Sobre el retrato

Del retrato clásico al retrato contemporáneo

Petrina Hicks © Shenae and Jade, 2005 Lightjet print 111 x 119cm, edition of 8

El retrato es una de las especialidades de la fotografía que más ayudó al desarrollo de la herramienta desde sus orígenes, fue una forma de representación de todas las clases sociales. Por primera vez las clases más humildes tuvieron a sus alcance un medio por el cual verse reflejados. Estás imágenes se manipulaban al ser coloreadas: y los primeros retratos debido al largo tiempo de exposición no eran muy espontáneos. La evolución técnica hizo evolucionar la estética, pero lo que no ha cambiado nunca es la fascinación de obtener un gesto o una mirada expresiva que defina al sujeto y que sea producto de la relación que se establece a través de la cámara entre el fotógrafo y el fotografiado.

Rafael Roa © Ernesto Alterio 1996,

Siempre me interesó el retrato desde que comencé mi aprendizaje de la fotografía. La fascinación por una mirada que atravesase mi cámara y se quedase incrustada en la película. Después toda la mística del proceso químico, el revelado del negativo, y antes de que se secase ya habías imaginado como sería el positivo. Y luego, el encanto del cuarto oscuro, ver como aparecía la imagen en la cubeta. Para mí el retrato era conseguir una buena mirada acompañada de una luz que lo potenciase. En aquellos años miraba una y otra vez los retratos de Irving Penn y Richard Avedon. Me interesa definir al sujeto y relacionarme con él, quiero que en esos momentos en los cuales intento que él me dé algo que realmente le defina, que transmita su verdad de ese instante y que yo sea capaz de captar las sensaciones del momento. Siempre quería que mis retratos no pasasen inadvertidos. Quería captar miradas, gestos, intensidad, y que el receptor no pudiese apartar sus ojos de aquellas imágenes.

Gabriel Cualladó, 1960, Nicolás

Una vez Cualladó nos enseñó sus fotografías, primero el reportaje de París, muy vanguardista para aquellos años, su forma de encuadrar y de interpretar su realidad era muy diferente al tipo de encuadres que estábamos acostumbrados a ver en España. Después nos enseño sus retratos. Apareció ante mí el retrato de Nicolás, ese hombre sentado al lado de una bicicleta de transporte con sus compañeros apoyados en ella, había cortado los rostros del resto de los personajes; entonces me dí cuenta que hacer un retrato era algo más que un primer plano. Se pueden hacer muchas consideraciones sobre el retrato, desde el clásico que todos conocimos a los retratos conceptuales de Ralph Gibson, o los retratos de celebridades que hemos visto desde Nadar hasta nuestros días. El retrato con intención artística, el documental o el retrato de ficción que tiene su origen en el pictorialismo temprano del siglo XIX, y que es la base en la cual se basa el retrato contemporáneo, con la imprescindible puesta en escena; otra característica de la fotografía que el gran maestro del instante decisivo Cartier Bresson criticaba; el 25% de sus obras son retratos; una buena contradicción.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

Hoy el retrato contemporáneo utiliza las mismas bases que los retratos de ficción del siglo XIX, lo que ha cambiado es la tecnología. La puesta en escena es la base principal y la influencia de la pintura se mantiene hoy en día. Observamos una gran influencia de Edward Hopper, y de la pintura renacentista en autores muy importantes de retrato contemporáneo. Para mi es muy importante que un fotógrafo tenga una amplia cultura, porque nuestras imágenes serán siempre una síntesis de lo que somos, de nuestros conocimientos, de nuestras vivencias, y sentimientos personales. La cultura visual nos sirve para tener referencias y deben ser una base de conocimiento que nos dirija a buscar una estética personal que nos defina como autores; este es un trabajo intenso, duro y largo en el tiempo. Hay que evitar la tentación de los mediocres que es imitar a las tendencias de éxito, y como decía el gran maestro Carlos Përez Siquier: “el artista es el que crea tendencia no el que la sigue”.

