Eugenio Recuenco, 365º

Arte con mayúsculas

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco (Madrid, 1968) expone sus obras de la serie 365º en el CEART de Fuenlabrada, dicha exposición ha sido prorrogada hasta el 20 de marzo. Quizás esta exposición sea lo mejor que hemos podido ver en mucho tiempo. Recuenco que lleva ya muchos años siendo una referencia muy importante de la nueva fotografía contemporánea, da un salto cualitativo muy grande que lo sitúa al primer nivel de los artistas internacionales que utilizan la puesta en escena como forma de abordar su trabajo creativo.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco presenta su trabajo de forma innovadora, una instalación grandiosa, pirámides de imágenes y muros construidos con cajas de luz sumergen al espectador en un espacio sugerente, evocador, que le provoca una abstracción del mundo real. 365º es una obra compleja en su concepción expositiva, este calendario no lineal de imágenes nos invita a disfrutar de la magia de la imaginación de este artista interpretando los hechos, tendencias, referencias culturales del siglo XX y comienzos del XXI. Estas imágenes creadas en soporte fotográfico del siglo XXI no existen hasta que el artista materializa sus ideas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Cada imagen es un regalo adictivo que empuja al espectador al disfrute de un viaje continuo de metáforas visuales, color y narrativa inapelables. Podemos tomar como referencia conceptual, respecto al espacio en el cual ha creado Recuenco sus obras, esa habitación sin vistas con una ventana en el muro izquierdo por el cual entra la luz, con el espacio usado en la serie de retratos “Corner” de Irving Penn. Los dos artistas encierran a sus personajes en un habitáculo creado para la realización de las obras.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

La puesta en escena

La puesta en escena, esa característica de la fotografía desde sus inicios, vilipendiada por Cartier-Bresson definiéndolo como “teatro escenificado” y quitándole la denominación de fotografías. Y sin saberlo, Cartier-Bresson tenía razón porque igual que no valoró la obra de Oscar Gustav Rejlander “Los dos caminos de la vida” de 1857; la excelente puesta en escena de las obras de Eugenio Recuenco, Erwin Olaf, o Gregory Crewdson son arte contemporáneo con letras mayúsculas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Sobre el Premio Nacional de Fotografía

Una última reflexión sobre la lotería que supone el Premio Nacional de Fotografía; es sonrojante ver a algunos de los que tienen este premio, prematuramente y con una trayectoria de escaso y débil recorrido, ver cuales han sido sus trabajos realizados después de que este premio les haya caído del cielo, y comparar la lista de fotógrafos de larga trayectoria y calidad que no lo tienen entre los que incluyo a Eugenio Recuenco.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

A lo mejor están pensando en otorgarle a Eugenio Recuendo el Premio Nacional de Artes Plásticas, nunca se sabe. La buena noticia es que podemos disfrutar de la obra de este artista hasta el 20 de marzo en el CEART de Fuenlabrada.

Imagen de la exposición de Eugenio Recuendo en el CEART de Fuenlabrada.

 

Eduard Olivella

Eduard Olivella © De la serie Secret Garden

La poesia de las imágenes

Eduard Olivella (1948, Barcelona) es uno de los fotógrafos destacados de esa generación de la fotografía catalana que eclosionó durante la década de los años ochenta, aportando una renovación estética y narrativa con respecto a la generación de Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Catalá-Roca, y Ramón Masats, entre otros.

Eduard Olivella trabajando en su serie Time, fotografía de Mario Vilar.

El trabajo de Eduard Olivella se ha desarrollado en diferentes facetas del medio fotográfico, no sólo la de autor, sino también la de investigador y crítico del medio. Domina la herramienta con maestría trabajando en todos los formatos, con un dominio técnico del cual se sirve para narrar sus historias.

Eduard Olivella © de la serie Secret Garden

La primera vez que me encontré con Olivella si la memoria no falla, fue en la Fotomostra de LLeida de 1982, en la cual conocí su trabajo de Interiores. Posteriormente en 1983 Eduard tuvo la amabilidad de llevarme de Arlés a Barcelona. En aquellos años Olivella estaba desarrollando su serie de la Alhambra.

Eduard Olivella © de la serie Time

Hay una conexión entre la obra fotográfica de Olivella y la literatura, en ocasiones materializa las palabras en imágenes, las llena de sus sensaciones y reflexiones personales. La arquitectura, el paisaje, las naturalezas muertas, e incluso la fotografía conceptual que aborda en la serie Time, realizada en gran formato y Polaroid 55, están presente en su obra, que lo convierten en un buscador infatigable de nuevas formas de expresar en imágenes todo aquello que le inquieta. Cada fotografía siempre se convierte en un retrato del alma del fotógrafo.

Eduard Olivella © de la serie Winter Trip

Eduard Olivella inaugurará su próxima exposición “Eduard Olivella, fotografías, 1970-1985”, en la Galería de Arte & Documentos que se celebrará el día 16 de enero a las 20 h, en la calle Casanova, 136-138, B-3, 08036 Barcelona. Una gran ocasión para acercarse a conocer la interesante obra de este autor. Os recomiendo que visitéis su web.

Antonio Pérez Río, Obras Maestras

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio Pérez Río (Madrid, 1972) es licenciado en Derecho y diplomado en Educación Social. Tras trabajar más de 10 años como educador y formarse en escritura y fotografía, fundó LENS Escuela de Artes Visuales, escuela que dirige desde entonces. También viene realizando su obra personal como artista.

Con su maqueta Louvre – Art Guide for Cyborgs fue finalista del premio Kassel Fotobookfestival Dummy Award. Seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2016 y en el Primer Encuentro de Artistas de Castilla y León con el mismo proyecto, que fue expuesto por primera vez en el Albert Hall Museum de Jaipur (India, 2017), en el marco del festival Jaipur Photo.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio acaba de publicar Obras Maestras, es una serie en la cual nos muestra el comportamiento de las personas en los museos, cuya adicción y dependencia de los smarthphones, les impide disfrutar de las obras de arte, limitándose a realizar unas capturas de forma compulsiva.

Poseer imágenes en vez de disfrutar de la contemplación de las mismas, y en definitiva de la propia vida. Es una serie muy complicada de realizar por las circunstancias del entorno, el museo, donde la masa se aglomera ante las obras de arte, con el único afán de obtener una buena captura digital de la misma. No ver con sus ojos, sólo capturar. La cámara nos separa de la vivencia.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

La cita de José Saramago de su Ensayo sobre la ceguera que Antonio incluye en su libro es muy acertada para definir estos comportamientos:

<<Creo que nos quedamos ciegos,
creo que estamos ciegos, ciegos que ven,
ciegos que, viendo, no ven.>>

Obras Maestras es un libro que explora, a través de fotografías y textos, la transformación de la mirada humana sobre el arte. Se desarrolla en el Museo del Louvre y propone una nueva versión del canon del arte occidental, a través de su plasmación en las pantallas de los visitantes, que se convierten en un campo de juego simbólico que muestra las tensiones existentes entre las obras, los dispositivos digitales y las personas que miran a través de ellos.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

En palabras de su autor:

“El Museo del Louvre me fascina y aterra a partes iguales. Desde el año 2014 he pasado muchas jornadas en el interior del museo, con mi cámara de fotos y un bloc de notas, intentando reflexionar sobre la experiencia real de los visitantes de uno de los espacios de arte más visitados del mundo, un lugar recorrido por rutas de turismo masivo que se acercan a algunas de las obras más importantes de la historia. Pinturas y esculturas que han sobrevivido varios siglos se enfrentan a personas que visitan el museo por una vez en su vida y renuncian a mirarlas directamente.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

La contemplación ha dejado paso a la captación realizada por todo tipo de dispositivos digitales, auténticos cíclopes que recorren los pasillos del museo almacenando todo lo que ven en su inagotable memoria, generando una nueva manera de ser y estar en el mundo, una transformación de la experiencia del arte que apunta hacia una profunda modificación de la naturaleza humana. El resultado de estos cuatro años de trabajo y más de 500 kilómetros recorridos en las galerías del museo es un libro titulado Obras Maestras: un ensayo sobre los restos de un mundo devorado por sus imágenes.”

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.

Sobre el libro:
Obras Maestras adopta un formato clásico: el catálogo de grandes obras de un museo. Así, la cubierta y el diseño interior del libro están inspirados en un libro de 1951: Art Treasures of the Louvre. Pero el contenido es muy diferente: las obras se contemplan únicamente a través de las pantallas de todo tipo de dispositivos digitales, una experiencia mediada que convierte a lo que se sitúa fuera de ellas en mera periferia, en un escenario desenfocado.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras
Imagenes del libro

Es un libro bilingüe, inglés-español, en el cual el autor nos ofrece un texto titulado <<Un sueño>> en el cual nos cuenta sus impresiones, vivencias y reflexiones al realizar este trabajo. También incluye un guia de las obras maestras que aparecen en las fotografías.
La campaña de difusión del libro ha sido muy creativa e ingeniosa, realizada a través de unos vídeos llenos de humor que podéis ver en el siguiente link.

En definitiva, un trabajo muy interesante que a muchos les servirá de espejo de sus propios comportamientos, y un libro que deberemos tener en nuestra biblioteca.
Es un libro muy interesante y muy cuidado en cuanto a diseño, impresión y encuadernación, y lo podéis adquirir en la web de Obras Maestras.

Luigi Ghirri en el MNACRS

Luigi Ghirri, 1977 Salzburg
© Legado de Luigi Ghirri
Colección Particular, cortesia de Matthew Marks Gallery

Luigi Ghirri (1943-1992, Italia) es uno de los grandes artistas que han usado la fotografía como medio para cuestionar la realidad, a través de imágenes que puedan producir una reflexión en el espectador, entre lo que vemos, lo que representan y su significado.

Luigi Ghirri nació en Scandiano, cerca de Modena en la región de Emilia Romagna. Su campo de trabajo se encontraba en un radio de tres kilómetros cerca de su casa. Utilizaba esta zona para la captura de gran parte de sus fotografías. Trabajó como aparejador y hasta 1973 no se dedicó a la fotografía a tiempo completo.

 <<hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía ; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo>>

Luigi Ghirri (1)

Luigi Ghirri, 1972, Pescara
© Legado de Luigi Ghirri

Fue también un ensayista, pensador, conservador y editor. Amigo del cantante Lucio Dalla colaboró con él en algunas de sus canciones. Era un intelectual y para él la fotografía era una activación del pensamiento. La frase de Giordano Bruno << Pensar es especular con imágenes >> , fue siempre para él una referencia. En 1971 conoce al artista Franco Vaccari y con él explora y debate sobre el papel de la fotografía en el arte contemporáneo.

