Sobre el retrato

Del retrato clásico al retrato contemporáneo

Petrina Hicks © Shenae and Jade, 2005 Lightjet print 111 x 119cm, edition of 8

El retrato es una de las especialidades de la fotografía que más ayudó al desarrollo de la herramienta desde sus orígenes, fue una forma de representación de todas las clases sociales. Por primera vez las clases más humildes tuvieron a sus alcance un medio por el cual verse reflejados. Estás imágenes se manipulaban al ser coloreadas: y los primeros retratos debido al largo tiempo de exposición no eran muy espontáneos. La evolución técnica hizo evolucionar la estética, pero lo que no ha cambiado nunca es la fascinación de obtener un gesto o una mirada expresiva que defina al sujeto y que sea producto de la relación que se establece a través de la cámara entre el fotógrafo y el fotografiado.

Rafael Roa © Ernesto Alterio 1996,

Siempre me interesó el retrato desde que comencé mi aprendizaje de la fotografía. La fascinación por una mirada que atravesase mi cámara y se quedase incrustada en la película. Después toda la mística del proceso químico, el revelado del negativo, y antes de que se secase ya habías imaginado como sería el positivo. Y luego, el encanto del cuarto oscuro, ver como aparecía la imagen en la cubeta. Para mí el retrato era conseguir una buena mirada acompañada de una luz que lo potenciase. En aquellos años miraba una y otra vez los retratos de Irving Penn y Richard Avedon. Me interesa definir al sujeto y relacionarme con él, quiero que en esos momentos en los cuales intento que él me dé algo que realmente le defina, que transmita su verdad de ese instante y que yo sea capaz de captar las sensaciones del momento. Siempre quería que mis retratos no pasasen inadvertidos. Quería captar miradas, gestos, intensidad, y que el receptor no pudiese apartar sus ojos de aquellas imágenes.

Gabriel Cualladó, 1960, Nicolás

Una vez Cualladó nos enseñó sus fotografías, primero el reportaje de París, muy vanguardista para aquellos años, su forma de encuadrar y de interpretar su realidad era muy diferente al tipo de encuadres que estábamos acostumbrados a ver en España. Después nos enseño sus retratos. Apareció ante mí el retrato de Nicolás, ese hombre sentado al lado de una bicicleta de transporte con sus compañeros apoyados en ella, había cortado los rostros del resto de los personajes; entonces me dí cuenta que hacer un retrato era algo más que un primer plano. Se pueden hacer muchas consideraciones sobre el retrato, desde el clásico que todos conocimos a los retratos conceptuales de Ralph Gibson, o los retratos de celebridades que hemos visto desde Nadar hasta nuestros días. El retrato con intención artística, el documental o el retrato de ficción que tiene su origen en el pictorialismo temprano del siglo XIX, y que es la base en la cual se basa el retrato contemporáneo, con la imprescindible puesta en escena; otra característica de la fotografía que el gran maestro del instante decisivo Cartier Bresson criticaba; el 25% de sus obras son retratos; una buena contradicción.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

Hoy el retrato contemporáneo utiliza las mismas bases que los retratos de ficción del siglo XIX, lo que ha cambiado es la tecnología. La puesta en escena es la base principal y la influencia de la pintura se mantiene hoy en día. Observamos una gran influencia de Edward Hopper, y de la pintura renacentista en autores muy importantes de retrato contemporáneo. Para mi es muy importante que un fotógrafo tenga una amplia cultura, porque nuestras imágenes serán siempre una síntesis de lo que somos, de nuestros conocimientos, de nuestras vivencias, y sentimientos personales. La cultura visual nos sirve para tener referencias y deben ser una base de conocimiento que nos dirija a buscar una estética personal que nos defina como autores; este es un trabajo intenso, duro y largo en el tiempo. Hay que evitar la tentación de los mediocres que es imitar a las tendencias de éxito, y como decía el gran maestro Carlos Përez Siquier: “el artista es el que crea tendencia no el que la sigue”.

Rafael Roa © 2017, Sebastiano

Docencia online

Después de muchos años de talleres, los siete últimos alternando estos con la enseñanza presencial en la escuela PIC.A, y diez años escribiendo en mi blog reflexiones sobre la fotografía he decidido comenzar la docencia online de estas materias.
¿Por qué online?
Porque igual que la tecnología ha cambiado la forma de fotografiar, también cambia nuestras formas de comunicación, y en estos momentos en que la humanidad se enfrenta a la incertidumbre, y por ende esto supone unos cambios radicales en nuestra vida cotidiana. La comunicación online nos permite conectarnos e interactuar en todos los ámbitos incluido el de la docencia y el aprendizaje.
Por eso ofrezco inicialmente dos propuestas, el curso de iniciación al Retrato Contemporáneo que tendrá lugar del 18 de junio al 23 de julio, y los Visionados de portfolios que podrán solicitarse cuando los interesados lo deseen. En octubre tendréis nuevas propuestas de cursos online, podéis consultar los enlaces de ambas propuestas.

Notas sobre el Desnudo

Autor desconocido, 1870

Autor desconocido, 1870

Las formas del cuerpo desnudo han sido representadas culturalmente como una exaltación de lo bello. La sublimación del arte se reivindica por el desnudo. Desde el mundo clásico el desnudo ha sido representado siempre como la expresión de la belleza, del Eros y del deseo. Las formas y las pasiones se mostraban a través del cuerpo, convirtiéndose así en el vehículo de expresión de nuestros sueños más ocultos. La belleza del desnudo radica en su poder de evidencia, porque si lo bello tiene esa capacidad de revelación que le atribuye Platón,  el desnudo es lo que lleva esa capacidad a su summun y la realiza.

