Ramón Masats, “Visit Spain”

Exposición de su obra del periodo 1955-1965 en PHE 2020.

Ramon Masats. Sanfermines. Cafetería Iruña. Pamplona. 1956 © RAMON MASATS, VEGAP, 2020

Bajo el titulo Visit Spain, Ramón Masats (1931, Barcelona) nos presenta su mirada de la España de los años 1955-1965. La apertura de país al turismo y la visita del presidente norteamericano Eisenhower en 1959 dieron un apoyo internacional a la dictadura. Masats nos presenta una España de luces y sombras, de fiestas y tradiciones, y también nos muestra los rostros de los sublevados del 36 con sus miradas arrogantes llenas de desprecio, y por supuesto el poder de adoctrinamiento de la iglesia.

Ramon Masats. Concentración de falangistas en Burgos, 1961. © RAMON MASATS, VEGAP, 2020

Las fotografías de Masats son la representación de un época muy dura para muchos y muy dulce para los que vivían bajo el amparo de la dictadura. Las tradiciones, las instantáneas de lo cotidiano, el poder, la miseria, y el silencio se muestran con toda su crudeza, y son recibidas por las generaciones que vivieron aquellos años como una vuelta a ese terrible pasado. Una señora delante de una fotografía comentó en voz alta “yo he vivido eso”, era su reencuentro con las fotografías de sus recuerdos.

Ramon Masats.  Museo del Prado. Madrid. 1961 © RAMON MASATS, VEGAP, 2020

Ramón Masats ha sido durante toda su vida un trabajador incansable, un fotógrafo con una mirada inquieta y con la cualidad de encuadrar con una maestría insuperable. Para mí es el gran fotógrafo de su generación. Fotógrafo y cineasta, ha trabajado toda su vida y ha vivido de su profesión, y con esa dedicación y su talento nos ha regalado unas imágenes inolvidables que forman parte de la historia colectiva de este país. Es el gran fotógrafo documentalista de su época no superado por las generaciones posteriores.

Ramón Masats. Córdoba. 1980 © RAMON MASATS, VEGAP, 2020

La exposición es excelente, se ve la mano del comisario Chema Conesa en la selección y en la maquetación de la obra en el espacio expositivo. Asimismo es el responsable del catálogo que estará disponible en dos semanas aproximadamente. Podemos ver un vídeo integro del catálogo y un vídeo del NO-DO de aquellos años. También un retrato del dictador, un encargo al que no pudo renunciar. Es una exposición imprescindible que podemos ver en el espacio de Tabacalera. Este año, tenemos una gran selección de autores en la presente edición de PHE 2020.

La pérdida de la memoria

La fotografía nos sirve para perpetuar los recuerdos

MERCEDES DEL CURA RAFAEL ROA © 2018

La memoria: Facultad psíquica por medio de la cual se retiene y recuerda el pasado. (RAE)

Con esta definición de la RAE puedo comenzar a hablar del noúmeno como la esencia no visible que forma parte de nuestras vivencias y recuerdos. Con el paso del tiempo sobre nosotros mismos, se produce el deterioro de nuestros recuerdos. Esas imágenes no visibles se van perdiendo, como anteriormente perdimos los sonidos, olores, sabores, y las texturas de lo deseado. Las imágenes de aquellos momentos, que cuando cerramos los ojos a veces aparecen con una nitidez meridiana acorde al nivel de percepción individual de los recuerdos, poco a poco vamos perdiendo los detalles, la nitidez, el color de aquellos momentos que pretendemos eternizar, pero que jamás volverán.

JUANJO 2018, RAFAEL ROA ©

La fotografía nos sirve para perpetuar la imagen del recuerdo, nosotros ya no somos los que aparecían en aquella fotografía, nos hemos transformado, el tiempo ha pasado por encima de nosotros dejando sus huellas en nuestro camino inevitable hacia la muerte.
Nuestros recuerdos que pretendemos revivir en esos momentos de ensoñación se van desvaneciendo hasta su total desaparición de nuestra memoria. Solo un registro fotográfico nos puede acercar a la nitidez y los detalles de aquel momento.
The lost of memory es mi última serie de la cual podéis ver algunos ejemplos en este post. Estos retratos han sido procesados como si mi memoria fuese perdiendo los detalles de estas personas, en aquellos días en que las fotografías fueron hechas. Es una interpretación personal de mis recuerdos, no quiero mostrar las fotografías como fueron hechas sino transformadas para reflejar la perdida de la memoria.

