Evelyn Bencicova

La inquietante belleza de la pulcritud.

Evelyn Bencicova ©

Evelyn Bencicova (Bratislava, 1992) es una fotógrafa y directora de arte. Sus obras están realizadas con una estética pulcra, inquietante, que se completa en su mayoría con un tratamiento de luces planas, carentes de sombras, contrastes, y con un suave color pastel. La estética de su trabajo es muy reconocible, pero a su vez no podemos evitar comparar la similitud visual con su compatriota Maria Svarboba. Casualmente las dos tienen una web similar, que coinciden incluso en la maquetación y el estilo en la página de su presentación personal.

Evelyn Bencicova ©

Aunque la obra de Evelyn Bencicova me resulta mucho más inquietante y misteriosa; incluso algunos de sus trabajos tienen un punto de sofisticada transgresión, con imagénes tratadas con una perfección técnica y estética. Bencicova estudió en la Universidad de Artes Aplicadas en Viena, y su formación se hace visible en las estructuras de sus obras.

Evelyn Bencicova ©

Sus obras son puestas en escena, cuidadas hasta el mínimo detalle y con un excelente trabajo de post-producción. Se produce un idilio inmediato entre sus imágenes y el espectador, y es difícil no dejarse atrapar por el misterio de las mismas.

Evelyn Bencicova ©

En su web no hay una separación entre la obra personal y los trabajos comerciales o de fotografía de moda, y en su última publicación para el VOGUE CS, sus imágenes me recuerdan al trabajo de Eugenio Recuenco. No hay un tratamiento creativo diferente entre su trabajo personal y los encargos comerciales.

Evelyn Bencicova ©

De todas formas, su trabajo resulta increíblemente atractivo, conoce perfectamente los secretos de la dirección de arte y consigue unas imágenes libres de grietas o errores. Son obras compactas, que destacan por esa perfección insultante en la materialización de las ideas. Su trabajo comercial, reconocimientos, y exposiciones de sus obras es bastante extenso pese a su juventud. (1)

Visitar su web es de obligada visita.

Evelyn Bencicova ©

Trayectoria

(1) El trabajo comercial y artístico de Evelyn ha aparecido en artistas como Vogue Portugal, Vogue Czechoslovakia, Vogue Korea, ZEIT Magazine, The Gentlewoman, ELLE, Dazed & Confused, GUP, HANT y Metal Magazine. Su trabajo ha sido publicado en prestigiosos libros internacionales de fotografía y en varias plataformas en línea (Juxtapoz, iGNANT.com, Fubiz media) y ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Estocolmo, Londres, París, Berlín, Viena, Milán, Ámsterdam, Praga y Roma.

Evelyn Bencicova ©

(1) En 2016, Bencicova recibió los prestigiosos premios Hasselblad Masters y Broncolor GenNext. También fue seleccionada y premiada por LensCulture, fotógrafo independiente, Gomma Grant, Life Framer y OFF Festival. Su película de moda “Asymptote” (2016), creada conjuntamente con Adam Csoka Keller, recibió el premio “Mejor Nueva Película de Moda” en el Fashion Film Festival Milano 2017, y se presentó en SHOWstudio Fashion Film Awards, el Festival de cortometrajes austriaco-estadounidense. y en A Shaded View on Fashion de Diane Pernet.

Evelyn Bencicova ©

 

Luigi Ghirri en el MNACRS

Luigi Ghirri, 1977 Salzburg
© Legado de Luigi Ghirri
Colección Particular, cortesia de Matthew Marks Gallery

Luigi Ghirri (1943-1992, Italia) es uno de los grandes artistas que han usado la fotografía como medio para cuestionar la realidad, a través de imágenes que puedan producir una reflexión en el espectador, entre lo que vemos, lo que representan y su significado.

Luigi Ghirri nació en Scandiano, cerca de Modena en la región de Emilia Romagna. Su campo de trabajo se encontraba en un radio de tres kilómetros cerca de su casa. Utilizaba esta zona para la captura de gran parte de sus fotografías. Trabajó como aparejador y hasta 1973 no se dedicó a la fotografía a tiempo completo.