Criticó el uso masivo de las imágenes en el medio audiovisual como forma de alienación y agresión al espectador defendiendo el uso reflexivo de la fotografía:

<<la fotografia como una imagen necesaria, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes>> (2)

Luigi Ghirri, 1972. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Influenciado por el arte conceptual y experto en fotografía de arquitectura, en contraposición a sus intenciones sobre un estilo propio, ha conseguido que sus obras sean perfectamente reconocibles.

El uso de la sobrexposición, los colores pasteles, el minimalismo narrativo y el lenguaje conceptual constituyen las referencias básicas con las que podemos definir su obra. Usaba el color <<porque el mundo es en color>> en contraposición a los planteamientos de Cartier-Bresson que afirmaba que la fotografía era en blanco y negro y el color estaba destinado a la pintura y a la naturaleza.

En sus reflexiones sobre su serie Fotografie del periodo iniziale. 1970 -1973 Luigi Ghirri afirma lo siguente:

<<Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mi la fotografía es un lenguaje sin código alguno…
El encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la escena de una manera directa…
me he situado ante aquello que quiero representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotografías a laboratorios convencionales. Nunca me han interesado los procesos de maquillaje de la imagen. Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean al mismo tiempo, fotografías>> (3)

Luigi Ghirri, 1973. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Kodachrome 1970 -1978 es su primer trabajo, con una estructura concreta y articulada. Realizaba diversos proyectos a la vez y muchas de las series que veremos en la exposición coinciden en el tiempo. La década de los setenta es una época muy prolífica en el trabajo de Ghirri.

En 1978 se publica Kodachrome, y en 1979 en Parma realiza la exposición Vera Fotografía. En esta exposición se muestran todos los proyectos realizados hasta la fecha: Fotografie del periodo iniziale (1970); Kodachrome (1970-78); Colazione sull’erba(1972-74); Catalogo (1970-79); Km 0.250 (1973); Diaframma 11, 1/125, luce naturale(1970-79); Atlante (1973); Italia ailati (1971-79); Il paese dei balocchi (1972-79); Vedute (1970-79); Infinito (1974); In scala (1977-78); Identikit (1976-79); Still-Life (1975-79).

Luigi Ghirri nos da algunas de sus reflexiones sobre este trabajo, que constituyen una referencia dentro del cuerpo de su obra.

<<Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace de estas fotografías, que no quieren hablarnos de como las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratar de relacionar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad>> (4)

Luigi Ghirri, 1972, Marina di Ravenna. ©Legado de Luigi Ghirri

En el año 2000, se expuso en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid su serie <<Il profilo delle nuvole>>. Este trabajo recoge la interpretación del artista sobre el paisaje. Un interesante texto de Giani Celati titulado <<Comentarios sobre un teatro natural de las imágenes>> , nos ayuda a conocer los pensamientos de Ghirri sobre esta obra. El catálogo se publicó en 1989, tres años antes de la muerte de Ghirri.

En 2015 pudimos ver la obra de Luigi Ghirri en la exposición Construyendo Mundos, en la Fundación ICO de Madrid.

Luigi Ghirri murió prematuramente en 1992, pero su legado es indudable y su obra forma parte del arte europeo contemporáneo, investigar su obra nos da una perspectiva diferente sobre lo que esta ocurriendo hoy con otros autores; y nos demuestra su clara influencia en muchas de las obras que vemos en la actualidad.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Venecia de 2009 el documental <<Deserto Rosa>> basada en la obra de Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, 1972, París. Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

La Exposición

La exposición El mapa y el territorio de Luigi Ghirri se podrá visitar en el MNACRS (Museo Reina Sofía) desde el 25 de septiembre hasta el 7 de enero de 2019. Ha sido comisariada por James Lingwood.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta.
Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color “sin paralelo en la Europa de la época”, según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado. (5)

Luigi Ghirri, 1974, Orbetello
©Legado de Luigi Ghirri

Podemos decir que la exposición que vamos a ver en el MNACRS es una versión de la exposición Vera fotografia que se presentó 1979 en Parma. En el catálogo aparecen los mismos textos de Luigi Ghirri y el mismo orden que acompañaban a las series presentadas en la exposición de Parma. Nos encontramos ante la mayor retrospectiva de este periodo de la obra de Ghirri que se ha hecho con anterioridad en España.
El catálogo es una pieza fundamental para que el espectador conozca con profundidad la obra de este artista tan importante en la última parte del siglo XX.

Luigi Ghirri, 1972, Brest
© Legado de Luigi Ghirri

 

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Citas

(1) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(2) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(3) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 58. editor: MACK. organizador: MNACRS

(4) El mapa y el territorio. Pag 76. Kodachome, Luigi Ghirri.
editor: MACK. organizador: MNACRS (1)

(5) Resumen de la información en la web del MNACRS.

Ricard Terré, Exposición Retrospectiva.

Ricard Terré © 1956

La Sala Canal de Isabel II presenta esta exposición dedicada a Ricard Terré, (1928, Sant Boi de Llobregat – 2009, Vigo), es uno de los grandes nombres de la fotografía española; miembro del Grupo AFAL cuyo trabajo contribuyó a la renovación de la fotografía española de mediados del siglo XX.

La exposición que se inaugura el viernes 7 de septiembre sigue la senda de las exposiciones realizadas con anterioridad a miembros del Grupo AFAL como Gabriel Cualladó y Paco Ontañón, que pudimos ver también en esta misma sala.

Toda su obra se concentra en unos 300 rollos de 35mm, reflexivo en la selección de los instantes, ha sabido reflejar momentos llenos de poesía, magia, fuerza y sentimientos. Ricard Terré afirmaba que: “La fuerza de la fotografía está en reflejar un acontecimiento irrepetible”. Saber capturar lo efímero de la vida desde un punto de vista poético y alejado de la crónica diaria.

Ricard Terré ©

La exposición

La muestra, comisariada por la historiadora Laura Terré, recorre la trayectoria del fotógrafo, cuya producción puede dividirse en dos periodos diferenciados: de 1955 a 1969 y de 1982 a 2005. 

Sin embargo ni su estilo ni sus motivaciones sufrieron variación en el lapso de tiempo que abandonó la fotografía. En el segundo periodo Galicia es el territorio de su búsqueda: las romerías ancestrales, las fiestas paganas y las procesiones de Semana Santa que le llevaron a cruzar la raya de Portugal en pos de su autenticidad.

Esos lugares y esas gentes le animaron a seguir experimentando la plástica rotunda del blanco y negro así como la expresión de lo humano a través de los seres que le salían al paso: niños de todas las clases sociales, gente de las aldeas, jóvenes embriagados en las fiestas, mujeres poderosas en el trabajo.

Hay tres elementos que se imponen como categorías para agrupar sus imágenes, aparentemente tan dispares y distantes.

Tres caminos que se trenzan en la obra de Terré como en una encrucijada, saliendo y entrando de sus series y atravesando los territorios fotografiados: el reinado de los niños, la celebración de los días que corren cada uno con su afán, y la muerte, esa presencia sombría que es preciso conocer.

La exposición se podrá visitar del 8 de septiembre al 11 de noviembre en Sala Canal Isabel II Madrid. Podéis ver un vídeo muy interesante en el que Ricard Terré nos habla de su trabajo en el siguiente link.

La exaltación de lo vacuo

Martin Parr © Magnum GB. Scotland. Glasgow. Fairy cakes. 1999.

Estamos viviendo una época en la cual para poder establecer un análisis profundo sobre lo que está sucediendo en la relación entre el uso las imágenes y los espectadores tenemos que recurrir irremediablemente a los textos de Jean Baudrillard. Todo es visible, consumimos imágenes velozmente y de igual forma las olvidamos.

Estamos atrapados por los dispositivos smartphones que se han convertido en el becerro de oro al que adoramos y damos culto cada día. Estar comunicados, informados, ver a través del dispositivo todo aquello que consideramos una información necesaria para seguir viviendo, producir imágenes para compartir nuestras vidas con el mundo, si no somos visibles no existimos.

Las exposiciones de arte deben establecer una relación con el espectador, el cual puede conectar o no con la obra expuesta. Hasta aquí todo es normal. Lo que es curioso es la forma en la cual se presentan las obras en algunos espacios expositivos. Diseñar y maquetar una exposición es similar a la maquetación de un libro.

Se trata de ordenar el contenido para que los espectadores tengan una lectura coherente con la intención del artista y la obra expuesta. Ahora bien, cuando se trata de una exposición colectiva, los comisarios son los responsables de dar forma a la exposición desde el punto de vista narrativo y conceptual. Hoy en día se han convertido en “los intocables” del mundo del arte, los sumos sacerdotes que se encargan de dirigir el ritual.

Apostar por el caos puede ser muy valido cuando se tiene una intención rupturista y de transgresión, algo ya en desuso en el arte actual dominado por el mercado, que dirige el espectáculo según sus intereses.

El caos como ocultación de la falta de contenido, el uso de las imágenes como si se tratase de un revoltijo de productos en rebajas, esperando que los espectadores se avalanchen sobre ellas con las misma voracidad y entusiasmo que en unos grandes almacenes.

Es evidente que se idolatra la forma en que se consumen las imágenes en las redes sociales y se imita y su forma de exhibición.

Duchamp y el arte contemporáneo

Esta reflexión no es nueva ya que Duchamp afirmaba lo siguiente en relación con el arte contemporáneo: “La totalidad del mundo del arte ha alcanzado un nivel tan bajo, ha sido comercializado hasta un grado tal, que el arte y todo lo que tenga que ver con él se ha convertido en una de las actividades más triviales de nuestro tiempo.

El arte en estos tiempos se ha hundido hasta uno de sus más bajos niveles en la historia, seguramente incluso inferior al de finales del XVIII, cuando ya no había gran arte, sino pura frivolidad. En el siglo XX el arte está jugando un papel de puro entretenimiento, como si viviéramos una época divertida, ignorando todas las guerras que experimentamos como parte de lo que somos”. (1)

¿Alguien se acuerda hoy en día del significado de tomar partido, comprometerse o ser fiel a unas ideas?

Y los comportamientos de los artistas en el proceso creativo, podemos empezar a analizar lo que hacen unos y otros y comprobar que ya “el plagio” no produce ningún rubor en quién lo práctica.

Es simplemente un reflejo de la falta de ética política y social, de los usos y costumbres que se producen desde la pirámide del poder hasta su base.

Si el poder se apodera del dinero público como nos vamos a escandalizar por unos cortas y pegas en tesis doctorales, libros o plagios en las obras de arte. Al fin del al cabo hay que estar a la última y se trata de buscarse un hueco en el templo de lo “cool”.