SEBASTIANO, 2017 RAFAEL ROA ©

PRÓXIMOS CURSOS SEPTIEMBRE

El Retrato Contemporáneo

Del 31 de agosto al 16 de septiembre

Toda la información en este link.

El Lenguaje del Cuerpo

Curso sobre la fotografía del desnudo, estéticas y autores más importantes. Mis experiencias de como trabajo este tipo de obra personal, relaciones con los modelos, y materialización de las ideas.
Del 1 al 17 de SEPTIEMBRE
Toda la información en el siguiente link.

RAFAEL ROA© 1992 DE LA SERIE HIDDEN DESIRES

El Retrato Editoral
Durante este verano recibiréis todo la información de este curso que estará disponible a partir de octubre así como un curso de larga duración que os anunciaré durante el verano.

El retrato editorial es una especialidad muy importante dentro del mundo de la fotografía y la información. El verdadero innovador de la especialidad en España fue Alberto Schommer. Él nos hizo ver una nueva forma de abordar este tipo de retrato, utilizando la ficción y las metáforas visuales en la construcción de las fotografías. Esta especialidad de la fotografía ha sido muy importante en mi carrera, llevo haciendo este tipo de retratos desde 1984. He publicado en los medios más importantes de este país, y los que son de mi generación recordaran mi trabajo. Quiero transmitir mis conocimientos sobre esta especialidad de la fotografía que me ha dado tantas satisfacciones.

En la nada

Reflexiones personales desde la nada

EN LA NADA, 2020 RAFAEL ROA ©

¿Y si el ser humano es el virus del planeta Tierra? ¿Y si ha sido una emergencia que esperaba desde hace tiempo? Esto es la respuesta del cineasta japonés Hirokazu Kore-eda en una entrevista en El País al ser cuestionado sobre si debemos cambiar nuestro sistema de vida después del Covid 19. Los humanos estamos destinados a desaparecer, llevamos siglos masacrándonos en guerras absurdas por diferentes motivos y somos incapaces de aprender a convivir. Somos un depredador para nosotros mismos y para el planeta.
El sistema social creado y mantenido durante siglos de las estructuras piramidales de poder, no funciona y menos que todo se base en el concepto del beneficio económico y el desigual reparto de la riqueza.
Ninguna alternativa ha podido establecer otro tipo de relaciones humanas más satisfactorias para todos.
El gen de la estupidez está incrustado en nosotros y se incrementa de generación en generación, hemos ido fracasando en la consecución de los ideales, y vamos acumulando esas frustraciones.
Ahora que estamos aprendiendo nuevos comportamientos para sobrevivir a esta peste fabricada, las malas actitudes se hacen más palpables y la mala educación florece como en la primavera, se hace más agresiva.

¿Qué hacer, realmente se puede hacer algo más que buscar tu refugio personal?
¿Y referente a la fotografía que análisis podemos intentar hacer sobre su eficacia social que no hayamos hecho ya?

EN LA NADA, 2020 RAFAEL ROA ©

¿Y la fotografía qué?

Creo que hay una aceptación generalizada que la fotografía no es la herramienta de concienciación social que esperábamos que fuese. Las expectativas de Susan Sontag sobre el tema no se cumplieron, y si que el uso abusivo de las imágenes produce que el mensaje no tenga ningún efecto sobre el receptor. Los escritos de Jean Baudrillard sobre el tema dieron en el clavo mucho antes del momento actual en el que el consumo de las imágenes se produce al un ritmo tan vertiginoso que ni las recordamos dos segundos después de haberlas visto.
Lo único que nos queda el uso de la fotografía como terapia personal, más allá de nuestras pretensiones, disfrutar de la herramienta, buscando aquello que nos satisfaga y alejándonos del circo del mercado para centrarnos en esas satisfacciones que nos pueda proporcionar.
Huir de carreras absurdas y que cada uno haga lo que considere más placentero, yo elijo “En la nada”.

Rafael Roa © 2018, Sebastiano

Curso online “La fotografía contemporánea”, desde el 18 de junio al 23 de Julio.