 <<hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía ; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo>>

Luigi Ghirri (1)

Luigi Ghirri, 1972, Pescara
© Legado de Luigi Ghirri

Fue también un ensayista, pensador, conservador y editor. Amigo del cantante Lucio Dalla colaboró con él en algunas de sus canciones. Era un intelectual y para él la fotografía era una activación del pensamiento. La frase de Giordano Bruno << Pensar es especular con imágenes >> , fue siempre para él una referencia. En 1971 conoce al artista Franco Vaccari y con él explora y debate sobre el papel de la fotografía en el arte contemporáneo.

Criticó el uso masivo de las imágenes en el medio audiovisual como forma de alienación y agresión al espectador defendiendo el uso reflexivo de la fotografía:

<<la fotografia como una imagen necesaria, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes>> (2)

Luigi Ghirri, 1972. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Influenciado por el arte conceptual y experto en fotografía de arquitectura, en contraposición a sus intenciones sobre un estilo propio, ha conseguido que sus obras sean perfectamente reconocibles.

El uso de la sobrexposición, los colores pasteles, el minimalismo narrativo y el lenguaje conceptual constituyen las referencias básicas con las que podemos definir su obra. Usaba el color <<porque el mundo es en color>> en contraposición a los planteamientos de Cartier-Bresson que afirmaba que la fotografía era en blanco y negro y el color estaba destinado a la pintura y a la naturaleza.

En sus reflexiones sobre su serie Fotografie del periodo iniziale. 1970 -1973 Luigi Ghirri afirma lo siguente:

<<Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mi la fotografía es un lenguaje sin código alguno…
El encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la escena de una manera directa…
me he situado ante aquello que quiero representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotografías a laboratorios convencionales. Nunca me han interesado los procesos de maquillaje de la imagen. Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean al mismo tiempo, fotografías>> (3)

Luigi Ghirri, 1973. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Kodachrome 1970 -1978 es su primer trabajo, con una estructura concreta y articulada. Realizaba diversos proyectos a la vez y muchas de las series que veremos en la exposición coinciden en el tiempo. La década de los setenta es una época muy prolífica en el trabajo de Ghirri.

En 1978 se publica Kodachrome, y en 1979 en Parma realiza la exposición Vera Fotografía. En esta exposición se muestran todos los proyectos realizados hasta la fecha: Fotografie del periodo iniziale (1970); Kodachrome (1970-78); Colazione sull’erba(1972-74); Catalogo (1970-79); Km 0.250 (1973); Diaframma 11, 1/125, luce naturale(1970-79); Atlante (1973); Italia ailati (1971-79); Il paese dei balocchi (1972-79); Vedute (1970-79); Infinito (1974); In scala (1977-78); Identikit (1976-79); Still-Life (1975-79).

Luigi Ghirri nos da algunas de sus reflexiones sobre este trabajo, que constituyen una referencia dentro del cuerpo de su obra.

<<Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace de estas fotografías, que no quieren hablarnos de como las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratar de relacionar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad>> (4)

Luigi Ghirri, 1972, Marina di Ravenna. ©Legado de Luigi Ghirri

En el año 2000, se expuso en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid su serie <<Il profilo delle nuvole>>. Este trabajo recoge la interpretación del artista sobre el paisaje. Un interesante texto de Giani Celati titulado <<Comentarios sobre un teatro natural de las imágenes>> , nos ayuda a conocer los pensamientos de Ghirri sobre esta obra. El catálogo se publicó en 1989, tres años antes de la muerte de Ghirri.

En 2015 pudimos ver la obra de Luigi Ghirri en la exposición Construyendo Mundos, en la Fundación ICO de Madrid.