Rafael Roa © 2017, Sebastiano

Docencia online

Después de muchos años de talleres, los siete últimos alternando estos con la enseñanza presencial en la escuela PIC.A, y diez años escribiendo en mi blog reflexiones sobre la fotografía he decidido comenzar la docencia online de estas materias.
¿Por qué online?
Porque igual que la tecnología ha cambiado la forma de fotografiar, también cambia nuestras formas de comunicación, y en estos momentos en que la humanidad se enfrenta a la incertidumbre, y por ende esto supone unos cambios radicales en nuestra vida cotidiana. La comunicación online nos permite conectarnos e interactuar en todos los ámbitos incluido el de la docencia y el aprendizaje.
Por eso ofrezco inicialmente dos propuestas, el curso de iniciación al Retrato Contemporáneo que tendrá lugar del 18 de junio al 23 de julio, y los Visionados de portfolios que podrán solicitarse cuando los interesados lo deseen. En octubre tendréis nuevas propuestas de cursos online, podéis consultar los enlaces de ambas propuestas.

Richard Learoyd

El fotógrafo que trabaja con una cámara oscura expone en Madrid

© Richard Learoyd. Courtesy of the artist and Fraenkel Gallery, San Francisco
Jasmijn hacia la luz, 2009 Jasmijn towards the Light Fotografia única en paper Ilfochrome 147,3 × 121,9 cm

Richard Learoyd (1966, Nelson, Reino Unido) es un fotógrafo que usa una cámara oscura para la realización de sus obras. Habiéndose fabricado una cámara a una medida deseada, le permite hacer fotografías de tamaños que alcanzan medidas de 147,3 x 121,9 cm.

Los temas que aborda Richard Learoyd son el retrato, las naturalezas muertas, y el paisaje. Para las fotografías en exterior se ha fabricado una tienda de campaña que se convierte en una cámara portátil.

© Richard Learoyd. Courtesy of the artist and Fraenkel Gallery, San Francisco A la manera de Ingres, 2011 After Ingres Fotografia única en paper Ilfochrome 121,9 × 188 cm

Una de las cosas que uso en mi trabajo es la idea de memoria fotográfica colectiva, es la idea de que una imagen se puede entender en diferentes niveles de memoria, particularmente de memoria fotográfica. Para el retrato de Jasmijn hacia la luz, 2009, me inspire en el retrato de Ana Frank, la niña que nunca tuvo la oportunidad de crecer.”
Richard Learoyd

El material sensible que utiliza en su trabajo de color, tiene una temperatura diferente de la luz día, por lo que necesita filtrar la luz tanto en la cámara como en el flash, para obtener la temperatura de color deseada por el autor.
La única oportunidad que tiene para alterar el tono es durante la modificación del filtraje de color anterior a la toma. Después revela el papel fotográfico en una procesadora y la copia que se obtiene es única. El tiempo del procesado es de 18 minutos.

© Richard Learoyd. Cortesía del artista y Fraenkel Gallery, San Francisco
Gemela I, 2012 Twin I Fotografia única en paper Ilfochrome 147,3 × 121,9 cm

Estas fotografías se definen como impresiones, ya que la fotografía y la impresión son lo mismo, no hay ninguna oportunidad de hacer una versión de la imagen ya realizada, porque ese momento ya ha pasado.”
Richard Learoyd

Las fotografías siempre reflejan el pasado inmediato, si carecemos de negativos o archivos digitales no se pueden hacer más copias. Esto ocurría con procesos del siglo XIX como el daguerrotipo o el ferrotipo.

Sin embargo, algunas de sus obras en blanco y negro se producen mediante la impresión de un negativo y un papel fotográfico de gelatina de plata que por contacto generan un positivo. De estas imágenes hace un tiraje de 5 copias.

La fotografía y el vídeo contemporáneo siguen teniendo grandes influencias estéticas y narrativas de la pintura: autores como Bill Viola, Gregory Crewdson, Philip-Lorca diCorcia, Stephen Shore, Marie Cosindas, Desiree Dolron, Jeff Bark, Christian Tagliavini, entre otros, y por supuesto también Richard Learoyd. Por ejemplo Edward Hopper ha tenido una influencia muy importante en la fotografía contemporánea norteamericana.

© Richard Learoyd. Cortesía del artista y Fraenkel Gallery, San Francisco
Octopus I, [Pulpo I]
Fotografías únicas en papel Ilfochrome
172,7 x 121,9 cm,

La exposición

Esta exposición, organizada por Fundación MAPFRE y comisariada por Sandra Phillips, presenta a Richard Learoyd en el punto álgido de su trayectoria, a través de una selección de 51 obras en color y en blanco y negro que resume lo mejor de su trabajo realizado a lo largo de una década. En la muestra también se incluye uno de los paisajes realizados en España (en Lanzarote), resultado de un encargo de Fundación MAPFRE y que se incorpora a la Colección de Fotografía de la Fundación, que ya cuenta con otras dos obras del artista.
Después de su paso por nuestra sala de exposiciones de Barcelona y el Fotomuseum Den Haag de La Haya, la exposición llega a Madrid donde se podrá visitar hasta el día 24 de mayo de 2020.