Se ve claramente quienes son los imitadores y de que teta han mamado, sólo tienes que tener un mínimo de cultura visual para darte cuenta, pero la mayoría lo digiere como si de algo novedoso de tratase. En este país los imitadores de Martín Parr surgen como setas en otoño.

En definitiva, no sirve de nada los textos que se han escrito, ni las reflexiones que se han hecho con anterioridad, de hacía dónde debe dirigirse el arte como expresión individual y representación colectiva de una sociedad, como forma de participación de los productores y receptores de las obras, y como forma de compromiso colectivo. La exaltación de lo vacuo está en su edad de oro, aunque toda situación es susceptible de empeorar.

Acabo este post con una reflexión de Jose Luis Brea:

Es en última instancia tarea del arte iluminar el lugar -el espacio de la representación- desde el que podría realizarse ese trabajo de fundación de las nuevas formas de cultura que permitirían al hombre, a la humanidad, reconciliarse con su existencia.

Esto significa: acertar a darse una adecuada auto representación -como precisamente aquel ser que tiene esa tarea por misión. El conocer-se y saber algo de sí; merecer ostentar con dignidad el inalcanzable pero irrenunciable rango de verdadera humanidad. (1)

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(1) José Luis Brea: Un ruido secreto.
El arte en la era póstuma de la cultura. Murcia: Mestizo, 1996

Javier Viver en Camara Oscura

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris

Javier Viver (Madrid, 1971) es escultor, fotógrafo y autor de fotolibros. Su trabajo se debate entre el documental y la ficción como medios de aparición de lo invisible. De esta forma se define este artista que nos presenta en la galería Camara Oscura de Madrid su visión del famoso archivo fotográfico del hospital parisino La Salpêtrière.

Su construcción se debe a Luis XIV que le encargó el proyecto al artquitecto Liberal Bruant en 1656. Durante el siglo XIX y bajo la dirección del neurólogo Jean Martin Charcot convirtieron este hospital en uno de los más reconocidos en salud mental. Bajo su dirección se realizó este archivo fotográfico de los pacientes entre 1875 y 1918.

Javier Viver / Instalación
Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

La Salpêtrière

“Pero en esta operación, el uso de la fotografía propició la incorporación del espectáculo y con el toda una trama de complicidades entre los pacientes y sus fotógrafos.

El espectáculo de La Salpêtrière se hizo teatro de variedades en las sesiones de los martes, ante una concurrida representación de las élites culturales y científicas, mediante la inducción por hipnosis de contorsiones, crisis epilépticas y ataques de histeria, el registro y exposición de gabinetes de curiosidades y rarezas biológicas, fenómenos y monstruos.

El resultado fue un archivo fotográfico sin precedentes, testigo de la época colonial, realizado con la intención “panóptica” del régimen disciplinario y documento sistematizado de los límites del alma humana.”

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver reinterpreta el archivo, agrupando las imágenes en una clasificación fotográfica de desnudos, retratos, fotografías de detalle de los cuerpos de los pacientes, y nos sumerge en un viaje al pasado, en el cual nos podemos imaginar las sesiones fotográficas o las relaciones entre los pacientes y aquellos fotógrafos que captaban sus miradas perdidas o sus cuerpos deformes.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Este  fotolibro fue premiado en 2016 por el Ministerio de Cultura como el Mejor Libro de Arte. Ahora bajo el titulo de “Archivo de lo Inclasificable” presenta su trabajo en la galería Camara Oscura, en una pieza que es un “archivador de artista” en el cual se encuentran esas miradas perdidas de los pacientes de ese hospital. Reinventar las historia, alejarse del uso puramente científico que tuvieron en su día esas imágenes, y enfrentarlas con el espectador; que de forma aleatoria va abriendo esos cajones.

Las imágenes siempre nos transmiten emociones, las sensaciones que nos pueden producir estas fotografías sacadas del aquel contexto para el que fueron realizadas, y con miradas del siglo XXI, les otorgan frente a nuestros ojos un nuevo significado ciento cuarenta y tres años después.

En la web de Javier Viver tenéis toda la información del fotolibro y también podéis descargar el pdf del mismo. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de julio, y está incluida en el Festival OFF de PHE 2018.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Ellen Kooi, Elements

Ellen Kooi © Wijk – mountains 2018

Ellen Kooi ( 1962 Leeuwarden, NL) es uno de los talentos de la fotografía holandesa y su obra se encuadra dentro de la corriente del realismo mágico. Hemos tenido la ocasión de ver su obra en múltiples ocasiones en nuestro país. En octubre de 2014 los alumnos de PIC.A pudieron asistir a una visita guiada de la autora en su exposición retrospectiva que se celebró en el Centro de Arte de Alcobendas.

De nuevo en Madrid, inaugurará su exposición “Elements” el próximo viernes día 9, en la galería Camara Oscura. En esta nueva serie sigue utilizando a los niños como personajes de sus fotografías, con una puesta en escena magistral ofreciendo al espectador que encuentre su propia interpretación a sus obras. Sus imágenes son misteriosas, estéticamente bellas y poseen una seducción a la cual es imposible resistirse. Por lo tanto debemos anotar en nuestra agenda esta exposición como imprescindible.

Ellen Kooi nos habla de sus obras en los siguientes términos: “Se pueden ver mis imágenes como enigmas sin resolver pero eso sería una forma de pensar demasiado ‘lógica’, como si tuviera que haber una respuesta para todo. No existe una única respuesta a una narración.

Lo que a mí de verdad me importa es que las historias que cuento sobre el cuerpo, su fuerza y vulnerabilidad, encuentren eco en las experiencias personales del espectador. Mis narraciones tienen finales abiertos y yo las presento de manera que cada uno pueda imaginar sus propias historias y encuentre sus propias respuestas.”

Ellen Kooi © 2016 Haarlem – Wies

Ellen Kooi © 2018 Boskoop – dome 2018

Ellen Kooi © 2017 Nieuwe Meer – surfplank

Chou Ching Hui

Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

Chou Ching Hui (Taiwan, 1965) es un artista chino que desarrolla un trabajo de fabricación de imágenes en el cual las tecnologías de post-producción digital son imprescindibles para su realización. Se licenció en periodismo y en 1988 comenzó su interés por la fotografía.

Después de trabajar durante unos años como fotoperiodista en medios locales de Taiwan, fundó en 2004 su propia compañía de tratamiento y diseño de imágenes.

Animal Farm es uno de sus trabajos más importantes y lleva el mismo titulo que la novela de George Orwell. Para la realización de este trabajo el proceso de producción se extendió durante cinco años.

Se utilizaron dos parques zoológicos que fueron visitados por el artista y su equipo de producción para la selección de las localizaciones.

Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

Se trataba de sustituir a los animales en el zoológico por humanos. Escenas domésticas, juegos infantiles, actos cotidianos son representados en los espacios que habitualmente ocupan los diversos animales del zoo.

Esta puesta en escena intenta provocar reflexiones en el espectador sobre la estructura de la conciencia del propio cuerpo, la estructura de la conciencia de la supervivencia y la estructura de la conciencia colectiva.

Chou Ching Hui pretende algo más que sus obras sean vistas como una representación barroca de una ficción, con una excelente puesta en escena.

La intención de cuestionar al espectador ha sido siempre una constante en la historia de muchos artistas que se han alejado de la representación banal y literal de la belleza.

Sus símbolos culturales están presentes y los utiliza como metáforas para expresar sus propios planteamientos sobre la vida y el arte. Es una forma de tomar partido.

Podéis profundizar en la obra de este interesante artista en su web.

Miguel Oriola, ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola (1943, Alcoy) es uno de los fotógrafos españoles más importantes, con una obra extensa e intensa que deja una huella profunda en el espectador. Desde su trabajo Pensat i fet (1975) hasta hoy nos ha venido sorprendiendo con trabajos cada vez más interesantes. Esta serie fue un adelanto estético y narrativo en un país inundado por la fotografía documental de la generación anterior. En Pensat i fet nos muestra una obra realizada bajo la mirada de la parte por el todo y llena de provocación, en una época miserable y triste que auguraba el fin de la dictadura.

A este trabajo le han seguido muchos otros, cada vez más innovadores y con ese punto de transgresión que caracteriza la obra de este artista. Sus fotografías no dejan indiferente a nadie, son impactos visuales que provocan en el espectador todo tipo de sensaciones. Oriola acaba de publicar su último libro ACTUS (2017), una obra con imágenes que acorralan al espectador y lo dejan sin salida. El caos del mundo es reflejado en sus libros desde ALPHAVILLE, SKETCH 5, SKETCH 7, con una estética de un claro oscuro extremo y que sumergen al espectador en una experiencia trepidante.

Sobre la belleza estética, el orden y desorden podemos recurrir a estas palabras de Alvarado-Planás: Nuestro sentido de la belleza, y nuestra estética por tanto, nos lo inspira la coexistencia armónica del orden y del desorden, tal como existe en los objetos físicos: en las nubes, en los árboles, en las montañas y en los cristales de nieve. Las formas de todas estas cosas son procesos dinámicos que se han realizado en formas físicas, donde coexisten de modo inmanente, combinaciones concretas de orden y desorden. Así, apreciamos y sentimos un mundo gobernado por el caos, y nuestros sentidos se inundan con el desorden que nos rodea.(1)

Es imprescindible este último libro de Oriola, ACTUS que como los citados anteriormente forman el cuerpo de trabajo de su obra en los últimos años. Una obra realizada desde la libertad y el compromiso del autor que nos llenará de sensaciones intensas. El 22 de septiembre Miguel Oriola expondrá ACTUS en Bilbao en la escuela CFC, un evento que no nos podemos perder. A continuación y como primicia os adjunto el manifiesto de Miguel Oriola sobre su este trabajo:

Habitamos el caos, ese lugar donde los hechos y las cosas devienen en su extraño orden, y sin embargo, un lugar propicio para la creación, lleno de resonancias, de sorpresas y lejos de certezas. Me pregunto qué es la fotografía, mientras siento que en mi interior se desencadenan estímulos e impulsos que me hacen actuar cada día en este entorno.

Ando por el mismo cauce donde suceden las cosas, un glorioso torbellino que es la vida, donde lo inesperado y el estupor son elementos esenciales para la acción y la vivencia que se convierte en imagen. Nada mas lejos que el deseo de ordenar ese caos, germen de todas las cosas, con estéticas complacientes, significados forzados, o conceptos rebuscados. Cuando el fotógrafo señala a algo, y no a otra cosa, infiere en el mismo acto fotográfico la intención que conceptuará su expresión.