Para Descartes el desnudo significa la esencia del ser, expone más el ser y en ello radica su belleza. El poder del tacto de la piel ha sido el motor del deseo, que se ha convertido en ese potro salvaje que tenemos que cabalgar todos para sentirnos plenamente vivos. No hay más allá del desnudo, aquí empiezas y aquí acabas. El desnudo nace frente al deseo. Por eso en él nada queda más por descifrar, el desnudo no es ya signo de nada, lo insuperable está simplemente ahí mostrado. El desnudo no puede cambiar, es él mismo una vez la esencia.

Ruth Bernard © 1967
Perspective II

El desnudo fotográfico capta en-si, en el instante y de una manera inmediata y lo más concreto: en lo sensible mismo, en la piel misma, en el desnudo mismo. Esa curva esa textura, esa sombra aquí y ahora captadas en el fulgor de un instante pero fijados para siempre, vuelven ese particular, no sólo insuperable, sino súbitamente invariable, y por ende absoluto. También el desnudo fotográfico muestra la condición de lo efímero, la sensación de la captura que lo produce en su mortalidad. El cuerpo se convierte en objeto de representación de las ideas. También  es un vehículo de transgresión mediante el uso de la metáfora visual. En el desnudo encontramos lo sensible y lo abstracto, lo físico y la idea, lo erótico y lo espiritual y por último la naturaleza y el arte. El desnudo es generoso, aquellos que se muestran así ya no tienen nada que ocultar y  entregan su esencia. La contemplación y la culminación del deseo llenaran nuestro interior de sensaciones insuperables, provocando la intención de capturar todos esos instantes. No se puede eternizar lo efímero, y las imágenes de esos recuerdos vividos estarán siempre en nuestra memoria manteniendo vivos hasta los últimos detalles.

Joel Peter Witkin ©

La transgresión en el arte es necesaria para intentar remover esos pensamientos anclados en la superstición y los prejuicios. El desnudo puede ser utilizado en este sentido. Siempre ha vivido semioculto, mostrado de soslayo, o claramente censurado pese a estar representado en la tradición del arte europeo. Los bárbaros que quemaban libros también quemaban seres humanos en nombre de la superstición y como forma de controlar al pueblo y someterlo a base sangre y fuego. A veces nos asombramos de como pintores celebres que utilizaban el desnudo en sus obras sobrevivieron a la marginación y la hoguera. Hoy en día la censura permanece en el mundo del arte. Se ocultan trabajos de artistas o se provocan con actos vandálicos y la suspensión de exposiciones. El último caso ha sido el brutal ataque sufrido por el trabajo de Jock Sturges en Moscú, por un público lleno de miradas sucias y algún político del régimen. Han llegado a echar orín sobre sus imágenes. El oscurantismo irracional de aquellos que se creen poseedores de la verdad absoluta.

Irving Penn, 1996

La piel es el reflejo del paso del tiempo en nuestro cuerpo. Nuestra decadencia se produce poco a poco sin detenerse, y va dejando sus huellas. Nos transformamos y no nos reconocemos en las fotografías de nuestra juventud. Nuestra mirada pierde su brillo y nuestro cuerpo nuestro el esplendor de tiempos pasados. Pero también hay belleza en los cuerpos erosionados por el tiempo. Las formas se transforman en paisajes llenos de desniveles continuos. Usamos el cuerpo como forma de mostrar ese paso del tiempo, el cuerpo se convierte en una representación de una idea. El tiempo es una característica de la vida, y por ende del arte. La fotografía es siempre el pasado inmediato y es una herramienta con la cual podemos representar lo efímero de nuestra existencia.

PRÓXIMOS CURSOS ONLINE Julio-Septiembre 2020

El Lenguaje del Cuerpo

Curso sobre la fotografía del desnudo, estéticas y autores más importantes. Mis experiencias de como trabajo este tipo de obra personal, relaciones con los modelos, y materialización de las ideas.
Del 7 al 23 de julio
También habrá un repetición en Septiembre. Toda la información en el siguiente link.

Rafael Roa © 2015 de la serie Dead Skin

Louise Dahl-Wolfe

Louise Dahl-Wolfe © 1938 Harper’s Bazaar

Louise Dahl-Wolfe  1938 Harper’s Bazaar

Louise Dahl-Wolfe (1895-1989, norteamericana) ha sido una de las grandes fotógrafas de moda de la historia. Ella estableció las bases de los reportajes que realizan las revistas en la actualidad. La imagen de la mujer que representaba en sus fotografías era la de una mujer moderna e independiente. En 1921 estudió en el Instituto de Arte de San Francisco siendo su primera inspiración fotográfica Anne Brigman, cuyos trabajos de estilo Pictorialista fueron apreciados por ella. Louise no comenzó a hacer fotografías hasta 1930.

Publicó su primera fotografía en Vanity Fair en 1933. Con posterioridad se mudó a Nueva York y abrió su estudio. Después de realizar sus primeros trabajos de moda para Woman’s Home Companion, Saks Fifth Avenue y Bonwit Teller, en 1936 conoció a Carmel Snow, directora de Harper’s Bazaar que la contrató para el staff la revista. Trabajó con la editora de moda Diana Vreeland formando un tándem único. Si a esto unimos el trabajo del diseñador Alexey Brodovitch el resultado fueron unos ejemplares maravillosos de esa revista durante los años que trabajaron juntos. Podemos ver algunos ejemplares en la exposición de CBA en Madrid.