Luigi Ghirri murió prematuramente en 1992, pero su legado es indudable y su obra forma parte del arte europeo contemporáneo, investigar su obra nos da una perspectiva diferente sobre lo que esta ocurriendo hoy con otros autores; y nos demuestra su clara influencia en muchas de las obras que vemos en la actualidad.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Venecia de 2009 el documental <<Deserto Rosa>> basada en la obra de Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, 1972, París. Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

La Exposición

La exposición El mapa y el territorio de Luigi Ghirri se podrá visitar en el MNACRS (Museo Reina Sofía) desde el 25 de septiembre hasta el 7 de enero de 2019. Ha sido comisariada por James Lingwood.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta.
Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color “sin paralelo en la Europa de la época”, según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado. (5)

Luigi Ghirri, 1974, Orbetello
©Legado de Luigi Ghirri

Podemos decir que la exposición que vamos a ver en el MNACRS es una versión de la exposición Vera fotografia que se presentó 1979 en Parma. En el catálogo aparecen los mismos textos de Luigi Ghirri y el mismo orden que acompañaban a las series presentadas en la exposición de Parma. Nos encontramos ante la mayor retrospectiva de este periodo de la obra de Ghirri que se ha hecho con anterioridad en España.
El catálogo es una pieza fundamental para que el espectador conozca con profundidad la obra de este artista tan importante en la última parte del siglo XX.

Luigi Ghirri, 1972, Brest
© Legado de Luigi Ghirri

 

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Citas

(1) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(2) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(3) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 58. editor: MACK. organizador: MNACRS

(4) El mapa y el territorio. Pag 76. Kodachome, Luigi Ghirri.
editor: MACK. organizador: MNACRS (1)

(5) Resumen de la información en la web del MNACRS.

Javier Viver en Camara Oscura

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris

Javier Viver (Madrid, 1971) es escultor, fotógrafo y autor de fotolibros. Su trabajo se debate entre el documental y la ficción como medios de aparición de lo invisible. De esta forma se define este artista que nos presenta en la galería Camara Oscura de Madrid su visión del famoso archivo fotográfico del hospital parisino La Salpêtrière.

Su construcción se debe a Luis XIV que le encargó el proyecto al artquitecto Liberal Bruant en 1656. Durante el siglo XIX y bajo la dirección del neurólogo Jean Martin Charcot convirtieron este hospital en uno de los más reconocidos en salud mental. Bajo su dirección se realizó este archivo fotográfico de los pacientes entre 1875 y 1918.

Javier Viver / Instalación
Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

La Salpêtrière

“Pero en esta operación, el uso de la fotografía propició la incorporación del espectáculo y con el toda una trama de complicidades entre los pacientes y sus fotógrafos.

El espectáculo de La Salpêtrière se hizo teatro de variedades en las sesiones de los martes, ante una concurrida representación de las élites culturales y científicas, mediante la inducción por hipnosis de contorsiones, crisis epilépticas y ataques de histeria, el registro y exposición de gabinetes de curiosidades y rarezas biológicas, fenómenos y monstruos.

El resultado fue un archivo fotográfico sin precedentes, testigo de la época colonial, realizado con la intención “panóptica” del régimen disciplinario y documento sistematizado de los límites del alma humana.”

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver reinterpreta el archivo, agrupando las imágenes en una clasificación fotográfica de desnudos, retratos, fotografías de detalle de los cuerpos de los pacientes, y nos sumerge en un viaje al pasado, en el cual nos podemos imaginar las sesiones fotográficas o las relaciones entre los pacientes y aquellos fotógrafos que captaban sus miradas perdidas o sus cuerpos deformes.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Este  fotolibro fue premiado en 2016 por el Ministerio de Cultura como el Mejor Libro de Arte. Ahora bajo el titulo de “Archivo de lo Inclasificable” presenta su trabajo en la galería Camara Oscura, en una pieza que es un “archivador de artista” en el cual se encuentran esas miradas perdidas de los pacientes de ese hospital. Reinventar las historia, alejarse del uso puramente científico que tuvieron en su día esas imágenes, y enfrentarlas con el espectador; que de forma aleatoria va abriendo esos cajones.

Las imágenes siempre nos transmiten emociones, las sensaciones que nos pueden producir estas fotografías sacadas del aquel contexto para el que fueron realizadas, y con miradas del siglo XXI, les otorgan frente a nuestros ojos un nuevo significado ciento cuarenta y tres años después.