Para ello es necesario el talento y la memoria inconsciente enriquecida, el mayor caudal de información de todos los tiempos que posee el ser humano a través del instinto. Percibo mi trabajo como una cualidad alucinatoria, que emana de una visión scópica constante, un flujo de emociones que genera imágenes nacidas de la intuición en un acto instintivo que me fusiona al sujeto para siempre.

El fotógrafo debería barrer de la mente los pensamientos racionales, para actuar libre de prejuicios, para poder adoptar una percepción sistémica, que le permita conocer la atmósfera que le envuelve en su entorno y fundirse en ella, convertirse en aquello que va a captar, ser él mismo, el sujeto de su imagen antes de accionar su cámara. Mas aún, debería crear en su interior un lugar de ausencias, un vacío que contuviera todas las posibilidades de infinitas imágenes de perfectas armonías las cuales te buscaran a ti. Mi trabajo está condicionado sobre todo por el grado de relación con el ser humano, individuos que como yo mismo, vivimos almacenando preguntas sin recibir respuestas. Y la fotografía cada día, sólo te proporciona más preguntas. Uno deambula en el lado de la incertidumbre a la espera de una revelación que esperas en cada imagen. Como negar la atracción incontenible de esta dudosa realidad que percibo y que me impulsa a exorcizar en cada imagen lo desconocido y lo profano. Solo soy un viajero en un transito incierto que sigo a la búsqueda de mi mismo en cada fotografía que hago. Miguel Oriola, 2017 ©

Miguel Oriola es una referencia muy importante en la fotografía española, sin embargo no ha sido todavía galardonado con el Premio Nacional de Fotografía que por su trayectoria merece. Esperemos que eso suceda muy pronto. En los siguientes enlaces podréis ver la obra de Miguel Oriola y comprar sus libros y fotografías.

ACTUS

Libros Miguel Oriola

(1)  http://reflexionesmarginales.com/3.0/21-de-la-teoria-del-caos-y-del-desorden-a-la-estetica/

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

 

 

Gabriele Basilico

Gabriele Basilico ©, Milan, 1978

Gabrielle Basilico (Milán, 1944-2013) es uno de los fotógrafos más importantes y que mejor interpreta la iconografía de las ciudades y la narrativa de los espacios. Muy conocido en nuestro país debido a su abundante actividad expositiva, su trabajo representa su visión personal sobre los espacios construidos, habitados y destruidos por el hombre.

Es el Atget de finales de siglo XX y comienzos del siglo XXI. Tenemos la suerte de disfrutar de una gran retrospectiva de su obra en la Fundación ICO. Como viene siendo habitual las exposiciones de esta fundación suelen ser una referencia muy importante del festival PHE, desde la última década viendo siendo así y esperemos que continue.

Esta exposición comisariada por Ramón Esparza, nos permite disfrutar de la obra de Basilico en su conjunto. Hay un interesante extracto del documental realizado por Amos Guitai en el que Gabriele Basilico nos habla de su forma de trabajar, de su obra, de su relación con la luz y el entorno que dificulta siempre obtener un punto de vista preciso.

Ritratti di Fabbriche, Beirut, la Mission Datar y Giovanni Battista Piranesi 

Sus explicaciones sobre la interpretación de los grabados de Giovanni Battista Piranesi y el contraste de estos con sus fotografías contribuyen a entender la obra del gran arquitecto y arqueólogo italiano del siglo XVIII.

Su trabajo técnicamente perfecto y rico en el uso magistral de la perspectiva, refleja en ocasiones la arquitectura olvidada de las ciudades, y a través de sus fotografías adquieren un valor arqueológico incrementado.

Esas huellas que el hombre va marginando por la costumbre y el uso cotidiano de los espacios, y que han perdido importancia con el tiempo, resucitan y adquieren un nuevo interés gracias a la mirada de Basilico.

La exposición transita por los grandes proyectos de Basilico, desde los Ritratti di Fabbriche, Beirut, la Mission Datar y su visión diversas ciudades. El trabajo sobre los restos de la guerra en Beirut en el año 1991 reflejan el silencio y las huellas de la destrucción de la ciudad.

Sus imágenes son gritos silenciosos que expresan todo ese horror sufrido por una ciudad maravillosa que mira al Mediterráneo, y destruida por los intereses de todos aquellos que les incomodaba un Libano tolerante y próspero.

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

Hay que ser muy técnico para fotografiar la arquitectura, pero Basilico sabe descubrir el alma de los edificios, las ausencias, y el punto exacto, en el cual una perspectiva concreta dota de un nuevo significado a esas moles de cemento, cristal y acero, que conforman la piel de las ciudades y su definición colectiva.

El catálogo de la exposición cuidadosamente editado es una publicación que debemos tener como una referencia importante de este autor. Podemos disfrutar de esta exposición hasta el próximo 10 de septiembre.

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

Antoine D’ Agata, la bestialidad

Antoine D’ Agata ©

Antoine D’ Agata

En este mundo sólo la mentira es obscena. La bestialidad como último espacio de libertad, último baluarte contra la virtualidad creciente de lo real. La anestesia de los sentidos, la lógica de una sociedad que designa los objetos y los seres como consumibles, la gestión brutal y la eliminación continua de amplias capas de poblaciones marginalizadas que llevan a las comunidades no productivas al rango de desecho social.

Mecanismos invisibles de una crueldad endémica, innombrable, que devora el mundo y elimina sistemáticamente a los individuos identificados como excedentarios por las lógicas que ordenan los flujos del beneficio. Tabú consensual del genocidio económico contemporáneo, invisibilidad de la organización de producción y consumo sobre la que descansa la democracia liberal.

Formas crueles de alienación social y económica: los individuos se exponen a aceptar que su existencia no tiene ningún valor, que ya no están enfrentados al orden de las cosas sino identificados con él. Reinvención continua de nuevas formas de esclavitud y supervivencia a través de la liquidación de la propia vida.

Coreografía incestuosa y asesina de la locura geométrica del mundo, que atestigua la determinación con que los hombres emprenden la aniquilación de los hombres. Ya no hay espíritu, ni alma, ni lógica, ni sueño, vigilia, sueños, fe o sentimientos.

Ni comienzo ni fin, ni causa ni efecto, tan sólo la ausencia y la exposición en un exterior sobre el que pensamiento no puede tener incidencia.

Disolución del contacto, del consenso, fin del hastío en el vértigo epidémico del vicio como principio de vida, de conocimiento y resistencia.

Imágenes virales matriz del caos que hace de mi devenir un devenir común, reproduzco el mal, lo propago, lo figuro de anonimato en anonimato, de un cuerpo a otro, para sobrevivir al desastre de la vida.

Este es unos de los textos que podemos ver en la exposición de Antoine D’ Agata, está impreso en el poster que los visitantes se pueden llevar. Es una declaración de intenciones por la cual pone en contexto su trabajo y ese cabalgar sin rumbo hacia ninguna parte.

Vivimos en sociedades injustas en las cuales las vidas de las personas no valen nada. Se altera el precio de los alimentos creando hambrunas y la industria de la guerra obtiene grandes beneficios gracias a los conflictos que provocan las grandes potencias. Pero nos escandalizamos con escenas de sexo explícito sin preguntarnos por qué el autor ha elegido ese camino.

Las censuramos y salimos escandalizados de la exposición. Esa es la forma de actuar de una gran mayoría. No miramos a los que nos rodea ni nos inmutamos por las injusticias cotidianas que suceden a escasos metros de distancia. El mundo está dominado por la codicia y la vida no vale nada, el poder se sustenta en una base amplia de sumisos y difamadores dispuestos a todo.

Allí donde otros proponen obras yo no pretendo
otra cosa que mostrar mi espíritu.
La vida es un consumirse en preguntas.
No concibo la obra como separada de la vida.
No amo la creación separada. No concibo tampoco
el espíritu separado de sí mismo. Cada una
de mis obras, cada uno de los planes de mí mismo,
cada una de las floraciones heladas de mi
vida interior echa su baba sobre mí.

Antonin Artaud
El ombligo de los limbos

Laura Carrascosa

Laura Carrascosa Recuero © De la serie Vacío

Laura Carrascosa (1978, Guadalajara) es una artista multidisciplinar que emplea la fotografía, el vídeo y la performance para la realización de sus obras. Su trabajo se puede definir como conceptual y se presenta a través de la realización de unas imágenes muy atractivas que rápidamente captan al atención del espectador. Tanto las imágenes como los vídeos nos seducen y siempre nos quedamos con el deseo de ver más. Sus obras hacen reconocible su trabajo muy fácilmente, con suma facilidad Laura Carrascosa ha creado un estilo propio. Su primer proyecto “Vacío / Void” (2014) se expuso en Madrid en 2015 y se compone de 35 fotografías y una vídeo performance.
Laura nos habla sus obras en los siguientes términos:
Vacío, actualmente figura, entre otras definiciones, como “Falto de contenido físico o mental “en el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, pero en la actualidad están surgiendo otras descripciones entorno a ella vinculadas al consumismo, perfección, placer y  anulación del esfuerzo valor de lo inmediato. Del mismo modo, según algunos investigadores, está relacionada con fobias y enfermedades como los trastornos de alimentación presentes en nuestra sociedad. El proyecto “Vacío” nace a partir de una experiencia vinculada a diversos de estos roles/factores sociales existentes, teniendo la necesidad de crear este proyecto en un lavadero, lugar donde las mujeres podían hablar con libertad y manifestarse como eran realmente. La finalidad de “Vacío” es generar en el espectador lo que es, un sentimiento de perdida, desorientación, caos, desequilibrio, equilibrio y finalmente de superación.
La primera exposición de Vacío se hizo en el lavadero público de Val de San García (Guadalajara). Para la artista es importante haber realizado la primera exposición en el lugar donde se gestó el proyecto.

El proyecto “¿Qué lugar ocupo yo?” (2015) lo he querido basar en el poema: “Un señor maduro, con una oreja verde”. Gianni Rodari. En él hago referencia al sistema educativo actual, sistema que no trata la individualidad, sino la masa, olvidando el cultivo y desarrollo de la creatividad, de la curiosidad y valores tan importantes como la empatía, el trabajo en equipo ..etc, en definitiva, el respeto a las diferencias individuales como factor enriquecedor de la sociedad.
El niño/a continua, en hogares y escuelas, siendo un sujeto pasivo, que debe alcanzar de igual manera, unos conocimientos, que no son fundamentados desde su investigación y descubrimiento, sino que son dados magistralmente para una memorización que quedará en el olvido, al no ser aprendizaje significativo. La educación es un reflejo de la sociedad actual, una sociedad mayoritariamente competitiva, egoísta, que no tiene en cuenta los sentimientos ni emociones que los actos producen sobre los demás.
La serie ¿Qué lugar ocupo yo? se compone de 11 fotografías de color y una vídeo performance.