Información y reservas aquí

Sobre el retrato

Del retrato clásico al retrato contemporáneo

Petrina Hicks © Shenae and Jade, 2005 Lightjet print 111 x 119cm, edition of 8

El retrato es una de las especialidades de la fotografía que más ayudó al desarrollo de la herramienta desde sus orígenes, fue una forma de representación de todas las clases sociales. Por primera vez las clases más humildes tuvieron a sus alcance un medio por el cual verse reflejados. Estás imágenes se manipulaban al ser coloreadas: y los primeros retratos debido al largo tiempo de exposición no eran muy espontáneos. La evolución técnica hizo evolucionar la estética, pero lo que no ha cambiado nunca es la fascinación de obtener un gesto o una mirada expresiva que defina al sujeto y que sea producto de la relación que se establece a través de la cámara entre el fotógrafo y el fotografiado.

Rafael Roa © Ernesto Alterio 1996,

Siempre me interesó el retrato desde que comencé mi aprendizaje de la fotografía. La fascinación por una mirada que atravesase mi cámara y se quedase incrustada en la película. Después toda la mística del proceso químico, el revelado del negativo, y antes de que se secase ya habías imaginado como sería el positivo. Y luego, el encanto del cuarto oscuro, ver como aparecía la imagen en la cubeta. Para mí el retrato era conseguir una buena mirada acompañada de una luz que lo potenciase. En aquellos años miraba una y otra vez los retratos de Irving Penn y Richard Avedon. Me interesa definir al sujeto y relacionarme con él, quiero que en esos momentos en los cuales intento que él me dé algo que realmente le defina, que transmita su verdad de ese instante y que yo sea capaz de captar las sensaciones del momento. Siempre quería que mis retratos no pasasen inadvertidos. Quería captar miradas, gestos, intensidad, y que el receptor no pudiese apartar sus ojos de aquellas imágenes.

Gabriel Cualladó, 1960, Nicolás

Una vez Cualladó nos enseñó sus fotografías, primero el reportaje de París, muy vanguardista para aquellos años, su forma de encuadrar y de interpretar su realidad era muy diferente al tipo de encuadres que estábamos acostumbrados a ver en España. Después nos enseño sus retratos. Apareció ante mí el retrato de Nicolás, ese hombre sentado al lado de una bicicleta de transporte con sus compañeros apoyados en ella, había cortado los rostros del resto de los personajes; entonces me dí cuenta que hacer un retrato era algo más que un primer plano. Se pueden hacer muchas consideraciones sobre el retrato, desde el clásico que todos conocimos a los retratos conceptuales de Ralph Gibson, o los retratos de celebridades que hemos visto desde Nadar hasta nuestros días. El retrato con intención artística, el documental o el retrato de ficción que tiene su origen en el pictorialismo temprano del siglo XIX, y que es la base en la cual se basa el retrato contemporáneo, con la imprescindible puesta en escena; otra característica de la fotografía que el gran maestro del instante decisivo Cartier Bresson criticaba; el 25% de sus obras son retratos; una buena contradicción.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

Hoy el retrato contemporáneo utiliza las mismas bases que los retratos de ficción del siglo XIX, lo que ha cambiado es la tecnología. La puesta en escena es la base principal y la influencia de la pintura se mantiene hoy en día. Observamos una gran influencia de Edward Hopper, y de la pintura renacentista en autores muy importantes de retrato contemporáneo. Para mi es muy importante que un fotógrafo tenga una amplia cultura, porque nuestras imágenes serán siempre una síntesis de lo que somos, de nuestros conocimientos, de nuestras vivencias, y sentimientos personales. La cultura visual nos sirve para tener referencias y deben ser una base de conocimiento que nos dirija a buscar una estética personal que nos defina como autores; este es un trabajo intenso, duro y largo en el tiempo. Hay que evitar la tentación de los mediocres que es imitar a las tendencias de éxito, y como decía el gran maestro Carlos Përez Siquier: “el artista es el que crea tendencia no el que la sigue”.

Rafael Roa © 2017, Sebastiano

Docencia online

Después de muchos años de talleres, los siete últimos alternando estos con la enseñanza presencial en la escuela PIC.A, y diez años escribiendo en mi blog reflexiones sobre la fotografía he decidido comenzar la docencia online de estas materias.
¿Por qué online?
Porque igual que la tecnología ha cambiado la forma de fotografiar, también cambia nuestras formas de comunicación, y en estos momentos en que la humanidad se enfrenta a la incertidumbre, y por ende esto supone unos cambios radicales en nuestra vida cotidiana. La comunicación online nos permite conectarnos e interactuar en todos los ámbitos incluido el de la docencia y el aprendizaje.
Por eso ofrezco inicialmente dos propuestas, el curso de iniciación al Retrato Contemporáneo que tendrá lugar del 18 de junio al 23 de julio, y los Visionados de portfolios que podrán solicitarse cuando los interesados lo deseen. En octubre tendréis nuevas propuestas de cursos online, podéis consultar los enlaces de ambas propuestas.