En la web de Javier Viver tenéis toda la información del fotolibro y también podéis descargar el pdf del mismo. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de julio, y está incluida en el Festival OFF de PHE 2018.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Lo Irreversible

Rafael Roa © 2018, Off Limits

Lo efímero, ese concepto inasible siempre me ha obsesionado en relación con la vida y la fotografía. Es imposible detener el tiempo y por tanto el acto fotográfico captura el pasado inmediato. La fotografía está ligada al pasado, a los recuerdos, y a la huella. El tiempo nos hace sentir la fugacidad de la vida, y hemos tenido la necesidad de que la fotografía nos permita ver quienes ya no somos y la transformación de los lugares que conocimos.

Igual que la memoria va borrando con el paso del tiempo los rostros de aquellos a los que amamos, hemos perdido la nitidez del recuerdo, la memoria del tacto de su piel, y el sonido de su voz, Sólo la fotografía nos recuerda como eran, porque con total seguridad el tiempo habrá dejado en sus rostros una huella equivalente al paso de los años.

La fotografía reflejo del tiempo y el pasado inmediato nos ayudan a gestionar nuestros recuerdos, sacando de las cajas, esas imágenes antiguas que nos mostrarán a alguien que ya no existe. Ese encuentro entre la imagen del pasado y nosotros mismos es un choque emocionalmente fuerte. La imagen de la fotografía ya no nos representa, las huellas de nuestra decadencia nos han transformado en otra persona completamente diferente.

El proceso es irreversible, igual que el acto fotográfico que no consigue materializar la imagen latente en un negativo.
Lo efímero define la imposibilidad de detener el tiempo para poder disfrutar de los instantes felices que desearíamos convertir en eternos. La fotografía sólo nos muestra el pasado, por eso nos cautiva y nos seduce, es la única forma que tenemos de materializar lo vivido.

Rafael Roa © 1994, Polaroid 50×60

Ron Jude

Ron Jude © 2011-2015, de la serie Lago

Ron Jude (1952, Los Ángeles, USA) es un fotógrafo de mirada sutil y minimalista que construye sus obras a base de ese tipo de imágenes que podríamos definir como restos del naufragio. Es un fotógrafo para espectadores que sepan interpretar el silencio, la pausa y la calma. Crece en una zona rural de Idaho entre paisajes inmensos, cazadores de pieles y chicos con coches que buscan su propia autoafirmación.

Ron Jude © 2011-2015, de la serie Lago

En su última serie Lago Ron Jude regresa al desierto de California intentando buscar pistas sobre su propia identidad.

Este trabajo realizado entre los años 2011- 2014 se expresa entre la búsqueda de recuerdos borrosos y el capricho de la mirada atraída por los golpes de vista que surgen en su camino.

Ron Jude © 2011, de la serie Lick Creek Line

Lost Home es un proyecto en el que colaboran 10 fotógrafos que tienen que dar respuesta a poemas del guionista japonés Nobuyiki Ishiki. Ron Jude participa en este proyecto con unas fotografías fechadas entre 1997 y 2005.

Entre los participantes en este proyecto se encuentran Daido Moriyama, Christian Patterson, Roe Ethridge, Slavica Perkovic, entre otros. El conjunto de libros Super Labo se publicó en 2013.

Ron Jude © 1997-2005, de la serie Lost Home publicado en Super Labo Book

Sus series surgen entre los recuerdos y las pistas que el sigue para configurar una narración de imágenes que una a una no tendrían ningún sentido narrativo. No muestra el todo de algo sino pequeños detalles o pistas que el espectador debe seguir.

Sus obras se encuentran entre un documentalismo de ficción y unas fotografías llenas de sensaciones ocultas que pueden ser interpretadas de formas divergentes. En su web podéis analizar y disfrutar con calma su obra y encontrar su mirada personal.

Ron Jude © 1996, de la serie Vitreous China

 

Ron Jude © 1990-92, de la serie Nausea

Sascha Weidner

The Estate of Artist Sascha Weidner © – Approved Print No 1, 2017

Sascha Weidner (1974-2015, Alemania) es una de las grandes pérdidas de la fotografía alemana contemporánea. Su prematura muerte nos deja una obra llena de poesía, silencios y preguntas continuas que lanza al espectador. Se aleja del gigantismo especulativo de la Escuela de Düsseldoff que ha machacado el mercado de las bienales de arte con ese vacío narrativo y su gigantismo excesivo.