Rumores (2016) es una obra que nos habla de la difamación y de las etiquetas que nos ponen en el ámbito social. Se compone de 20 fotografías de color y una vídeo performance. Es una artista que tendremos que tener muy en cuenta en los próximos años. En este enlace podréis ver vídeos de estos trabajos.

Laura Carrascosa Recuero © de la serie ¿Qué lugar ocupo yo?

Laura Carrascosa Recuero © 2016, de la serie Rumores

La Egolatría Y La Ética Del Trabajo

Lewis Baltz ©

Lewis Baltz ©

Vivimos unos tiempos en que los que quieren tener éxito o creen haberlo alcanzado proclaman a los cuatro vientos que ellos emplean un 70% de su tiempo en vender lo que hacen y un 30% a producirlo. Todo se basa en el marketing salvaje del humo que venden y tiene esa inspiración del nazismo con esa frase de Göbbels: <<una mentira repetida mil veces se convierte en verdad>>.

Venderse al precio que sea, ocultar nuestra ignorancia y aparentar que lo sabemos todo y que cualquier cosa que producimos es tendencia y vanguardia. No hay espíritu de autocrítica, todo lo que hacen vale, y generalmente este tipo de sujetos se toman cualquier crítica ya sea en un periodo de aprendizaje o posterior como una afrenta personal. Sobre todo lo importante es ocultar sus carencias, seguir aparentando que son expertos en aquello que desconocen y mantener su comportamiento ególatra como escudo para ocultar su ignorancia. Estas actitudes de las masas posmodernas que se agrupan en torno a las modas imperantes y a las etiquetas del momento tienen éxito en todos aquellos individuos que aspiran a conseguir un cierto status en la actividad a la que se dediquen con la ausencia del esfuerzo y la ética del trabajo. El peligro de estas actitudes es el contagio masivo que producen, cuyo dios se encuentra en ese rincón del vago, del cual extraer cuatro frases de moda para aparentar que saben algo. Si esto les falla les queda el plagio, buscar algún autor que pudo haber hecho algo rompedor hace cuarenta años y con un par de retoques adaptarlo como si fuese una idea original. Todos estos comportamientos son consecuencia directa de la corrupción generalizada existente en el planeta, la economía de la especulación que altera el precio de las cosas sin haberse producido transacciones reales. Se premia el pillaje, a los impostores y los asaltantes que se ocultan sigilosamente en cualquier lugar. Los ególatras se pasean con la altivez que oculta su ignorancia, como modelos efímeros en una pasarela de patéticos personajes.

He elegido para ilustrar este post dos imágenes de Lewis Baltz, un gran artista del cual podréis disfrutar en la Fundación Mapfre de Madrid hasta el mes de junio.

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust

Roger Ballen – The Theatre of Apparitions

Roger Ballen © Face Off, 2010, archival pigment print

Roger Ballen © Face Off, 2010, archival pigment print

Roger Ballen (1950, NY) expone en la galería londinense Hamiltons su trabajo The Theatre of Apparitions desde el 17 de marzo al 21 de abril. Hace unos años tuvimos la suerte de recibir una clase magistral de este artista en el Centro de Arte de Alcobendas, tanto los alumnos de PIC.A como las personas que estuvieron presentes recordaran esa conferencia. En esté trabajo las imágenes que parecen venir del subconsciente estan inspiradas en los dibujos tallados a mano sobre los cristales oscuros de una prisión abandonada de mujeres. Ballen experimentó con pinturas de aerosol sobre vidrio produciendo estas imágenes que pueden asemejar pinturas rupestres que nos transportan a un mundo onírico lleno de misterio, angustias y oscuridad.

Emma Calder y Ged Haney han dirigido una animación en 2D de este trabajo de Ballen que podemos ver en la web del artista. Este nuevo trabajo se ha materializado en un libro que podemos adquirir desde este link. Como siempre Ballen no nos deja indiferentes, este trabajo es soplo de aire fresco entre tantas imágenes repetitivas que nos encontramos en las galerías y publicaciones que se nos ofrecen a diario y se aleja de esa estética oficial de la mayoría de “artistas” que inundan las ferias de arte contemporáneo.

Roger Ballen © Feeding, 2012, archival pigment print

Roger Ballen © Feeding, 2012, archival pigment print

Roger Ballen ©Waif, 2012, archival pigment print

Roger Ballen ©Waif, 2012, archival pigment print

Roger Ballen © Ghostriding, 2011, archival pigment print

Roger Ballen © Ghostriding, 2011, archival pigment print

Vista de la exposición en la galería Hamiltons de Londres.

Vista de la exposición en la galería Hamiltons de Londres.

María Antonia García De La Vega

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura II, La Montaña

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura II, La Montaña

María Antonia García de la Vega (1956, Madrid), es una fotógrafa cuya obra se centra en la búsqueda del paisaje, su belleza y grandiosidad. Su contemplación es una invención cultural que evoca el paraíso perdido y la belleza de la naturaleza. Nos podemos remitir al párrafo de San Agustín que leyó Petrarca en la cima del monte Ventoux:Y los hombres van a admirar la altura de las montañas, la enorme agitación del mar, la anchura de los ríos, la inmensidad del océano y el curso de los astros y se olvidan de si mismos”. (1)

María Antonia estructura su obra sobre esta temática en una trilogía que ha llamado Memorándum Natura, la primera parte dedicada a los bosques, la segunda a la montaña y la tercera al agua. Nos presenta su trabajo en un exquisito blanco y negro, basado en la tradición de este tipo de fotografía que nos ha emocionado durante años y su mirada nos remite a los grandes clásicos del genero. Es una obra que nos transmite las emociones de la autora al presentarse delante de la fuerza de la naturaleza y captar su esencia, bajo los matices de las luces y las sombras, que han sido reproducidos con la precisión necesaria para hacer participe al espectador de las sensaciones del proceso creativo.

Memorándum Natura I, Los Bosques, se está exponiendo en la Galería-Librería Raylowski de Valencia y Memorándum Natura II, La Montaña comenzará a exhibirse en la sala Amárica de Vitoria a partir del próximo 16 de marzo que será la inauguración. Es una gran oportunidad para ver en directo el trabajo de esta autora y disfrutar del mismo. Podéis adquirir el libro Memorándum Natura en el siguiente link.

(1) Alberto Ruiz de Samaniego – Paisaje Fotográfico, Entre Dios y La topografía (pag. 9)

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura II, La Montaña

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura II, La Montaña

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura II, La Montaña

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura II, La Montaña

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura I, Los Bosques

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura I, Los Bosques

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura I, Los Bosques

María Antonia García De La Vega © De La serie Memorándum Natura I, Los Bosques

Portada del libro Memorándum Natura que podéis comprar en su web.

Portada del libro Memorándum Natura que podéis comprar en su web.

Tino Soriano En Madrid

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano (1955, Barcelona) es un fotoperiodista especializado en fotografías de viajes y documental. Poseedor de una amplia experiencia, tiene la sensibilidad necesaria para realizar temas relacionados con la salud y las enfermedades infantiles. Fotógrafo de National Geographic domina el instante, captura los momentos decisivos desde la perspectiva correcta. Utiliza en color con maestría, usándolo como una herramienta fundamental de sus imágenes.

Tino nos habla de sus influencias y sus comienzos: “Mi primera gran influencia se la debo a John Hedgedcoe (1932-2010) que publicó un libro titulado “El arte de la fotografía en color” en donde explicaba la importancia de entender las “relaciones especiales y a menudo sutiles entre los diferentes colores”. También describía en esta obra el poder psicológico y emocional que el color puede tener en el espectador. Ciertos colores, afirmaba, consiguen que la gente reaccione de una determinada manera. También Cheico Leidmann, Ernst Haas, Jay Maisel, Pete Turner, Helmut Newton , José Manuel Navia y más recientemente David Alan Harvey y Alex Webb han ejercido un enorme impacto en la forma en que veo y fotografío en color.”

Tino Soriano expondrá en Madrid y su trabajo “Color a la vida” servirá de marco para el festival de documentales “Travelling 2017” que se celebrará en Madrid del 6 al 10 de marzo próximos. La inauguración de la exposición de será el próximo 6 de marzo a las 20,30h en B the travel brand Xperience, Calle Miguel Ángel 33, 28010 MADRID. Es una oportunidad para ver el trabajo de un fotógrafo muy experimentado en el manejo del color y la fotografía de viajes, y para mi reencontrarme con un amigo.

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

Tino Soriano ©

La Memoria Se Desvanece

Rafael Roa © 2015

Rafael Roa © 2015

Los recuerdos vuelven de vez en cuando en forma de imágenes no visibles, sólo yo soy capaz de recrearlas vagamente en mi interior. Son las sensaciones vividas las que me transportan mentalmente a esos lugares invisibles y me provocan la búsqueda infructuosa de aquellos instantes. Ya no hay texturas, ni olores, ni sonidos, ni imágenes, sólo intentos vanos de recrear lo imposible.

Todo se ha desvanecido, y nuestros cuerpos reflejan las huellas del tiempo, la perdida de la fortaleza y de esa energía vital que creíamos que sería eterna. El amor, como las esperanzas de los valores que creíamos importantes y eternos se han perdido en una especie de agujero negro. La memoria se desvanece y las imágenes que poseemos de aquellos instantes sólo transmiten una referencia lejana en un objeto plano.

No hay nada que podamos rescatar de aquello. Las imágenes son sólo un recordatorio de algo inexistente. El tiempo no tiene tecla de rebobinado como apuntaba Nam June Paik. Sus obras de vídeo eran una rebelión frente al alienante medio de la televisión. Las imágenes se producen, se usan y se olvidan, y muy pocas forma parte de las referencias históricas o culturales.

El arte es un mercado de productos decorativos, usado por una parte de poderosos delincuentes para blanquear el dinero negro de sus turbios negocios. Casualmente son estos los que influyen en las tendencias especulativas del mercado del arte.

Las imágenes se usan como sustitutivos de las palabras, nos sirven para comunicar que hacemos, donde estamos y que queremos comprar. Compartimos esas imágenes con celeridad y una vez recibido el mensaje dejan de tener utilidad.

No hay ninguna intencionalidad intelectual en su producción, es un acto mecánico y las personas se han convertidos en captadores involuntarios, con una adicción imparable a la producción y distribución de esas capturas cotidianas.

Vivimos tiempos diferentes y la estética de las capturas digitales no tiene nada que ver con la estética de la fotografía que hemos estudiado. La fotografía como herramienta de expresión artística también sufre un cambio continuo que está condicionado con las nuevas tecnologías y los factores del mercado del arte.