Dennis Hopper

Dennis Hopper © 1961 Double Standard

Dennis Hopper © 1961
Double Standard

Dennis Hopper (1936, Dodge City, Kansas- 2010, Venice, California) ha sido un actor, cineasta y fotógrafo norteamericano criado en la plenitud de la generación Beat. Dirigió y actuó en una de las películas de culto como Easy Rider (1969) que forman parte de la iconografía cultural de aquellos años. Su carrera es un ejemplo de esas relaciones que se han producido entre el cine, la fotografía y la literatura.
En 1961 gana un primer premio de fotografía en un concurso australiano y en 1964 realiza su primera exposición individual en Primus/David Stuart Gallery de Los Ángeles. En 1963 Henry Geldzalhler le presenta a Andy Warhol con el que colabora en diferentes proyectos.
Su biografía como actor y director de cine es espectacular, pero no menos que la calidad de su trabajo fotográfico que ha quedado en  segundo plano hasta el final de su vida.
Es un ejemplo de artista multidisciplinar influido por toda la explosión artística de los años ’60. Todo este periodo de agitación cultural ha tenido una importancia decisiva en el desarrollo de la fotografía del New Color de los ’80.
La influencia de está corriente fotográfica ha sido muy notable en el cine independiente norteamericano de esas últimas décadas. París, Texas (1984) de Wim Wenders es un claro ejemplo. La actual fotografía contemporánea se inspira estéticamente en el New Color y narrativamente en la pintura de Edward Hopper y en la literatura de la generación Beat.
Dennis Hopper el extravagante fotógrafo de Apocalypse Now (1979) es un miembro más de esa brillante generación de artistas.
Su trabajo fotográfico se inspira en Robert Frank y Gary Winogrand entre otros, y nos ofrece una personal mirada de ese entorno en ebullición. Desde 1961 ha expuesto su obra fotográfica y pictórica con regularidad.

Dennis Hopper © 1965 Durango, Mexico

Dennis Hopper © 1965
Durango, Mexico

Dennis Hopper © 1961 Biker Couple

Dennis Hopper © 1961
Biker Couple

Dennis Hopper © 1961 Bad heart

Dennis Hopper © 1961 Bad heart

Dennis Hopper © 1965 Selma, Alabama. Full employement

Dennis Hopper © 1965 Selma, Alabama. Full employment

Dennis Hopper © 1965 The Byrds

Dennis Hopper © 1965
The Byrds

Dennis Hopper © 1964 Ed Ruscha

Dennis Hopper © 1964
Ed Ruscha

Dennis Hopper © 1964 Irving Blum and Peggy Moffitt

Dennis Hopper © 1964
Irving Blum and Peggy Moffitt

A La Mañana Siguiente

roa©blog22

Rafael Roa © 2012

Hoy di mi paseo matinal mientras la ciudad dormía, con unos amigos y una pequeña cámara. Hacía frío, y el silencio como había pronosticado, ayudaba a que se oyesen nuestras pisadas.
La neblina de la mañana me recuerda a los paisajes de Luigi Ghirri, y la noche a los desolados parajes de Marie José Jongerius.
La fotografía americana de los años ochenta nos ha educado la mirada a muchos fotógrafos. Nos han enseñado a ver espacios, luces, y formas que hasta ahora pasaban desapercibidos para nosotros. Una gran parte de la fotografía nocturna e intimista que tratamos de hacer está inspirada en Edward Hopper, el New Color, y la literatura de Carver o Kerouac.
Cuando te enseñan a apreciar que en la música de George Gershwin encuentras influencias de Claude Debussy, te vuelves más meticuloso cuando lo escuchas y observas esas referencias estéticas rápidamente.
El otro día hablaba de las emociones y definiciones, de como construir algo propio, que tenga primero el sentido del compromiso sincero con nosotros mismos, y luego seamos capaces de integrarlo en una estética personal. Al final siempre llego a las mismas conclusiones, terminamos destilando en nuestro trabajo lo que somos.
Alejarse de la marabunta social que acepta cualquier cosa y se somete al dirigismo cultural y político que el poder transmite te da otra perspectiva del tablero.
Si aceptamos todo aquello que nos venden nos convertiremos en una pieza del engranaje sumisa y carente del más mínimo pensamiento propio.
Trasladando estas reflexiones al ámbito de la fotografía, lo peor que nos puede pasar es que nos subamos al carro del “apunta y dispara”, busquemos trucos, o saquemos pecho por la cantidad de “me gusta” que nos den en las redes sociales.
Abstraerse de las corrientes es muy difícil, pero es necesario tener esa voluntad para poder ver con otra perspectiva que hacemos y hacía donde queremos dirigirnos.
La ciudad se fue despertando, llegó el momento de regresar a casa.