Su trabajo era muy apreciado por fotógrafos como Martin Munkácsi o Horst P. Horst y el soplo de modernidad que caracterizaba su trabajo influyó en grandes nombres como Irving Penn o Richard Avedon. Abandonó la revista en 1958 como consecuencia de un cambio de dirección en la misma. Fue una excelente retratista, descubridora de Lauren Bacall, ha registrado con su cámara a la mayoría de las personalidades de esa época como Edward Hopper, Orson Wells, Kurt Weil, Dolores del Rio, entre otros. La exposición de Louise Dahl-Wolfe ha sido una de las mas relevantes en programa oficial de PHE 2016 y esta retrospectiva incluye sus fotografías de moda y los retratos. Ha sido prorrogada hasta el 18 de septiembre en el CBA. La Fábrica ha editado un catálogo de la exposición.

Louise Dahl-Wolfe© “Suzy Parker by the Seine, costume by Balenciaga, Paris,” 1953.

Louise Dahl-Wolfe© “Suzy Parker by the Seine, costume by Balenciaga, Paris,” 1953.

Louise Dahl Wolfe ©  Harper's Bazaar

Louise Dahl Wolfe © Harper’s Bazaar 1950

Louise Dahl Wolfe © “Rubber Bathing Suit, California,” 1940.

Louise Dahl Wolfe © “Rubber Bathing Suit, California,” 1940.

Louise Dahl-Wolfe ©

Louise Dahl-Wolfe ©

Louise Dahl-Wolfe © 1941 Cuba

Louise Dahl-Wolfe © 1941 Cuba

Louise Dahl-Wolfe © 1939

Louise Dahl-Wolfe © 1939

Autores y Fotógrafos

Chema Madoz ©

Chema Madoz ©

Abordar este debate y aclarar algunos matices sobre este tema es relativamente sencillo, ver esa diferencia es tan simple como comparar el mundo de la fotografía con el mundo de la tecnología. Pasar de ser un fotógrafo a convertirse en un autor depende si se consigue crear un lenguaje propio que te haga sobresalir de la mayoría. En el mundo de la tecnología hay empresas que producen esos avances y otras que siguen reproduciendo esquemas del pasado en la fabricación de sus productos.
Ningún fotógrafo se convierte en autor de la noche a la mañana, hay años de trabajo en la búsqueda de una estética y lenguaje propios. Nunca vas a asistir a un curso, taller o master y salir de allí siendo un autor. Eso forma parte de un recorrido individual de cada uno y sólo una minoría consigue dar ese salto y destacar del resto.
El primer error que cometemos es la falta de autocrítica sobre aquello que denominamos obra personal. En muchos casos estamos influenciados por esa vorágine de información y de tendencias estéticas que se producen en el ámbito de las artes, la moda y la publicidad.
Caer en la imitación de las tendencias de éxito e incluso llegar a tener un éxito comercial en el mundo del arte no te garantiza que te hayas convertido un autor.

A la sombra de la escuela de Düsseldorf surgieron en este país legiones de imitadores y hasta a uno de ellos se le otorgó un Premio Nacional de Fotografía. El éxito comercial no garantiza que nuestro trabajo se haya convertido en una referencia innovadora en las estéticas de las vanguardias fotográficas del momento. La falta de autocrítica y la ligereza en el uso de los vocablos autor, artista o famoso produce una legión de sujetos que creen que han alcanzado esa cima deseada y lo más gracioso es que consiguen engañar a otros muchos que carecen de cultura visual y no saben detectar de que fuentes beben para hacer algunos de esos cócteles horrorosos con los llenan galerías y museos.
Lo primero que deberíamos hacer todos es mirarnos al espejo y analizar lo que estamos haciendo con la frialdad de un asesino en serie para eliminar todo aquello que nos sobra y lo segundo ponernos cada día a trabajar buscando ese lenguaje que nos haga diferentes.

William Klein ©

William Klein ©

Irving Penn ©

Irving Penn ©

Robert Mapplethorpe Foundation ©

Robert Mapplethorpe Foundation ©

Fernand Fonssagrives

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives (1910, París – 2003, Arkansas) fue uno de los fotógrafos de la denominada “Escuela de Nueva York”. Bailarín como su mujer Lisa, la mítica modelo que después se casó con Irving Penn y es considerada como la primera top model de la historia de la moda.
Se dedicó a la fotografía después de un accidente de buceo, cuando Lisa le regaló una cámara Rolleiflex. Hasta su divorcio formaron un tándem creativo y él fue uno de los fotógrafos mejor pagados en el mundo de la moda.

Su principal aportación fue el estudio de los cuerpos, la experimentación con las formas que se sumergían en un mundo abstracto de sombras dotando de una nueva visión al desnudo que hasta entonces de conocía.
Fue un innovador, esta estética fue usada posteriormente por fotógrafos como Herb Ritts o Lucien Clergue. Cuando se divorció, viajó a España donde estuvo realizando su trabajo personal durante algún tiempo.
Hasta el 23 de diciembre podemos ver su trabajo en la Duncan Miller Gallery de Santa Monica, en California.