The Estate of Artist Sascha Weidner ©
Trial II 2008 de la serie Am Wasser Gebaut


Sascha Weidner
nos regala generosamente evocadoras imágenes que nos alejan de esa marabunta sin principios que produce “arte” como el que come comida basura. Toma partido a sabiendas que la estética y la narrativa de sus imágenes no está hecha para la masa que llena de oropeles inunda las moquetas de las más famosas bienales de arte.

Su trabajo busca espectadores cómplices que sepan apreciar las sutilezas del lenguaje, los silencios y la serena contemplación. La obra de este fotógrafo te seduce inmediatamente, te conquista con un flechazo y después no puedes abandonarle. La poesía nunca abandona a los espíritus libres que no se someten a ninguna moda comercial.

Podemos disfrutar de la obra de este autor en Clervaux Cité de l´Image (Luxemburgo) hasta el 13 de Abril de 2018, en el Sprengel Museum Hannover que tiene su legado, y en la galería Dorothée Nilsson de Berlin hasta el próximo 25 de noviembre.
Podéis ver su obra en la siguiente web.

The Estate of Artist Sascha Weidner © Flooding II, 2011 de la serie Am Wasser Gebaut

Dead Skin

Rafael Roa © 2015 Dead Skin, 23 untitled

Rafael Roa © 2015
Dead Skin, 23 untitled

Only Skin by Laura Terré

Rafael Roa has also focused on the skin, with the intention to develop the concept of existence. Dead Skin is the title chosen to turn our gaze on a set of photographs of posed bodies which are an entirety portrait of the flesh that we are. His desire is to stress that constant inertia that leads the living bodies to death and that leaves traces printed on their skin, wrinkles, tattoos and mutilations, marks inflicted as pass rituals. Due to the documentary effect of photography that puts us on the trail of the living, eternally alive, through the work of freezing the moment, even in the case of aged bodies, almost blue, and deprived of the context of their lives, we don’t see corpses, we see friends, parents, lovers, coworkers.

Roa cuts the bodies into fragments, following a tradition that began with artistic photography of the early twentieth century. Those photographers disregarded for the first time the strict description of the proportions of the human body that had been carried out in nude photography to serve as a model for painters and sculptors. The modern photographers freely interpreted the body shapes and they dared to cut off the head and limbs to avoid any spatial reference. The body shapes are incomprehensible and the suppression of the face and eyes avoided all distraction, all communication with the person. Everything was reduced to flesh. We have magnificent icons in the tradition of abstract nude. As the early trials of Imogen Cunningham and Edward Weston. The portraits of Georgia O’Keefe’s feelings through their hands and equivalent the clouds of Alfred Stieglitz. And at the end of twentieth century, when prejudices to look at the naked body and conventions and taboos are lost, we have the beautiful series of self-portraits by John Coplans (his aged skin of the torso and its separate members of the body) . Or the hyperrealistic series of fragments in black and white, also with aged skin and bushy hairs and wrinkles of Robert Davies. And other style, which searches the beauty of young bodies, they are the unforgettable implausible fragments by Robert Mapplethorpe, who created a beauty body trend in the eighties. Or Bill Brandt, who surprised us with his outdoors nudes in mimesis with boulders from the beaches.

Roa’s photographs follow this tradition, but they do not seek abstraction nor are merely aesthetic , much less documentary (saving the detail of tattoos that give us a clue on the culture of the bodies). Its erotic content refers to an action stopped in time, in which we perceive the subject restless, busy in their passions and sometimes not very content with their physical transformation. The nude becomes a portrait “otherwise”. It was a genre exploited by photography since its origins, both privately and professionally. Unlike painting and drawing in which nude sublimated the human in beauty stereotypes, photography always liked the body as it is. So erotic photography intimidates those who contemplate it because of its realism that particularized personal details. The punctum, that Barthes said as inescapable real place. Photography is brash and gritty. When we look at a naked body, it makes us to hold our breath. Many blush to the erotic photos, they look sideways or take it to a corner and “use it” as pornography, because they feel the contact of the skin where they put their gaze. The mere eye contact produces in them the experience and need solitude for contemplation. The proximity is so strong! The viewer guides its photography experience, creating plans according to their interest and deciding to look at everything at once in the distance or only to look at certain details of the foreground.