La seducción de la penumbra

Un viaje efímero al misterio

Bill Henson © Untitled-2016

La penumbra es el estado transitorio de los restos de la luz, representa el fin del apogeo de la intensidad máxima de una fuente de iluminación, podemos explicarlo como una muerte lenta. Esa escasez lumínica transforma la percepción que tenemos de nosotros mismos, de los objetos, del entorno cotidiano y del paisaje que nos rodea. Ese cambio de nuestras visiones de la realidad cotidiana, nos transporta a ese mundo efímero del final del día o al goce y refugio de esa penumbra, de ese mundo en el cual podemos ocultarnos.

Nadav Kander © de la serie Isolation

No percibimos toda la información del objeto desde un punto de vista objetivo; como nos quisieron hacer creer los Becher, con su aburrido catálogo de arqueología industrial en la Alemania de la posguerra; vemos el objeto transformado en una misteriosa versión de esa semioscuridad que crece sin parar hasta llegar al negro absoluto.

Hasta llegar a ese punto nos entregamos al encantamiento de un misterio del cual conocemos el desenlace, pero ese tránsito nos seduce como un encantador de serpientes. Podemos establecer un paralelismo entre la penumbra y la agonía de la muerte, ese final irreversible que nos cuesta aceptar.

Daido Moriyama ©

La muerte: “Hay muchas cosas que no será”. No será como si te enterraran vivo. No será como estar eternamente en la oscuridad. (..) Simplemente no habrá habido nunca nada y no habrá nadie que lo lamente.

Ignacio Castro Rey

Hirosi Sugimoto © 1996 Mar Báltico

Muchos grandes fotógrafos dominan la penumbra y se mueven bien en esos niveles de luminosidad, y por esto sus obras nos atraen como una tentación irresistible. Queremos estar en ese mundo de semioscuridad que ellos han hecho propios, y al cual vuelven sin poder resistirse a ese encantamiento.

Bill Henson, Nadav Kander, Jason Langer, Daido Moriyama, Hirosi Sugimoto, son un ejemplo de grandes maestros que dominan ese mundo efímero y en el son capaces de dar un salto mortal y ofrecernos imágenes que nos van a seducir sin remedio. Gocemos de la penumbra, como de ese amor ya vivido, que con el paso del tiempo nos cuesta recordar sus texturas.

Reflexiones en tiempos de las nuevas pestes

Sobre la fotografía como forma de reflexión

Lászlo Moholy-Nagy, fotograma

Las modas de obras basadas en la abstracción fotográfica omiten todo tipo de contenidos críticos. A través de la mezcla de formas, luces y sombras convierten a esas imágenes en productos decorativos carentes de significado. Estos “creadores” bajo el vacío intelectual de sus obras omiten cualquier tipo de compromiso o crítica. Las estéticas empleadas no son nuevas y se basan en interpretaciones de las vanguardias de comienzos del siglo XX.

La fotografía como huella o transformación de lo real puede transmitir una crítica o experimentar un concepto que nos fuerce a tomar posición. La incomodidad visual que producen algunos tipo de obras, producen sensaciones que llevan al espectador a cuestionarse por el significado de lo que ve. Pero la gran mayoría instalada en su zona de confort no solo niega la existencia de otras realidades sociales en el presente sino que niega los holocaustos, matanzas producidas en el pasado. Este tipo de espectadores se alejan de todas aquellas obras que le producen cualquier tipo de incomodidad narrativa o estética.

Jean-Michel Fauquet © 2009

El cambio de las nuevas tecnologías como ha sido siempre a lo largo de la historia produce un cambio estético: en estos tiempos nos empuja a la dinámica de la inmediatez. Todo aquí y ahora, se rechaza la cultura del esfuerzo y la reflexión. Por otro lado el irresistible atractivo de aquellos que obtienen un éxito inmediato seducen a los jóvenes ávidos de ese reconocimiento. Se convierten en imitadores de esas formulas de éxito, no aportan nada nuevo y se pierden en la homogeneidad de la masa de adoradores del plagio. La palabra plagio no existe en su vocabulario.