Maria Jose Jongerius © 2011 - 2012Lunar Landscapes

Maria Jose Jongerius © 2011 – 2012
Lunar Landscapes

Luigi Ghirri ©

Luigi Ghirri ©

Lina Scheynius © Self Portrait

Lina Scheynius © Self Portrait

 

Christian Coigny

Christian Coigny ©

Christian Coigny (1946, Suiza) afincado en Lausanne desde su vuelta de los Estados Unidos donde se fue a buscar su futuro dentro de la fotografía. Un anuncio para Levis, le abre las puertas de la publicidad. Influenciado por pintores americanos como Georgia O’keeffe o Edward Hopper, se termina enamorando de los espacios del desierto de Nevada.

Uno se queda atrapado en ese tratamiento impecable de sus imágenes que potencian ese blanco y negro tradicional. Traspasa su técnica y estilo a su trabajo comercial, lo que le ha llevado a trabajar para clientes tan importantes como Hermés, Chopard, Ferreti, o Maurice Lacroix.

Es un retratista de gran prestigio que ha realizado extraordinarios retratos en sesiones muy cortas. Miles Davies, David Hockney, John Malkovich, o William Burroughs, figuran entre sus personajes retratados. Sus fotografías de desnudos están llenas de elegancia, sutileza y llenos de su personalidad estética.

Es un fotógrafo a tener en cuenta, del cual podemos aprender que usando materiales tradicionales e ideas sencillas podemos obtener imágenes muy cuidadas y sumamente atractivas. Sus paisajes están llenos de misterio y de fuerza narrativa que le otorga su especial tratamiento de las luces y las sombras.

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Christian Coigny ©

Gail Albert Halaban

Gail Albert Halaban © De la serie Out My Window

Gail Albert Halaban (1970, Washington, DC, USA)  publicó el pasado otoño su trabajo “Out My Window” en la editorial Powerhouse. Es un trabajo de ficción el el cual recrea escenas con amigos o conocidos suyos que viven en apartamentos con vistas emblemáticas o curiosas de la ciudad de NY. Esta serie se centra el la mirada del falso voyeur que inventa realidades que no existen y se las presenta al espectador. Os he mostrado con anterioridad otros autores como el coreano In Sook Kim que también buscan esas tramas argumentales para sus obras.
Las sensaciones que me transmiten la obras de Gail Albert Halaban son muy diferentes a las de In Sook Kim. Gail pretende hacernos creer en la casualidad de sus escenas, cuando están cuidadosamente preparadas, excepto en una que un obrero de un edificio cercano se queda mirando a la mujer protagonista de la escena. Ella nos explica que es una ficción, pero su forma de fotografiar revela que pretende que el espectador crea que está delante de un autentico voyeur.
In Sook Kim nos presenta una ficción y es tan poderosa que la imagen nos satisface. Igualmente ocurre con los trabajos de otros autores como Erwin Olaf o Gregory Crewdson. Sus ficciones son poderosas y estéticamente perfectas. Gail se queda a mitad de camino entre lo que  podría ser una escena real y una ficción, y ésta última no tiene la fuerza del trabajo de otros autores que se han trabajado el tema. La falta de corrección de las verticales de algunos edificios denota ese intento de enmascarar la casualidad de la escena, y esta falta de ajuste técnico resta perfección a las imágenes. Otra serie de su trabajo es Hopper Redux. Ella fotografía los mismos lugares en Gloucester, Massachusetts, donde Edward Hopper pintó muchos de sus famosos cuadros. Busca con su mirada los cuadros de Hopper y nos sumerge en el recuerdo del pintor consiguiendo imágenes mucho más interesantes que en su serie anterior. En “This Stage Of The Motherhood” recrea la vida familiar de mujeres de clase alta, su relación con sus hijos, actividades sociales y sus cotidianos embarazos.
Ni el exceso de color, o toques de humor de algunas escenas me provocan el más mínimo interés por volver a ver esta serie. Después de ver esto me reconcilio con Richard Billingham. Cuando hablé con él durante la edición de PHE12, comprendí que no tenía otra salida que hacer ese tipo de obras, que están llenas de verdad y de la cruel realidad familiar en la que vive.
Si creas una ficción, ésta tiene que ser tan poderosa que no permita que el espectador vea las cuerdas de la marionetas.