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Fernand Fonssagrives ©

Rebeldes y Farsantes

Comportamientos sociales en el mundo del arte

Ai Weiwei © Never Sorry

Ai Weiwei © Never Sorry

Cuando Ai Weiwei fue liberado de su secuestro por las autoridades chinas en 2012, comunicó con un rostro desgastado por la tortura que se encontraba bien y en casa. Hay artistas que se enfrentan al poder político para denunciar los abusos del sistema. Otros fingen que se enfrentan para hacerse con esa aureola de héroes que tanto vende de cara al público.
Los que se comprometen lo pagan de una forma u otra, detenciones, confinamientos, cárcel, exilio. Eso ocurre en los países donde los roles entre las dictaduras y los ciudadanos están muy definidos. En los paraísos democráticos occidentales todo puede ser mucho más sutil. Marginación, aislamiento social, censura en los medios de comunicación. Si el mercado no te “adopta” no existes.

Marcel Duchamp © 1917 Fuente- firmado como R. Mutt

¿El arte murió con Duchamp o el arte puede haber muerto?
He visto esta tarde una aburrida selección de jóvenes promesas de la fotografía contemporánea, he esbozado una ligera sonrisa. Aquellas tomas que considerábamos pequeños divertimentos, a comienzos de los años ochenta y que duermen en las cajas de lo anecdótico, muchas de estas promesas lo consideran una obra seria. Estamos en el tiempo de la exaltación de lo banal.
¿Por qué se produce esto, por falta de autocrítica o por mera imitación de otros productos que se venden bien en el mercado?
Si partimos de la hipótesis de que el arte puede haber muerto, podemos afirmar que estamos en la edad de oro del consumo y producción masivos de los objetos seudoartísticos. Todo individuo necesita cultivar su estética, aunque sea como un felpudo novedoso a la puerta de su casa. No todo que lleve una etiqueta de moda es sinónimo de calidad, incluso puede ocurrir todo lo contrario, puede hacerle pertenecer a una camada de aburridos lobeznos que todos bostezan igual.

SHIRIN NESHAT ©
Nida (Patriots), from The Book of Kings series, 2012

 

Un autor se diferencia del resto por su capacidad de crear un lenguaje propio, realmente innovador. No necesita etiquetas ni parapetarse detrás de un grupo. Los que nos han ofrecido unas obras realmente grandes han estado por encima de las definiciones de corrientes o grupos.
Cuando a Irving Penn se le ofrece una exposición en el MOMA en 1975, entre las obras que presenta están estas series de colillas de cigarrillos, muy alejadas de sus retratos o sus fotografías de moda.
Este ejemplo es para concluir que la fotografía debe potenciar la búsqueda del autor, de aquel fotógrafo que nos ofrece unas obras con una personalidad propia. Las etiquetas sólo sirven para agrupar a aquellos que no pueden destacar con un discurso individual, los disidentes se enfrentan al poder cueste lo que cueste, y los farsantes se quedan en su casa sentados en su sofá de cuero.
 
 
Irving Penn © Cigarrettes

Irving Penn © Cigarrettes

Siluetas

Albert Watson ©

Albert Watson ©

Las siluetas siempre han sido un recurso en la fotografía, esa simulación artificial del contraluz en estudio en la cual conseguimos la silueta de la modelo sobre un fondo blanco.
Jugar con las formas ocultando cualquier textura o información de la modelo. Todos los grandes fotógrafos lo han usado como recurso estético en diferentes especialidades de la fotografía, y en blanco y negro o color. Una silueta negra sobre un fondo más claro siempre provoca un cierto misterio y dota a la fotografía de una elegancia exquisita.
Los ejemplos que os dejo hoy aquí son de dos grandes de la fotografía de la moda como Irving Penn y Albert Watson. Pero este recurso lo han usado todos como una solución estética principal o secundaría dentro de la imagen.

Irving Penn ©

Irving Penn ©

Irving Penn ©

Irving Penn ©

 

Platinum

Herb Ritts © 1989

Herb Ritts © 1989
TORSO ENVUELTO, Los Angeles,
Platinotipia, 50,8 x 40,6 cm

La Platinotipia es el proceso más noble de positivado en blanco y negro. La calidad y los tonos que se obtienen son inigualables. La galería Bernheimer Fotografía Fine Art de Munich, presenta una exposición colectiva de grandes maestros de la fotografía entre los que se encuentran: Irving Penn, Horst P. Horst, Herb Ritts, Mark Seliger, Len Prince, George Tice, Brigitte Carnochan, Mirella Ricciardi, Nick Brandt, Silke Lauffs y Gregor Törzs.

La exposición se podrá ver desde el 20 de Septiembre al 31 de Octubre próximos.

George Tice  Embarcadero en el RÍO HUDSON , Jersey City, 1979  Platinum Palladium Print

George Tice
Embarcadero en el RÍO HUDSON , Jersey City, 1979
Platinotipia

Stephen Shore

Stephen Shore ©

Stephen Shore (1947, NY) es uno de los máximos representantes de la corriente de New Color. Su trabajo ha estado influenciado por la obra de Walker Evans. Edward Steichen le adquirió 3 fotografías para la colección del MOMA cuando él tenía sólo catorce años. Con 17 años conoció a Andy Warhol, y estuvo vinculado a The Factory durante algún tiempo. En la actual edición de PHE podemos ver estos trabajos en la exposición dedicada a ese lugar de arte y experimentación.
Su trabajo Uncommon Places (1982) fue una radiografía del paisaje común de USA, los lugares cotidianos adquirieron importancia a través de su mirada. Influyó en todos los fotógrafos de esa época como Joel Meyerowitz y Mitch Epstein y por supuesto en toda la sobrevalorada escuela alemana, que lo único que han hecho ha sido beber del trabajo de Shore y de otros fotógrafos del New Color. Gursky o Struth han reconocido la evidente influencia de su obra en sus trabajos.