Faced with the bodies that Rafael Roa portrays we don’t have much freedom. He diverts our attention from the volume and forms and he focuses on the most superficial: the texture and color of the skin. In these photographs, our gaze is caught inside the skin taut as a parchment lampshade . We see the naked from the vacuum of its volumes, in a diving vision, magic, converting the spheres in concavities.He does this by fragmenting the bodies and using an artificial dominant blue light, as if it was a submerged and amniotic vision. The weightless bodies flow like luminescent air bubbles. The purity of the waters that bath it , works as magnifying glass on the fine hair strokes, on the capillary veins, wrinkles and marks of underwear. We even see what we do not want to see. We know, in any case, that defects will be concealable and beyond that carnal contingency, the human being will wear clothing that will return their soul, hide all their embarrassments and reveal their class differences. May even look for a face in the mirrors where to encastrar their eyes that will bring the gaze and thus stop being only skin.

Dead Skin is a Rafael Roa’s art work

link to buy the book: https://www.rafaelroa.net/libros-deadskin.php

Bownik

Bownik © De la serie Friends

Bownik © De la serie Friends

Paweł Bownik (1977, Polonia) es uno de los artistas emergentes más interesantes de su país. Estudiante de Filosofía y Sociología y posteriormente se graduó en Fotografía y Multimedia en la Academia de Bellas Artes de Poznan. Vive y trabaja en Varsovia. La fotografía es para él una herramienta muy útil para la realización de su trabajo, sólo un medio para materializar sus ideas. Disassembly (Desmontaje) es uno de sus últimos trabajos realizados junto al artista y editor Honza Zamojski. Desmontaje parece sólo una colección de bellas flores, pero va más allá de eso, es una deconstrucción de la realidad, añadiendo nuevos elementos a las mismas que transforman el objeto otorgándole un status diferente en formas y contenido. La forma de la narrativa de este libro de asemeja en parte a un cuaderno de trabajo de Darwin. Preciso y directo es un compendio generoso de plantas sobre las cuales ha construido una nueva realidad.

Su serie Gammers (2007- 2009) es una colección de retratos e interiores de jóvenes apasionados por los vídeo juegos. Lo que más le interesa son las transformaciones producidas en la cultura bajo la influencia de la electrónica. Su arte es fresco, atrevido y busca continuamente nuevas narrativas y formas estéticas para la realización de sus obras.

Bownik © De la serie Disassembly

Bownik © De la serie Disassembly

Bownik © De la serie Disassembly

Bownik © De la serie Disassembly

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Alberto Olivares, El Libro De Las Relaciones

Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones

Alberto Olivares © 2014
El Libro De Las Relaciones

Alberto Olivares (1979, Calatayud), es un joven fotógrafo, tuve la suerte de tenerlo como alumno en el PIC.A en el curso 2013-2014. Nos sorprendió a todos con su trabajo de final de curso “El Libro De Las Relaciones”. Un trabajo lleno de metáforas e ironía, que he decido publicar en mi blog para el disfrute de todos. Alberto Olivares sigue trabajando en la mayoría de sus trabajos con película. No se ha entregado al mundo digital y sigue expresando sus sensaciones y contando sus historias desde el fino soporte de la emulsión de plata. Fotografiar aquello que no existe y se apoya en las ideas tiene el valor de la creación individual, y si esto se hace alejándose de estéticas y formas de éxito imitadas en el mercado tiene el valor de la búsqueda y la innovación.