Gail Albert Halaban © De la serie Out My Window

Gail Albert Halaban © De la serie Out My Window

Gail Albert Halaban © De la serie Out My Window

Gail Albert Halaban © De la serie Hopper Redux

Gail Albert Halaban © De la serie Hopper Redux

Stephen Shore

Stephen Shore ©

Stephen Shore (1947, NY) es uno de los máximos representantes de la corriente de New Color. Su trabajo ha estado influenciado por la obra de Walker Evans. Edward Steichen le adquirió 3 fotografías para la colección del MOMA cuando él tenía sólo catorce años. Con 17 años conoció a Andy Warhol, y estuvo vinculado a The Factory durante algún tiempo. En la actual edición de PHE podemos ver estos trabajos en la exposición dedicada a ese lugar de arte y experimentación.
Su trabajo Uncommon Places (1982) fue una radiografía del paisaje común de USA, los lugares cotidianos adquirieron importancia a través de su mirada. Influyó en todos los fotógrafos de esa época como Joel Meyerowitz y Mitch Epstein y por supuesto en toda la sobrevalorada escuela alemana, que lo único que han hecho ha sido beber del trabajo de Shore y de otros fotógrafos del New Color. Gursky o Struth han reconocido la evidente influencia de su obra en sus trabajos.

Stephen Shore ©

El trabajo de Shore ha influido en muchos fotógrafos de la denominada “fotografía contemporánea”, su forma de ver el paisaje americano ha influido decisivamente en otros autores. Pienso que el precursor del new color fue el pintor Edward Hopper. He mantenido esta opinión en este blog en algunas ocasiones, y si vemos la obra de Gregory Crewdson o Todd Hiddo, estamos viendo el paisaje, y las soledades que reflejó Hopper.

Stephen Shore ©

La innovación es lo que produce los avances estéticos en el arte, igual que el conceptualismo minimalista de Irving Penn con su serie Cigarettes atrajo la atención de John Szarkowski, y produjo en los fotógrafos un acercamiento diferente del objeto encontrado, como huellas de los individuos que ya son sólo sombras de instantes perdidos.
Shore asimiló la visión de Walker Evans sobre el paisaje americano, lo adaptó a su visión colorista, y construyo una narración de los espacios que fotografiaba buscando aquellos detalles que para otros podían ser anecdóticos,  Shore los convertía en el objeto central de sus fotografías.

Stephen Shore ©

Edward Hopper Y La Fotografía Contemporánea

Edward Hopper © Habitación de Hotel, 1931

Llevo bastante tiempo haciendo referencia en este blog sobre la influencia de la pintura de Edward Hopper (1884, Nyack – 1967 NY) primero sobre la corriente del New Color americano de los años ’80 y después sobre la actual fotografía contemporánea.
Hopper era un pintor con el ojo de un fotógrafo, sabía retener la memoria de la luz de los instantes fugaces y plasmarlo en un lienzo. Es el pintor del color, de las soledades, y del instante decisivo. Su influencia ha inspirado a fotógrafos como Stephen Shore o Joel  Meyerowitz a desarrollar su obra. El New Color fue la primera tendencia que se beneficio de la estética de Hopper, igual que en la literatura Jack Kerouac y toda la generación Beat plasmaron en sus obras los personajes solitarios y derrotados.

Gregory Crewdson ©

En la obra de Gregory Crewdson vemos muy frecuentemente la influencia del pintor, no sólo en las fotografías de mujeres solitarias abandonadas a su suerte en esos interiores cargados de derrota, fracaso y abandono, sino también en la imágenes de paisajes urbanos que el fotógrafo recrea. Disponer de una influencia tan enriquecedora ha supuesto quizás que la sombra del pintor se extienda de tal manera en el campo de la fotografía, que muchos autores se hayan visto abucidos por esa narrativa y estética tan atractiva, y hayan sido incapaces de crear algo diferente y más personal.