Stephen Shore ©

El trabajo de Shore ha influido en muchos fotógrafos de la denominada “fotografía contemporánea”, su forma de ver el paisaje americano ha influido decisivamente en otros autores. Pienso que el precursor del new color fue el pintor Edward Hopper. He mantenido esta opinión en este blog en algunas ocasiones, y si vemos la obra de Gregory Crewdson o Todd Hiddo, estamos viendo el paisaje, y las soledades que reflejó Hopper.

Stephen Shore ©

La innovación es lo que produce los avances estéticos en el arte, igual que el conceptualismo minimalista de Irving Penn con su serie Cigarettes atrajo la atención de John Szarkowski, y produjo en los fotógrafos un acercamiento diferente del objeto encontrado, como huellas de los individuos que ya son sólo sombras de instantes perdidos.
Shore asimiló la visión de Walker Evans sobre el paisaje americano, lo adaptó a su visión colorista, y construyo una narración de los espacios que fotografiaba buscando aquellos detalles que para otros podían ser anecdóticos,  Shore los convertía en el objeto central de sus fotografías.

Stephen Shore ©

Irving Penn / Cranium Architecture

Irving Penn Spotted Hyena, Prague, 1986  Gelatin silver print, printed 1986 © by The Irving Penn Foundation

Irving Penn
Spotted Hyena, Prague, 1986
Gelatin silver print, printed 1986
© by The Irving Penn Foundation

La galería Hamiltons de Londres expone desde el 19 de junio al 13 de septiembre la serie Cranium Architecture del gran maestro Irving Penn (1917 – 2009). Este trabajo realizado en 1986 recrea la colección de cráneos de animales del Museo Nacional de Praga Narodni.
La fuerza estética y poderosa de las carcasas que contienen la vida, como apostilló Penn en 1989 “Un exquisito edificio de la maquina de vivir”.
Irving Penn comenzó a fotografiar cráneos humanos a finales de los años ’70 siendo su principal obra “Poor Lovers, 1979”. Como siempre la maestría técnica de Penn potencia la estética de sus obras, otorgándolas una rotundidad inapelable.

Los que os encontréis de vacaciones en Londres no os podéis perder esta gran exposición, la mayor realizada hasta la fecha de esta serie.

Hamiltons Gallery

13 Carlos Place 
Londres W1K 2EU Reino Unido 
Tel. +44 (0) 20 74999493/4 
 / Junio-agosto 
Lunes – Viernes 10 a.m.-6 p.m.


www.hamiltonsgallery.com

Irving Penn, Poor Lovers, New York, December 19, 1979, printed October 1980 Copyright The Irving Penn Foundation

Irving Penn,
Poor Lovers, New York, December 19, 1979, printed October 1980
Copyright The Irving Penn Foundation

Irving Penn Warthog, Prague, 1986  Gelatin silver print, printed 1986 © by The Irving Penn Foundation

Irving Penn
Warthog, Prague, 1986
Gelatin silver print, printed 1986
© by The Irving Penn Foundation

Irving Penn Hippopotamus, Prague, 1986  Gelatin silver print, printed 1986 © by The Irving Penn Foundation

Irving Penn
Hippopotamus, Prague, 1986
Gelatin silver print, printed 1986
© by The Irving Penn Foundation

 

 

 

 

Alberto Giacometti y Los Fotógrafos / Fundación Mapfre

Alberto Giacometti, 1960 Hombre que camina 1 Alberto Giacometti estate © VEGAP 2013

Alberto Giacometti, 1960
Hombre que camina 1
Alberto Giacometti estate © VEGAP 2013

Alberto Giacometti (1901, Borgonovo, Suiza – 1966, Paris) es uno de los artistas más interesantes del siglo XX, que con sus esculturas de hombres solitarios caminado, ha dejado una huella imborrable en el arte contemporáneo.
Desde el 13 de Junio y hasta el 4 de Agosto podemos disfrutar de una exposición retrospectiva de su obra en la sala del madrileño paseo de Recoletos de la Fundación Mapfre de Madrid.
Giacometti ha sido fotografiado por los grandes maestros de la fotografía, desde Cartier Bresson con el que mantuvo una relación de complicidad ante la cámara, y otros  como Arnold Newman, Richard Avedon, Irving Penn, René Burri, Robert Doisneau o Yousuf Karsh, por mencionar algunos de una larga lista.
En la exposición podemos ver a casi todos los fotógrafos que capturaron la personalidad de Giacometti, su mirada y sus gestos, o le fotografiaron en sus momentos más íntimos en pleno proceso de creación.
La fotografía como testigo de la vida del artista y la interrelación entre los fotógrafos y el personaje, sabiendo mostrar sus facetas ocultas e interpretando el sentido de sus obras.
La exposición de Giacometti es el colofón a una temporada muy interesante e intensa, en la cual la Fundación Mapfre nos ha regalado una programación equilibrada y de gran calidad, manteniendo un claro interés por la fotografía. Por lo que sabemos, la Fundación Mapfre comenzará la temporada con otros autores muy interesantes para los amantes de la fotografía.
Mientras tanto la exposición de Alberto Giacometti es algo esencial que no nos podemos perder.