Rafael Roa © 2012 Still de Vídeo -Last Dance

Rafael Roa © 2012
Still de Vídeo -Last Dance

El Dominio De La Técnica

Piero Manzoni © 1961 Merda d' artista

Piero Manzoni © 1961 Merda d’ artista

Se supone que el artista debe dominar las herramientas que decide utilizar en la materialización de sus ideas para producir una obra de arte. Se debe conocer la técnica de la herramienta para que el espectador no se lleve una impresión de que aquello que le están mostrando en la galería carece de la calidad mínima, y que no está a la altura del artista que expone dicha obra. Igual que cuando acudimos a la representación de una ópera no damos por bueno que la orquesta vaya desacompasada o que la soprano desafine. En fotografía o en vídeo podemos transgredir con el uso de la herramienta, desenfocar imágenes, manipularlas, y todo aquello que se nos ocurra, pero el todo final tiene que tener esa calidad por la cual el espectador se ve seducido y el coleccionista dispuesto a comprar esa pieza. Habitualmente yo publico en mi blog todo aquello que considero interesante, no tengo ninguna obligación de hacer una crítica positiva de aquello que no me convence, y lo que no considero adecuado no hablo de ello. No tiene ningún sentido para mi hacerlo, mi tiempo es oro, y no consigo nada con ello. Es responsabilidad del artista producir obras de calidad que no parezcan un mal ejercicio de una escuela de fotografía. Al final mi opinión es mía y puede no ser convergente con otras que yo considero respetables, se puede discrepar perfectamente sobre cualquier tema. Considero que una obra de arte debe de tener esa calidad que ayude a potenciar el concepto y seduzca al espectador. Mi blog es libre, está sujeto a mi derecho de publicar lo que quiera y cuando quiera, nadie me paga por lo que hago y eso me hace completamente independiente.

Creación, Fotografía, Apropiacionismo

Metrópolis de Fritz Lang (1928)

Metrópolis de Fritz Lang (1928)

La producción de una imagen es producto de una captura irreflexiva o de una mirada subjetiva y reflexiva. Esta segunda consideración nos remite a la intención artística de la fotografía. La primera se reduce sólo al uso del disparador de la cámara como elemento masturbador de la misma, como apuntaba Cartier-Bresson. Y en los tiempos actuales se fabrican una gran cantidad de capturas de imágenes irreflexivas que son olvidadas casi al mismo momento de haber sido producidas. Las capturas digitales son compartidas y exhibidas sin pudor en las redes sociales, y las estas son las referencias de los diarios visuales de quienes las comparten, en definitiva el la máxima expresión del exhibicionismo. Este olvido inmediato de las imágenes que sucede prácticamente instantes después de ser vistas nos lleva a la aceptación de la falta de significado de las mismas. Esto ocurre con la información de las tragedias colectivas, no sirven de ningún tipo de concienciación social.

Las vanguardias reflejaron la rebeldía y las ansias de cambio, una nueva estética artística y visual no exenta de una crítica política. Unas nuevas formas de crear y comunicar con las imágenes, una nueva forma de ver que se alejaba de la perspectiva clásica. En la actualidad el poder económico dirige y planifica el desarrollo del negocio del arte. Seleccionan lo que van a potenciar como referentes estéticos y marginan todo aquello que puede representar una crítica al sistema o que incentivasen reflexiones que despertasen la mansedumbre de los receptores y consumidores del arte. Los nuevos pensadores del apropiacionismo nos anuncian con frases apocalípticas la llegada de los nuevos tiempos, que vendrán acompañados del uso de la robótica y de la inteligencia artificial. La mayoría del arte que consumimos son piezas inofensivas y decorativas. El interés individual de los “artistas” se centra en sentarse lo más próximo a quienes detentan el poder de la exhibición y les puedan hacer un hueco bajo los focos. Si para esto tienen que convertirse en imitadores de las tendencias de moda lo consideran como un peaje que es necesario pagar. Hemos visto durante la primera década de este siglo como las ferias de arte se inundaban de fotografías imitando a los exitosos miembros de la Escuela de Dusseldorf.

El discurso apropiacionista va en paralelo a los usos que el poder económico emplea, y resulta curioso ver la manga ancha que le dan sus defensores al uso de las imágenes de otros en contraposición a lo denostado e ilegal del plagio literario. Cuando las palabras, las ideas y las imágenes pertenecen a aquellos que las producen. Todos tenemos en la mente el caso del famoso artista norteamericano que lleva toda la vida robando imágenes de otros y con una pequeña modificación las registra como propias. Lo último ha sido la reproducción de imágenes de una red social que ha ampliado y vendido como propias a precios escandalosos. Esto es similar al discurso del ideólogos del net-art que consideran que las imágenes que capturan de la red les pertenecen. Estas actitudes son puramente ideológicas y definen a la época que estamos viviendo, reflejando la perdida de la ética del trabajo, que ha sido sustituido por la habilidad para la especulación y el beneficio rápido.

La apropiación de las imágenes pertenece a la modernidad ideológica actual, igual que la apropiación de caudales públicos pertenece a la corrupción política. El arte está dirigido por el mercado que selecciona y difunde aquello acorde a las necesidades de transmisión de un pensamiento dirigido. Este fenómeno global es una representación de la nueva ideología social que el poder esta fabricando sin ningún tipo de oposición.

La Muerte De La Fotografía

Rafael Roa © 1990 Experimentación personal con creación de PDH. Polaroid 55, 10x12cm. Copia 50x60cm

Rafael Roa © 1990
Experimentación personal con creación de PDH. Polaroid 55 10x12cm. Copia 50x60cm

Según Sebastiao Salgado la fotografía desaparecerá en unos 20 o 30 años. La fotografía ya ha cambiado debido a la llegada de la era digital. Quizás para mi no sea ese el debate más importante. La fotografía se ha ido modificando siempre desde su nacimiento a la par que surgían nuevos procesos. Cada cambio tecnológico en el siglo XIX iba acompañado de cambios estéticos y narrativos de la herramienta.

Ha habido características que se han mantenido desde entonces, y quizás la más importante sea la de la puesta en escena que se mantiene en la actualidad. La mayor parte de la fotografía producida desde su nacimiento ha tenido una puesta en escena en mayor o menor grado.

También nos hemos liberado de esa creencia de que la fotografía reflejaba la realidad y aceptamos que sólo sea una huella o imitación de aquello que “sucedió” en un determinado instante. Lo que ha cambiado desde la aparición de la era digital es el uso de la misma. Ahora nos comunicamos con imágenes que capturamos y compartimos desde cualquier dispositivo, en su mayor parte teléfonos móviles.

Existe un afán irracional y obsesivo por capturarlo todo y compartirlo en las redes sociales. Hoy mientras visitaba la exposición de Robert Doisneau vi a varias personas fotografiar compulsivamente las fotografías de la exposición, en vez de analizar las imágenes y disfrutar de ellas. Muchas personas no viven la vida, sólo se limitan a capturar imágenes de todo lo que hacen, y compartirlo de forma inmediata en las redes sociales.

Existe una necesidad obsesiva de mostrar cualquier acontecimiento cotidiano, exhibirse para ser observado por esa multitud de espectadores ávidos de recibir la aprobación de la comunidad virtual. Mostrar nuestra vida en imágenes es una obsesión para una mayoría de usuarios de teléfonos móviles y redes sociales.

Hace años escribí sobre este tema, y apuntaba que el mundo se dividiría en una gran mayoría de captadores de imágenes y una minoría de fotógrafos o artistas. Estos últimos usarían la herramienta desde la reflexión y la creación, a tráves de ideas o conceptos, que serian materializadas posteriormente en cualquier soporte fotográfico.

Podemos volver a ese debate de la estética de la fotografía de la fotografía arte o sin-arte. Sería más acertado diferenciar entre la fotografía como forma de representación de las ideas y las capturas automatizadas que se producen cada día. Sin embargo muy pocas personas se cuestionan por el significado de las imágenes que consumimos, ya sea en el ámbito de la información o del arte.

La memoria y el olvido

¿Acaso las imágenes de las tragedias o las injusticias tienen algún efecto en la población que no dure más de 24 horas?

Todo se asimila y olvida. Nada produce la más mínima reflexión o autocrítica. La memoria de pez funciona a la perfección. Se ha escrito mucho sobre esto y de formas muy acertadas por filósofos que ya he citado en otras ocasiones. Quizás nos encontremos en una sociedad cada vez más alienante y fácil de manipular que sólo se mueve por la conservación del hábitat de confort de forma individual.

Por lo tanto todas las manifestaciones colectivas reflejan y tienden a aceptar cualquier cosa. El pensamiento crítico es cada vez más reducido y esto afecta a las formas artísticas de producción que están controladas por el mercado del arte. La fotografía existirá siempre que fotógrafos o artistas estén dispuestos a producir imágenes que materialicen ideas, sentimientos o sensaciones personales.

La producción de los captadores de imágenes ya es un equivalente de la comida rápida. Nadie se acuerda del sabor de este tipo de comida, y de la misma forma nadie recuerda las últimas diez imágenes que ha visto en una red social dos minutos antes. La reflexión y el trabajo dirigido a la consecución de los conceptos a materializar en imágenes será la base de la fotografía que nos volverá a producir ese Punctum del que hablaba Roland Barthes.

La fotografía-arte se imprimirá recuperando ese objeto plano que muestra una imagen, y volveremos a disfrutar de los nuevos matices de impresión y de procesos clásicos que usaran aquellos artistas interesados en una mejor representación de sus obras.

Bienal Foto Úbeda 2016

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Es muy positivo que se vengan desarrollando festivales y bienales de fotografía para la difusión de la cultura fotográfica y artes visuales. La más reciente en añadirse a estas iniciativas ha sido la I Bienal Foto Úbeda 2016. Con el entusiasmo de la Asociación Fotográfica de Úbeda, de fotógrafos de la zona, el apoyo del Ayuntamiento de Úbeda, la Diputación de Jaén, y de otros patrocinadores, dicha bienal ha sido posible y se viene realizando desde el 1 de septiembre y finalizará el 9 de octubre. El Retrato Contemporáneo, el Desnudo, la Fotografía de Viaje y Etnográfica, la faceta de Autor, el análisis Psicológico de la imagen, el Coleccionismo Fotográfico, la Venta de Obra y el Fotoperiodismo, serán las temáticas claves que integrarán este festival de la Fotografía.

