. El New Color y la visión europea del paisaje de Luigi Ghirri nos han enseñado un camino a seguir, hemos aprendido a ver los espacios desde un punto de vista diferente.
Los autores alemanes aclamados en la bienales y con grandes éxitos económicos no han aportado nada más que el gigantismo de sus obras. Wenders es un fotógrafo genuinamente americano aunque haya nacido en la cuenca del Rurh. Su mirada no tiene nada que ver con la escuela de Düsseldorf, es narrativamente más cálido y poético.
Su trabajo “Places, strange and quiet” recientemente expuesto en Hamburgo y programado en la galería Ostlicht de Viena desde el 6 de Octubre próximo hasta el 17 de noviembre.

Wim Wenders © de la serie Places, strange and quiet

Wim Wenders © de la serie Places, strange and quiet

Wim Wenders © de la serie Places, strange and quiet

Wim Wenders © de la serie Places, strange and quiet

La Fotografía, La Playa, El Mar

Jacques Henri Lartigue ©

La playa, la costa, y el mar son temas que siempre han atraído a todo tipo de artistas y también a los fotógrafos. Estos se han acercado al tema de diferentes formas, simplemente como fotografía de paisaje, o usando los entornos naturales para el desnudo. También hemos reflejado los comportamientos humanos y nuestra relación con ese entorno, muchas veces soñado como válvula de escape de nuestra rutina.
El mar, llegar a sus orillas y mirar al infinito mientras nos bañamos en sus aguas nos supone una relajación visual y un espectáculo infinito de imagen y sonido. Sentarse a contemplarlo es como ver un vídeo en loop.
Autores como Lartige que experimentaron con la nueva herramienta de la fotografía en los inicios del siglo XX reflejaron en su obra las playas y las gentes que las disfrutaban, así como bellas imágenes de barcos y gentes gozando de esos momentos. Otro gran fotógrafo español, recientemente descubierto  como Luis Ramón Marín nos obsequia con imágenes de gentes en sus baños de verano. Podemos decir que este es el punto de vista bucólico e idílico donde también podemos incluir a autores como Jock Sturges, que en sus series de jóvenes desnudos nos presenta una especie de perfecto Edén.

Luis Ramón Marín ©

Jock Sturges ©

La imágenes surrealistas de autores como Paola Pivi son una muestra de como elaborar un trabajo más conceptual, con el mar como elemento metafórico, dentro de un tipo de narrativa diferente al mero documento o reportaje fotográfico. No hay instantáneas que capturar sino imágenes muy elaboradas basadas en una idea.
La parte por el todo de las bañistas de Carlos Pérez Siquier, el trabajo paisajista de Joel Meyerowitz, o el tratamiento de Richard Misrach en su serie “On The Beach”, en la cual nos muestra el placer del sujeto en el medio y la presentación de los humanos como puntos de color sobre la arena, son también  formas diferentes de abordar el tema.

Paola Pivi ©

Carlos Pérez Siquier ©

Joel Meyerowitz ©

Richard Misrach ©

No me olvido de reportaje de Martin Parr y su serie “Last Resort” donde nos muestra como los humanos degradamos los lugares que habitamos con suma facilidad. Este trabajo de Parr muestra la peor versión del “turista cutre” que todo lo arrasa.
Os he mostrado unas pequeñas pinceladas de autores que se han visto atraídos por este tema, hay muchísimos más a los que podemos recurrir para seguir elaborando una pequeña tesis sobre lo que han hecho los fotógrafos. Desde el gran maestro del paisaje europeo como Luigi Ghirri hasta autores asiáticos, americanos, africanos… en cualquier parte del planeta alguien se ha acercado a la orilla del mar para fotografiarlo.

Martin Parr ©

Hay algo poético, quizás el horizonte infinito nos sugiera una huida y el roce de la arena y el agua en nuestra piel nos otorgue una sensación de libertad para decidir nuestro futuro.
Sólo es una pequeña huida de lo cotidiano, de las basuras que el poder nos da a los ciudadanos. Cuando al amanecer decido flotar apaciblemente y disfruto de esos momentos de intimidad con el mar, me produce esa sensación de libertad que no tengo en la rutina diaria. El mar es un buen lugar para disfrutar, para vivirlo intensamente y también para morir o que reposen tus cenizas.

Rafael Roa © 2010