Cartier Bresson © Alberto Giacometti

Cartier Bresson ©
Alberto Giacometti

Cartier Bresson © Alberto Giacometti

Cartier Bresson ©
Alberto Giacometti

Richard Avedon © Alberto Giacometti

Richard Avedon ©
Alberto Giacometti

Irving Penn © Alberto Giacometti

Irving Penn ©
Alberto Giacometti

Arnold Newman © 1954 Alberto Giacometti

Arnold Newman © 1954
Alberto Giacometti

Rene Burri © Alberto Giacometti

Rene Burri ©
Alberto Giacometti

 

 

 

 

 

Edward Steichen, Irving Penn, William Klein y Los Tocados

Edward Steichen © 1924 Gloria Swanson, Courtesy Condé Nast Publications

Edward Steichen © 1924 Gloria Swanson, Courtesy Condé Nast Publications

Los tocados con tules que cubrían los rostros de las modelos y celebridades, han sido siempre una constante en la historia de la fotografía de la moda. Estas prendan siempre daban un cierto misterio y un toque se elegancia y sensualidad. Los velos, tules y tocados han sido fuente de inspiración para todos los grandes nombres de la fotografía.
Os voy a mostrar sólo tres ejemplos de los innumerables maestros que han fotografiado estas prendas durante el siglo XX.
Edward Steichen, Irving Penn, William Klein, tres grandes nombres de la historia de la fotografía , que nos han dejado una densa, importante y variada obra, y que han dado su propia versión de estas elegantes y sensuales prendas. Aunque en el caso de la imagen de Steichen el tul está por delante de la modelo nos sirve igualmente para ilustrar el tema.

Irving Penn © 1949 Veiled Face, Evelyn Tripp.

Irving Penn © 1949 Veiled Face, Evelyn Tripp.

William Klein, Smoke and Veil, Vogue Paris 1958

William Klein, Smoke and Veil, Vogue Paris 1958

 

Irving Penn / El Retrato De Nicole Kidman

Irving Penn © 2003 - Nicole Kidman, Vogue USA

Irving Penn © 2003 – Nicole Kidman, Vogue USA

Irving Penn  (1917, Plainfield, NJ – 2009, NY) realizó esta sesión con Nikole Kidman en septiembre del 2003 para el Vogue USA. La editora de moda tardó más un año en convencer a Penn de que la fotografiase.
Como muchos otros grandes fotógrafos tenía unos ciertos reparos en fotografiar a cierto tipo de celebridades. David Bailey es de la misma opinión en el sentido de que los entornos de las nuevas estrellas entorpecen el desarrollo normal de la sesión.
No hubo nadie entre la linea del fotógrafo y la actriz, Penn lo ordeno así para crear el clímax necesario para que se produzca esa relación entre el fotógrafo y personaje, imprescindible para la realización de un buen retrato.
irving Penn siempre fue un maestro en desnudar al personaje, buscar el momento en el cual las caretas se caen y quedan las miradas verdaderas de las personas, los gestos, y donde se producen esas grandes fotografías.
Fotografiar a alguien es muy fácil, solo tienes que poner el flash y ordenar que te miren a la cámara. Conseguir un retrato es establecer una relación en la cual los fotógrafos buscamos ese grado de intimidad, en el cual recibimos algo de verdad de la persona que tenemos enfrente de nuestra cámara.
Irving Penn hizo este retrato con 86 años, seis años antes de morir. Eso es posible en un país donde valoran a los profesionales por su talento y no por su edad.

Irving Penn © 2003 - Nicole Kidman, Vogue USA

Irving Penn © 2003 – Nicole Kidman, Vogue USA

Alexandra Catiere

Alexandra Catiere ©

Alexandra Catiere ©

Alexandra Catiere (1978, Minsk, Bielorrusia) es una joven fotógrafa que explora el mundo de los recuerdos construyendo una narración abstracta y no lineal de esos instantes que captura. Su principal trabajo “Here, Beyond the Mists” refleja esa filosofía. Lleno de misterio, utiliza la parte por el todo en algunas escenas recordando a la obra de Ralph Gibson, pero elaborando su discurso propio.

Francois Cheval, curador del Museo Nicéphore Niepce, escribió en el prólogo de esta exposición: “We can conceive of our existence as uninteresting, but not of ourselves as nonexistent. What photography provides is this necessary evidence of destiny and kinship. The reality trapped on the piece of paper is an infinite temporal extension of a self that has already lived a life and now takes the form of a personal, unmistakably private dream.”

Fue el artista Yuri Kuper, su mentor, quien la aconsejo mudarse a Nueva York, estudio en el ICP. Posteriormente trabajó como tercer asistente en el estudio de Irving Penn y responsable del positivado de su obra. Fue seleccionada en el programa “Descubrimientos” de PhotoEspaña 2006. Desde entonces ha realizado exposiciones de su obra y recibido importantes premios y becas internacionales. En la selección de imágenes que nos ofrece en su web, nos presenta una única imagen en color, lo que rompe toda la coherencia de la selección. En muchas ocasiones no son los autores lo que mejor seleccionan sus obras. De cualquier forma deberemos no perder la pista de esta fotógrafa.