El pasado 1 de septiembre a las 19:30 horas, se inauguraron las tres exposiciones de la bienal que podrán visitarse hasta el 9 e octubre: Breve Encuentro de Julián Ochoa, 12 horas en el Louvre de Katy Gómez  y Espacio Propio de la Asociación Fotográfica de Úbeda (AFU). Estela de Castro realizó un taller de Retrato los días 24 y 25 de septiembre. Los días 7, 8 y 9 de octubre se concentran el mayor número de actividades por ser la semana en que se clausura dicha bienal. Este intenso fin de semana se abrirá el día 7 con Mercado Foto una feria de venta de obra de autor que se extenderá hasta la clausura.

Las conferencias gratuitas de los autores invitados se realizaran los días 8 y 9 de octubre y contará con la participación de los siguientes autores:  Jose María Díaz-Maroto, Julián Ochoa, Rafael Roa, Sitoh Ortega, Daniel Casares Román, Alfredo Oliva y Manu Brabo. Dichas conferencias son gratuitas y podéis solicitar la inscripción en el correo de la AFU. Estamos seguro del éxito de esta bienal y esperamos que se repita en años sucesivos. El esfuerzo y el entusiasmo de los fotógrafos implicados buscando la financiación y apoyos institucionales y privados lo han hecho posible. Toda la información en la web de la Bienal.

Presentación de la Bienal en el Ayuntamiento de Úbeda

Presentación de la Bienal en el Ayuntamiento de Úbeda

Inauguración exposición Julián Ochoa

Inauguración exposición Julián Ochoa

Inauguración exposición de Katy Gómez

Inauguración exposición de Katy Gómez

Photo Call de la Bienal

Photo Call de la Bienal

Presentación de la Bienal

Presentación de la Bienal

Púbico asistente a las exposiciones

Púbico asistente a las exposiciones

Inauguración de la Exposición de la AFU

Inauguración de la Exposición de la AFU

Santiago Sierra, 25 Veteranos, 2205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra (Madrid, 1966) expone su obra 25 Veteranos, 2205 Crímenes de Estado en la galería Helga de Alvear, se podrá visitar hasta el 12 de noviembre próximo. Tras graduarse en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, Santiago Sierra completó su formación artística en Hamburgo, donde estudió con los profesores F.E. Walter, S. Brown y B.J Blume. Sus comienzos estuvieron vinculados a los circuitos de arte alternativo en Madrid – El Ojo Atómico, Espacio P- aunque continuaría desarrollando su carrera en México (1995-2006) e Italia (2006-2010). En 2010 renunció al Premio Nacional de Artes Plásticas. La obra se compone de 25 fotografías de veteranos de guerra cara a la pared y de un vídeo, locutado por 2 habitantes árabes de los nombres de las 2205 personas asesinadas durante los ataques de efectuados a la franja de Gaza desde el 8 de julio al 26 de agosto de 2014. El listado incluye 70 víctimas israelíes sin establecer ninguna distinción entre las víctimas. Las fotografías de los veteranos a una escala de tamaño similar al natural reflejan también la actitud de una mayoría de mirar hacia otro lado ante situaciones de injusticias, en los conflictos socio-políticos. Esta lista no se completará jamás.

Cada día en el planeta se suceden las muertes de civiles inocentes que pierden la vida en los conflictos que se están produciendo. Las imágenes de la violencia son digeridas sin problemas por la población y convivimos con ese ritual informativo a diario. Toda la obra de Santiago Sierra tiene un contenido político-social y viene focalizando los temas que trata en situaciones de injusticias o corrupción política que se producen a diario. En su web podéis ver el vídeo en el cual se muestran sobre un fondo negro los nombres de las víctimas.

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado (detalle de la fotografía)

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado (detalle de la fotografía)

Greg Semu

Greg Semu © 2007 The Battle of the Noble Savages

Greg Semu © Musse du Quai Branly,  2007 The Battle of the Noble Savage

Greg Semu (1971, Nueva Zelanda) es un artista de origen samoano cuya obra se basa en la historia de las migraciones de estos pueblos del Pacifico. Aunque se siente samoano también se siente extraño en esa tierra, no creció allí y eso le produce este sentimiento. Vivió en Nueva York y París antes de establecer su residencia en Sidney recientemente. Semu es un fotógrafo autodidacta y en 1995 realizó su primera exposición en Aukland. Su trabajo aborda el desplazamiento cultural con la colonización, y en particular sobre la colonización política y religiosa.

En 2007, recibe el encargo del Musse du Quai Branly de París y realiza la obra The Battle of the Noble Savages. En 2010 crea la serie The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, un trabajo de 9 imágenes producidas como consecuencia de una residencia en The Center Cultural Tjibaou en Nueva Caledonia. En este trabajo Semu es el protagonista de algunas de las obras de la serie. Algunas de las obras de Semu se presentan en cajas de luz de 120x180cm lo que produce un gran impacto en el espectador. Su obra The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16, se inspira en dos pinturas del siglo XIX de Louis John Steele and Charles F. Goldie’s The Arrival of the Māoris in New Zealand, 1898, and Théodore Géricault’s, 1805, ambos de los cuales dramatizan la supervivencia en el mar. Estéticamente usa el claroscuro y puede ser encuadrado en la corriente del Pictorialismo Contemporáneo al que pertenecen artistas como: Bill Henson, Jeff Bark, Pierre Gonnord y Yang Yong Liang, entre otros.

Greg Semu © 2010 Auto portrait as La Pieta, 2010. The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians series

Greg Semu © 2010 Auto portrait as La Pieta, 2010.

Greg Semu © 2010 The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, 2010.

Greg Semu © 2010 The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, 2010.

Greg Semu © The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16

Greg Semu © The Arrival, diptych 2014–15 – The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Greg Semu © The Raft - The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Greg Semu © The Raft – The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Raymond Moore

Raymond Moore © 1968 Cardiff

Raymond Moore © 1968 Cardiff

Raymond Moore (1920-1987, Reino Unido) fue el fotógrafo clave en el desarrollo de la fotografía artística británica. Olvidado y apreciado por unos pocos que tratan de mantener viva su obra. Por un problema legal su archivo está en paradero desconocido y no hay ninguna noticia en la actualidad de que pudiese ponerse a buen recaudo y ser objeto de exposiciones y publicaciones.

Raymond Moore se formó en el Wallasy College of Art (1920) obteniendo una beca para una exposición en en el Royal College of Art a la edad de 27 años. Con posterioridad cambió la pintura por la fotografía como su herramienta de creación. Moore utilizó la fotografía como medio de expresión personal alejándose de los usos habituales de esos años marcados por la fotografía más comercial. A los que le acusaban de estar influenciado por el arte moderno les respondía que era mejor que tener influencias del siglo XIX. En 1968 estuvo en Estados Unidos y colaboró con Minor White en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. El trabajo de Harry Callahan y Aaron Siskind influyó en el desarrollo de su obra en esa etapa,  que se materializó con posterioridad en 1970 en su exposición en el Instituto de Arte de Chicago. Sus imágenes nos muestran una visión poética, minimalista y conceptual del paisaje, de los detalles que el considera más importantes. La desolación y soledad es una constante en su obra. Espero que en algún momento su archivo este disponible para mostrar su obra en la actualidad.

Frente a la multitud de relaciones entre objetos en el mundo visual, estoy impulsado a elegir o seleccionar aquellos acontecimientos que reflejan con mayor precisión un estado del ser en ese momento en el tiempo. Esta elección se rige por una conciencia instintiva de poder esencial del medio de traducir y volver a crear en términos fotográficos. Un nuevo mundo se presenta mágicamente en forma de marcas hechas por el proceso óptico-química, relacionado con el mundo de la comunicación visual todos los días y sin embargo, al margen de ella. A partir de este mapa de la experiencia, es de esperar algo de valor puede ser revelada. – Raymond Moore

Raymond Moore © 1969 Nicosia

Raymond Moore © 1969 Nicosia

Raymond Moore © 1977 Alomby

Raymond Moore © 1977 Alomby

Raymond Moore © 1980 Marypot

Raymond Moore © 1980 Marypot

Raymond Moore © 1980 Harrington

Raymond Moore © 1980 Harrington

El Uso De La Fotografía

Ambrotype in case, portrait of girl, Ann Plummer, metal, glass, wood, leather, textile, photographed by Mr Iby, Linonee, New South Wales, Australia (Interior)

Ambrotype in case, portrait of girl, Ann Plummer, metal, glass, wood, leather, textile, photographed by Mr Iby, Linonee, New South Wales, Australia (Interior)

Desde su nacimiento, la fotografía ha producido apasionados debates sobre el uso, y definiciones de la misma. Su desarrollo técnico ha ido acompañado de cambios estéticos y narrativos, ampliando sus formas de uso. Los planteamientos de Paul Valéry sobre las transformaciones de las técnicas de las artes, son extrapolables a lo que está sucediendo ahora. Quizás estos nuevos usos de la herramienta nos permiten abrir nuevas reflexiones sobre su significado y lenguaje y como estos han afectado a su relación con el receptor. Creo que el profundo estudio de todas las reflexiones que se han hecho hasta la fecha sobre la fotografía nos aportan una perspectiva diferente y más amplia para abordar los planteamientos sobre el uso de la herramienta en la actualidad. Cada persona usa la fotografía desde puntos de partida diferentes. Unos como mero divertimento y otros como forma de expresión artística. El eterno debate de la fotografía-arte fotografía-sin arte. Entre esos polos opuestos se encuentran muchos otros usos que son definidos por aquel que coge una cámara o cualquier herramienta que capture imágenes.

Podemos abordar la racionalidad del acto fotográfico frente al dedo como instrumento masturbador de la cámara, como lo definió Cartier Bresson. La mitología de que la fotografía representa “lo real” se desmonta fácilmente. Recurrimos a Panofsky para demostrar que la perspectiva no es un medio neutro que nos permita restituir la realidad, toda la realidad. El momento decisivo frente a la fotografía fabricada, el fotógrafo cazador frente al creador de imágenes que sólo existen en su interior y son producidas con posterioridad. La puesta en escena en contraposición a la fotografía que refleja las huellas. Un fotógrafo que profundice en las áreas del pensamiento, crítica, estética y análisis de la herramienta tomará un camino diferente frente a aquellos que no usan la herramienta de una forma reflexiva. La ficción versus la huella de lo real, significados, narrativas, estéticas e interpretaciones de los receptores de las imágenes, un mundo apasionante en el cual profundizar para que con estos conocimientos podamos establecer nuestro punto de partida en el uso de la herramienta.

¿Hacia dónde va la fotografía?