Stephen Shore ©

Edward Hopper

El manejo de la luz de Hopper, el trazo de sus dibujos que provoca en el espectador la sensación del movimiento de las sombras, las luces del amanecer o del ocaso y esos interiores llenos de soledad y amargura, se complementan con sus solitarios paisajes urbanos, ventanas que muestran carreteras vacías a ninguna parte o gasolineras en espacios donde nadie va a acudir.
Hopper alcanzo su estilo personal a los 42 años, ya no lo modificaría jamás hasta su muerte en 1967, la obra de un artista y la búsqueda de su personalidad es el fruto del trabajo diario. Como he repetido muchas veces nadie en ninguna disciplina artística se convierte en autor con un curso de tres meses.

Edward Hopper © Morning Sun, 1952

Philip-Lorca diCorcia © 2000

Edward Hopper – 1944, Mañana en la ciudad

Gregory Crewdson ©

El cine no se ha librado de la influencia del pintor, en películas como Blue Velvet, LA Confidential, El Ojo Público o Mulholland Drive vemos su estética. El consiguió dotar de una luz especial y de unas narrativas a muchas obras de las artes visuales que se han producido con posterioridad. Cuarenta y cinco años después de su muerte, su estética impregna una gran parte de la fotografía contemporánea.

Edward Hopper ©

Tarin Simon ©

Podéis buscar las referencias en este blog sobre Hopper y la fotografía contemporánea y veréis una lista de autores como Tarin Simon, Erwin Olaf, Gregory Crewdson, Alec Soth, Alex Prager, o Eva Rubinstein, relacionados con este artista tan influyente hoy en día.

Philip-Lorca DiCorcia, Derechos En Espacios Públicos

Philip-Lorca diCorcia ©

Philip-Lorca DiCorcia (1951,Hartford, Connecticut) es uno de los fotógrafos más interesantes del panorama actual. Hemos tenido la ocasión de ver su obra expuesta en diversas ocasiones en nuestro país y una de ellas en el MNACRS. Comencé a interesarme por su obra con el cambio del milenio, y según ha pasado el tiempo su trabajo me ha ido atrayendo más, sobre todo en esa inexistente relación con los personajes que fotografía. El derecho a la imagen propia en sitios públicos, ese debate se debe producir cada vez más, en estos momentos en los cuales se intenta desde el poder mantener la impunidad y el secretísimo de sus desmanes frente a la ciudadanía.

Philip-Lorca diCorcia ©

El derecho a la imagen propia en un lugar público, si hoy comenzamos a limitar los derechos de los fotógrafos en sitios públicos y a poder usar esas imágenes con total libertad, estaremos enterrando todo el fotoperiodismo de un plumazo, por el derecho de de terceros a su propia imagen.
Este tema me preocupa, se supone que un espacio público no se puede limitar el derecho de fotografíar y comercializar la propia obra. DiCorcia dice que el trabajar de esta forma, sin pedir permiso a los sujetos que fotografía le ha causado algún problema que otro. Este es un tema importante que se debe regular.
Hace más de 15 años hice fotos de desnudos a una joven modelo de una escuela de arte. En aquellos tiempos no pedíamos que los modelos nos firmasen una cesión de derechos. Alguna de esas imágenes podían ser consideradas como duras por un tipo de moral tradicional. Hace dos años más o menos recibí un burofax de parte de esta modelo comunicándome que no quería que yo usase esas imágenes públicamente y que las retirase de mi web.
Retiré las fotografías de mi web, en aquel momento no tenía ganas de perder mi tiempo en un pleito con esta persona. Estoy dispuesto a defender mi derecho al uso de esas imágenes ya que existió un acuerdo tácito entre ambos, y ella se prestó voluntariamente a realizar aquellas sesiones y en todas las fotografías esta con un antifaz o máscara.

Philip-Lorca DiCorcia ©

Para mí hay una influencia de la obra de Edward Hopper, en el trabajo de muchos de estos fotógrafos, que centran su obra en las historias de personajes solitarios, aislados, dentro de unos espacios cotidianos y vacíos. Con anterioridad en otras entradas sobre “fotografía contemporánea” hablaba de la similitud de temáticas entre muchos autores, que enfocaban sus historias en la misma dirección, y casualmente en todos se ve claramente la obra de Edward Hopper como fuente de inspiración.

Edward Hopper, Nighthawks, 1942

DiLorca cuenta historias, similares a las que pintaba Hopper, y  a las de otros fotógrafos coetáneos. Esas similitudes de temáticas pueden ser fruto de los tiempos, y en otros caso oportunismo de aquellos que se quieren subir al carro de las tendencias de éxito. Él es un autor, con una forma personal de trabajar y de seleccionar su parte de la realidad, y él también cree en el derecho de poder fotografiar en la calle y comercializar los resultados.