Alexandra Catiere © “Here, Beyond the Mists”

Alexandra Catiere © “Here, Beyond the Mists”

Alexandra Catiere © “Here, Beyond the Mists”

Alexandra Catiere © “Here, Beyond the Mists”

Alexandra Catiere © “Here, Beyond the Mists”

Alexandra Catiere © “Here, Beyond the Mists”

Alexandra Catiere ©

Alexandra Catiere ©

Alexandra Catiere ©

Alexandra Catiere ©

 

 

 

 

Charles Fréger

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

Charles Fréger (1975, Rouen, Francia) es un fotógrafo especializado en retrato. Desde sus comienzos ha realizado series de grupos sociales atípicos como: legionarios, jockeys, jugadores de waterpolo, patinadores, militares, luchadores de sumo, budistas, y artistas de la Ópera de Pekín por citar algunos.
Este tipo de series de retratos por oficios han sido un clásico dentro de la historia de la fotografía, Irving Penn y August Sander realizaron trabajo similares, quizás sin la excesiva y variada clasificación de Fréger.
Son retratos limpios, sencillos, bien elaborados, técnicamente impecables y cuidados hasta el último detalle.
En su serie Wilder Mann busca por Europa a grupos tradicionales que se visten de animales como parte de una tradición cultural ancestral. Los fotografía en sus parajes naturales y les otorga una personalidad diferente alejada del contexto de un grupo folclórico tradicional.
Hasta el 9 de junio podemos ver su serie “Wilder Man” en el FoMu Photo Museum Antwerp. También realiza trabajos comerciales dentro del ámbito de la moda y la publicidad.

Charles Fréger © Wilder Mann

Charles Fréger © Wilder Mann

Charles Fréger © Wilder Mann

Charles Fréger © Wilder Mann

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

Charles Fréger ©

 

 

 

 

Guy Bourdin / Mis Referencias

Guy Bourdin ©

Guy Bourdin ©

Guy Bourdin (1928, París) para mi ha sido el fotógrafo de moda más importante después de la era de Richard Avedon e Irving Penn. El más creativo y transgresor. Su gran dominio de la técnica le permitía un manejo magistral del color y la composición.
Fue innovador en la forma de crear una narrativa nueva en la fotografía de la moda.
No eran poses estáticas, presentaba una mujer nueva, sensual, fuerte y con una gran carga de erotismo que suponía una ruptura con todo lo que se había producido con anterioridad. Fue único, copiado y plagiado hasta la saciedad, aportó una aire nuevo a la fotografía.
Hará un par de años una retrospectiva de su obra fue expuesta en la Fundación Canal de Madrid. Contemplar esas copias y la perfección de las tomas realizadas en un época en la cual la posibilidad de retocar una imagen como lo hacemos ahora, era inimaginable.
Los grandes siempre se convierten en una referencia porque su trabajo forma parte de la historia y terminan influyendo en las generaciones posteriores.
Guy Bourdin es un fotógrafo imprescindible que debemos conocer, Aquí esta su web.

Guy Bourdin ©

Guy Bourdin ©

Guy Bourdin ©

Guy Bourdin ©

 

 

Irving Penn / Mis Influencias

Irving Penn © 1965Truman Capote

Irving Penn © 1965
Truman Capote

Irving Penn ha sido el fotógrafo que más me ha influenciado en mi periodo de aprendizaje.
El catálogo de la exposición del MOMA de 1984, fue mi primer libro sobre su obra. Siempre pensé que fue un innovador, un adelantado a su tiempo.
Sus encuadres en los retratos y la forma de mostrar al personaje fueron un aliciente en los años en los cuales yo comenzaba a hacerme un book para empezar a trabajar.
Este retrato de Truman Capote de 1965 es uno de mis favoritos. Me  gustaba su forma de buscar el gesto de los personajes y como realizaba encuadres atrevidos con los que obtenía retratos únicos y llenos de carácter y personalidad.
Voy a intentar cada semana mostraos las fotografías que más me hayan gustado o interesado a lo largo de mi vida profesional.