Taller De Iniciación A La Estética De La Fotografía 10-11 de Septiembre

 

Wu Tien-chang ©

Wu Tien-chang ©

Jorge Molder © Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder ©
Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Shanghái, China, 1948 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Shanghái, China, 1948
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Helmut Newton en el Foam

Hemut Newton © Jo Champa 1988,

Helmut Newton Foundation © Jo Champa 1988,

Helmut Newton (1920, Berlin – 2004, LA) ha sido uno de los grandes fotógrafos de los últimos cuarenta años. No sólo por sus trabajos de moda, sino por el sello personal que supo imprimir a sus fotografías, no diferenciando entre su trabajo comercial y su obra personal. Un autor que ha impuesto su estilo y estética personal en un mundo tan complejo como el de la fotografía de moda. Un referente para generaciones posteriores.

Pero no quiero hablar de la calidad fotográfica de Newton, y si de la forma de enfrentar el desnudo, de mostrar el deseo y la transgresión, con un glamour que lo hacía digerible a toda la burguesía adinerada. Newton consiguió eso, quitar la caspa ultraconservadora a las castas de los asquerosamente ricos y hacerlos sentirse con un toque moderno y transgresor. Hasta las más extremistas feministas en algún momento se han rendido a Newton, o han aceptado a sus modelos, a cuatro patas y con una silla de montar en la espalda. Creó un estándar de mujer perfecta, alta, fuerte escultural, de proporciones exactas, para ser deseadas a través de sus fotografías. Este tipo de mujeres y sus posiciones, en general de dominio, eran un sello que ha identificado sus obras durante toda su carrera.

El museo Foam De Amsterdam le dedica una retrospectiva que podremos ver hasta el próximo 4 de septiembre, una gran ocasión para visitar esa ciudad y ver la obra de este artista.

Helmut Newton Foundation © Sigourney Weaver Vanity Fair, 1995

Helmut Newton Foundation © Sigourney Weaver
Vanity Fair, 1995

Helmut Newton Foundation © 1981 Selfportrait with Alice Springs and model

Helmut Newton Foundation © 1981 Selfportrait with Alice Springs and model

Helmut Newton Foundation © 1976 Catherine Deneuve

Helmut Newton Foundation © 1976 Catherine Deneuve

Lo Real Y La Puesta En Escena

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Jean Claude Lemagny establece dos tendencias en la fotografía. Por un lado la fotografía directa como el retrato, el paisaje o el reportaje que explora la realidad que el fotógrafo ofrece y la fotografía que se basa en la puesta en escena, completamente subjetiva y manipulada. Si analizamos los cambios sucedidos en la herramienta de la fotografía en los últimos veinte años, el desarrollo tecnológico y los cambios de usos en el medio fotográfico podemos llegar a la conclusión de que dicha división no es tan tajante ni refleja las relaciones reales entre la herramienta, el fotógrafo y el objeto o sujeto a fotografiar y el receptor de las imágenes.

Primero debemos determinar que consideramos como una puesta en escena. Porque igual que François Soulages lo ve muy claro en la obra de Julia Margaret Cameron, podemos analizar y llegar a la conclusión de que los retratos de cualquier fotógrafo ambulante o rural son puestas en escena. Instantáneas donde los sujetos fotografiados se esfuerzan por ofrecer una imagen alejada de su vida cotidiana. ¿O acaso no todos posamos, casi instintivamente, cuando nos vemos frente a una cámara? Partiendo de esta reflexión no podemos evitar cuestionarnos si la fotografía en algún momento ha mostrado una huella muy similar a lo real o si ha sido simplemente un vehículo que reflejase las apariencias. En los tiempos que vivimos y más desde la aparición de la fotografía digital, la herramienta se ha convertido en una representación  de puestas en escenas.

Toda la fotografía de retrato editorial, que tuvo su gran boom de la mano de publicaciones como Rolling Stone o Vanity Fair y cuya referencia más mediática es Annie Leibovitz, son puestas en escena. El retrato clásico tal como lo habíamos conocido hasta entonces era considerado aburrido por los editores que deseaban tener en sus publicaciones retratos de la estrella del momento o imitaciones de la misma. Se produjo entonces un aluvión de retratos más escenificados, había que ser más creativo que los otros para poder mantenerse en el mercado. De todas formas los retratos clásicos de Yousuf Karsh o Irving Penn, ¿no son retratos escenificados o es que los retratos siempre ha sido escenificados?

La relación con el personaje, la dirección del posado, el uso de la luz nos acerca a una puesta en escena muy cuidada, y nos aleja de ese concepto de la fotografía directa o real. Porque incluso el punto de vista o el encuadre produce una alteración de la perspectiva y nos conduce a la obtención de una fotografía subjetiva y alejada de esa representación mecánica que producía la perdida del aura en la herramienta de la fotografía.

En la época de la reproductibilidad técnica lo que queda dañado de la obra de arte, eso mismo es su aura. Walter Benjamin.

Podemos determinar que en la sociedad de la simulación en la que vivimos, la fotografía captura continuas puestas en escena y podemos poner en duda si no lo hizo desde sus orígenes. Reflexionar sobre todo lo que se ha escrito en el ámbito de la representación, significado y estética de la fotografía y poner todo en paralelo a los usos actuales del medio, nos sirve para entender como la herramienta y sus usos han ido evolucionando, no sólo desde el productor y transmisor de esas imágenes sino también en la interpretación del receptor de las mismas.

Bruce Gilden © Postcards from America

Bruce Gilden © Postcards from America

August Sander. Young Farmers / Jóvenes granjeros, 1927.

August Sander. Young Farmers / Jóvenes granjeros, 1927.

Petrina Hicks © Shenae and Jade, 2005 Lightjet print 111 x 119cm, edition of 8

Petrina Hicks ©
Shenae and Jade, 2005
Lightjet print
111 x 119cm, edition of 8

Punk

Steve Havoc, Siouxsie Sioux, ‘Debbie’, 1970s © Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock.

Steve Havoc, Siouxsie Sioux, ‘Debbie’, 1970s © Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock.

La prestigiosa galería londinense Michael Hoppen presenta una exposición de los años del Punk en colaboración con Rex Shutterstock. La exposición se inauguró el pasado 20 de julio y estará abierta hasta el próximo 26 de agosto. Los fotógrafos que participan en la exposición son: Ray Stevenson, Jonathan Player, Paul Revere y Peter Price.

Ray Stevenson es el que más y mejor documentó este movimiento musical de protesta que como muchos otros fue asimilado por el sistema. Comenzó a trabajar con laboratorista antes de dedicarse de lleno a la realización de este trabajo. Este es un ejemplo de la fotografía como huella y documento de otra época. Ahora que profetas del Apropiacionismo proclaman la muerte de la fotografía documental es cuando tiene más sentido defender la fotografía como documento social y recuerdo de las épocas que vamos viviendo. Siempre coexistirán los diferentes usos que conocemos que pueden tener las imágenes.

Si pasáis por Londres en agosto no dejéis de visitar esta exposición.

Ray Stevenson Sex Pistols, 1970s, 26755-RYS Rex Featured LTD stamp black and blue ink and original print copyneg on file in black ink on verso Vintage silver gelatin print 34.3 x 22.1 cm © Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson
Sex Pistols, 1970s, 26755-RYS
Rex Featured LTD stamp black and blue ink and original print copyneg on file in black ink on verso
Vintage silver gelatin print
34.3 x 22.1 cm
© Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson Linda, Soo, St James Apartment, 1976 REX Features LTD stamp in blue ink, No.61337 stamp in red ink Silver gelatin print 18.5 x 25.2 cm © Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson
Linda, Soo, St James Apartment, 1976
REX Features LTD stamp in blue ink, No.61337 stamp in red ink
Silver gelatin print
18.5 x 25.2 cm
© Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Peter Price Teenager Punk. Yearbook pg. 53. 1981. Silver gelatin print 20.5 x 25.3 cm © Peter Price. Courtesy of Rex Shutterstock

Peter Price
Teenager Punk. Yearbook pg. 53. 1981.
Silver gelatin print
20.5 x 25.3 cm
© Peter Price. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson Clash, 1976 No.64893 stamp in red ink Silver gelatin print 17.5 x 25.3 cm © Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson
Clash, 1976
No.64893 stamp in red ink
Silver gelatin print
17.5 x 25.3 cm
© Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson Sex Pistols, 100 Club, 1976 REX Features stamp in black in, copyright photo stamp in black ink, print copied onto slide stamp in black ink. Silver gelatin print 18.5 x 24.5 cm © Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson
Sex Pistols, 100 Club, 1976
REX Features stamp in black in, copyright photo stamp in black ink, print copied onto slide stamp in black ink.
Silver gelatin print
18.5 x 24.5 cm
© Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson Johnny Rotten, Jordan and Vivienne Westwood, 1970s REX Featured LTD in blue ink and original print copy neg on file in black print on verso Vintage silver gelatin print 17.6 x 25.2 cm © Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Ray Stevenson
Johnny Rotten, Jordan and Vivienne Westwood, 1970s
REX Featured LTD in blue ink and original print copy neg on file in black print on verso
Vintage silver gelatin print
17.6 x 25.2 cm
© Ray Stevenson. Courtesy of Rex Shutterstock

Caminar Sobre Los Bordes

Rafael Roa © 2015 De la serie Dead Skin

Rafael Roa © 2015
De la serie Dead Skin

Gilles Deleuze: Los acontecimientos son como los cristales, no devienen y no crecen más que por los bordes, sobre los bordes.

Esa sucesión de instantes van construyendo la historia de nuestra vida, ese tiempo pasado e intangible que recordamos vagamente. Sólo las fotografías nos recuerdan como fuimos, los momentos felices o las miradas llenas de tristeza. El tiempo es el dominador de nuestra existencia y las imágenes son intentos de huellas. Porque una imagen no refleja el antes o el después sólo un tiempo imperceptible del pasado. Es indiferente si lo que deseamos guardar sea algo real, individual o colectivo, o que la imagen producida refleje un pensamiento abstracto de algo que no existe. El resultado final será un lejano intento de imitación de una huella tan fugaz como se evapora el recuerdo de la textura de la piel que acariciamos, o la pasión que vivimos. Crecer sobre los bordes de nuestros abismos personales para identificarnos, para recocernos levemente en nuestro trabajo. Esa síntesis que destila una pequeña parte de nuestro contenido interior, de nuestros conocimientos y vivencias sepultadas por las hojas perdidas del calendario. Reconocernos como reto antes de desaparecer, tener la ilusión de que en esos momentos íntimos de trabajo pudimos aportar un matiz diferente al resultado de nuestras ilusiones y esfuerzos. Reflexionar, pensar, creer en nuestras ideas como forma de representación personal, y alejarse de la marabunta que en tropel destrozan todo a su paso.

Saul Leiter

Saul Leiter©