Os dejo con las palabras de Alberto sobre su trabajo:

“¿Existe algo más irracional que intentar explicar las relaciones de pareja desde una perspectiva matemática?. Este trabajo surge del intento de unir y explicar el mundo impredecible de las personas y sus relaciones, con la certeza y la seguridad de las fórmulas y los algoritmos matemáticos. 
Números que se hacen emociones. Conductas que se apoyan en derivadas. Todo tiene sentido y aún así perdemos la razón por los errores de nuestro corazón. Sin renunciar nunca al sentido del humor, busco la explicación de las relaciones de una forma tanto analítica como poco funcional.
Todo comienza con una fuerte atracción, una época de fuertes emociones y conocimiento y disfrute del cuerpo del otro. Tras esta primera fase intensa se produce un inicio de la comprensión del otro, de buscar los espacios propios y comunes, de ese ajuste necesario para encontrar el equilibrio. La aceptación de la persona imperfecta pero que te complementa, la riqueza interior de la mujer y sus diferencias con el hombre. Una balanza ajustada, o no, que terminará convirtiéndose en un final impredecible.
En definitiva: un nuevo fracaso de intentar describir qué es eso del amor.”
Alberto Olivares.
Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones calculo de áreas

Alberto Olivares © 2014
El Libro De Las Relaciones
calculo de áreas

Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones  "La primera vez que te vi". Estudio y planificación de acercamiento.

Alberto Olivares © 2014
El Libro De Las Relaciones
“La primera vez que te vi”. Estudio y planificación de acercamiento.

Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones "Representación del rico mundo interior de la mujer en contraposición de la sencillez del hombre"

Alberto Olivares © 2014
El Libro De Las Relaciones
“Representación del rico mundo interior de la mujer en contraposición de la sencillez del hombre”

Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones "La fórmula del amor verdadero"

Alberto Olivares © 2014
El Libro De Las Relaciones “La fórmula del amor verdadero”

Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones "Mecánica básica del cálculo de ejes y mantenimiento de ángulos"

Alberto Olivares © 2014
El Libro De Las Relaciones
“Mecánica básica del cálculo de ejes y mantenimiento de ángulos”

Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones  "Descripción gráfica y explícita del acto sexual"

Alberto Olivares © 2014 El Libro De Las Relaciones
“Descripción gráfica y explícita del acto sexual”

Anni Leppälä

Anni Leppälä ©  1013, Hand

Anni Leppälä ©
1013, Hand

Anni Leppälä (1981, Helsinki) es una de las representantes de la Escuela de Helsinki.
Su obra refleja las huellas, los recuerdos, y lo efímero de los instantes que fugazmente se convierten en el pasado. Nos habla de la paradoja que sucede cuando queremos fotografiar un instante que queríamos conservar y lo perdemos en el intento de la toma.
Nos muestra las huellas de lo cotidiano y reflexiona sobre el tiempo y los sentimientos que le producen sentirse viva. Es una fotógrafa que la podemos clasificar como buscadora de recuerdos íntimos . Sus fotografías son simples, directas y misteriosas. Esa mezcla es la que finalmente nos atrapa, y nos dedicamos a la contemplación de sus historias esperando que nunca tengan fin.

Un fotógrafo afirmaba que no podemos fotografiar si no hemos leído antes y convertido esas ideas en imágenes. No es del todo cierto, se puede fotografiar por la necesidad de expresar nuestras propias emociones. Alguien puede tener la urgencia de fotografiar como forma de huida de su propia existencia, o movido por la intensidad de algo que sucede delante de sus ojos. Podemos tener lenguajes fotográficos más elaborados o simplemente más instintivos. Cada cual se expresa en función de su propia evolución personal, emocional e intelectual.
Anni Leppälä construye su propio mundo de emociones y recuerdos y lo comparte con nosotros.

En nuestro país hemos visto sus obras en la edición de 2009 de ARCO y en el 2011 formando parte de la exposición Heroines producida por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid.

Anni Leppälä © 2007, Garden

Anni Leppälä © 2007, Garden

Anni Leppälä © 2010 Reading

Anni Leppälä © 2010
Reading

Anni Leppälä © Shirt (Hand)

Anni Leppälä ©
Shirt (Hand)

Anni Leppälä © 2011Mirror (blanket)

Anni Leppälä © 2011Mirror (blanket)

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Room), 2004

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Room), 2004

Anni Leppälä © Shadow II, 2010

Anni Leppälä © Shadow II, 2010

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Door), 2004

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Door), 2004