Mi Relación Con El Retrato / Segunda Parte

Rafael Roa © 2012
Tanit Salvadó, Actriz

Siempre me interesó el retrato desde que comencé mi aprendizaje de la fotografía. La fascinación por una mirada que atravesase mi cámara y se quedase incrustada en la película . Después toda la mística del proceso químico, el revelado del negativo, y antes de que se seque ya habías imaginado como sería el positivo. Y luego, el encanto del cuarto oscuro, ver como aparecía la imagen en la cubeta. Para mi el retrato era conseguir una buena mirada acompañada de una luz que lo potenciase. En aquellos años miraba una y otra vez los retratos de Irving Penn y Richard Avedon. Me interesa definir al sujeto y relacionarme con él, quiero que en esos momentos en los cuales intento que él me de algo que realmente le defina, o que sea una mirada que transmita su verdad de ese instante, y que yo sea capaz de captar las sensaciones del momento.
Siempre quería que mis retratos no pasasen inadvertidos. Quería captar miradas, gestos, intensidad, y que luego no pudiese apartar los ojos de aquellas fotografías.
Pero un día conocí a Gabriel Cualladó, sus fotografías y sus apasionados debates en los concursos sociales de la RSF.
Acompañado de Pepe Puga y Rafa Ramirez, Cualladó nos enseño un trabajo de reportaje hecho en Paris en los años ’60. Ese trabajo no tenía que envidiar nada a los reportajes de los grandes mitos como William Klein o Cartier Bresson.
Era excelente. Pero cuando vi el retrato de ese hombre sentado al lado de una bicicleta de transporte con sus compañeros apoyados en ella y sin sus cabezas me di cuenta que hacer un retrato era algo más que un primer plano. Se pueden hacer muchas consideraciones sobre el retrato, desde el clásico que todos conocimos a los retratos conceptuales de Ralph Gibson en los que usa una parte por el todo del sujeto.
Toda la fotografía contemporánea esta llena de autores que realizan retratos de ficción basados en recrear una situación o inventarse la actitud de un sujeto.
Y todos ellos producen imágenes sugerentes para el espectador. Todos ellos han recibido las influencias de Hopper, igual que Canalletto se ayudo de la cámara oscura con una lente para pintar sus famosas perspectivas venecianas, tecnología y estéticas anteriores en ambos casos.
El retrato ha evolucionado desde el siglo XIX y los avances tecnológicos han influido en este desarrollo. Los cambios estéticos de la fotografía han producido cambios similares en el retrato. Se han creado nuevas formas de acercarse al genero.
Esta mañana me preguntaban en twitter sobre si se pueden considerar retratos las fotografías de Pieter Hugo. Por supuesto que si, cuando alguien mira a una cámara está ofreciendo algo de si mismo de forma voluntaria. El que posa puede intentar fingir y protegerse, o como en los retratos de los africanos que hace Hugo mirar a la cámara con naturalidad o una altivez desafiante.
Cuando nos proponemos realizar retratos nos vamos a definir con los sujetos que vamos a fotografiar. Unos autores pueden buscar retratos de gentes sencillas que habitan en su entorno, como casi todos los fotógrafos de las generaciones anteriores de este país.
Otros pueden dedicarse a hacer castings buscando rostros peculiares o desgastados por el tiempo, que tienen tanta fuerza que sólo tienes que poner una luz lateral y disparar la cámara.
Y otros pueden encontrar esas miradas en los conflictos diarios que se producen en el planeta cada día.
El final es el mismo en cada caso, da igual si es algo escenificado, más conceptual, o una instantánea al borde de la desesperación, o una mirada que surge entre las sombras de un claroscuro, la mirada, el gesto o una sombra nos definen. Todos aquellos que han representado miradas y gestos a lo largo de la historia, han sentido esa fascinación por representar con una imagen a quien estamos viendo. Queremos poseer para siempre esa mirada.

Rafael Roa © 2012
Emma Henriquez Ramirez, actriz y Patrick Martino, actor

Fotografiar La Vida

Rafael Roa © 2012

Entramos en el pequeño guetto judío de Venecia y mi amigo me pregunta que si soy un “street photographer”. Desde el origen de la fotografía, ésta se comenzó a desarrollar en dos caminos. El retrato como modo de representación social de la pequeña burguesía y la fotografía de lo cotidiano. Roger Fenton fotografió la guerra de Crimea entre 1853 y 1856 y puede ser considerado el primer fotógrafo de guerra. El termino street photography es sólo una definición de moda, inventado por aquellos que creen que hacen algo diferente a lo que se ha hecho desde la invención de la herramienta.
Fotografiar lo cotidiano es reflejar lo que ha hecho siempre la fotografía, desde Atget por poner un ejemplo, a nuestros días hemos hecho eso, la búsqueda intensa del instante decisivo y de todo aquello que creíamos que se debía reflejar en una imagen. La historia y la memoria colectiva se ha hecho con fotografías.
El viaje es una excusa perfecta para que nos sintamos atraídos por situaciones que se presentan novedosas ante nuestros ojos. Lo exótico y lo diferente a nuestro entorno nos atrae, y pensamos que también puede interesar a los demás a través de nuestras fotos.
Todo el fotoperiodismo se basa en fotografiar la propia vida, en ser testigos de todo aquello que nos sucede o modifica nuestro modo de vida y por tanto consideramos que debe de ser compartido.
Con estos básicos ejemplos sobre la fotografía es como debemos afrontar nuestro trabajo. No estamos inventado nada nuevo sólo porque le demos un nombre nuevo que pueda parecer más moderno. Pensar que no ha habido unas bases sobre las cuales se ha desarrollado esta herramienta hasta hoy y desconocer esa evolución del medio, nos lleva a no tener criterio y a ser una víctima del marketing fácil. Es como dejarse vender un jarabe mágico por un charlatán de feria.
No soy un street photographer, sólo soy un fotógrafo que selecciona la parte de la realidad que me atrae y que también materializa en imágenes las ideas que surgen en mi cabeza. Sólo quiero ser un fotógrafo, definirme así es la mejor forma de posicionarme ante los demás. Puedo hacer vídeo y seguiré siendo un fotógrafo que realiza trabajo con imágenes en movimiento.
Me interesa el viaje como aventura personal e intima, como experiencia enriquecedora que permite siempre abrir la mente a otras culturas y ampliar la tolerancia del individuo hacia la diversidad cultural de los otros.
Y me atrae la idea de reflejar en imágenes mi punto de vista personal sobre todo aquello que se presenta ante mis ojos, y encuadrar aquello que más me seduce.

Roger Fenton fotografió la guerra de Crimea

Eugéne Atget

Rafael Roa © 2012

Irving Penn ©

Martín Chambí