Richard Misrach © 1998 Lousiana

Estos comportamientos no son solo de “fotógrafos” o “artistas” que utilizan un lenguaje abstracto y que juegan a ser los admirados dioses del Adobe Indesing; esta peste se extiende a todas las áreas de la expresión fotográfica y del arte en general.
La cultura del producto fácil, del éxito comercial y del beneficio rápido se basan en los comportamientos de la economía especulativa que tan bien reflejó Ton Wolfe en “La hoguera de las vanidades”. Los aspectos externos de estos personajes cuentan, algunos se creen que con cambiarse el look de forma extravagante van a ocultar el vacío de su discurso. Las apariencias cuentan para ocultar sus carencias. El arte de lo banal ha inundado el mercado.

Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

La fotografía y el arte en general, no pueden alejarse de las realidades socioeconómicas de cada momento de la historia. El futuro inmediato de todos nosotros va a ser complicado, No puede ser que los verdugos del continente del siglo XX, y que resurgieron de sus cenizas gracias al apoyo internacional y a la explotación de los trabajadores del sur, sigan condicionando el futuro de todos. Desde comienzos del siglo XXI han impuesto sus modas fotográficas en el mercado llevando al éxito a los sucesores del los Becher.

Su especulación y el gigantismo de sus obras han llenado las colecciones públicas y privadas. Siempre nos quedan otros autores que alimentan el pensamiento y el espíritu.
La reflexión debe ser un uso cotidiano muy recomendable en estos tiempos, alejarse de lo banal un acto de compromiso.

André Gelpke © 2002- 2005 de la serie Allesanet

Richard Learoyd

El fotógrafo que trabaja con una cámara oscura expone en Madrid

© Richard Learoyd. Courtesy of the artist and Fraenkel Gallery, San Francisco
Jasmijn hacia la luz, 2009 Jasmijn towards the Light Fotografia única en paper Ilfochrome 147,3 × 121,9 cm

Richard Learoyd (1966, Nelson, Reino Unido) es un fotógrafo que usa una cámara oscura para la realización de sus obras. Habiéndose fabricado una cámara a una medida deseada, le permite hacer fotografías de tamaños que alcanzan medidas de 147,3 x 121,9 cm.

Los temas que aborda Richard Learoyd son el retrato, las naturalezas muertas, y el paisaje. Para las fotografías en exterior se ha fabricado una tienda de campaña que se convierte en una cámara portátil.

© Richard Learoyd. Courtesy of the artist and Fraenkel Gallery, San Francisco A la manera de Ingres, 2011 After Ingres Fotografia única en paper Ilfochrome 121,9 × 188 cm

Una de las cosas que uso en mi trabajo es la idea de memoria fotográfica colectiva, es la idea de que una imagen se puede entender en diferentes niveles de memoria, particularmente de memoria fotográfica. Para el retrato de Jasmijn hacia la luz, 2009, me inspire en el retrato de Ana Frank, la niña que nunca tuvo la oportunidad de crecer.”
Richard Learoyd

El material sensible que utiliza en su trabajo de color, tiene una temperatura diferente de la luz día, por lo que necesita filtrar la luz tanto en la cámara como en el flash, para obtener la temperatura de color deseada por el autor.
La única oportunidad que tiene para alterar el tono es durante la modificación del filtraje de color anterior a la toma. Después revela el papel fotográfico en una procesadora y la copia que se obtiene es única. El tiempo del procesado es de 18 minutos.

© Richard Learoyd. Cortesía del artista y Fraenkel Gallery, San Francisco
Gemela I, 2012 Twin I Fotografia única en paper Ilfochrome 147,3 × 121,9 cm

Estas fotografías se definen como impresiones, ya que la fotografía y la impresión son lo mismo, no hay ninguna oportunidad de hacer una versión de la imagen ya realizada, porque ese momento ya ha pasado.”
Richard Learoyd

Las fotografías siempre reflejan el pasado inmediato, si carecemos de negativos o archivos digitales no se pueden hacer más copias. Esto ocurría con procesos del siglo XIX como el daguerrotipo o el ferrotipo.

Sin embargo, algunas de sus obras en blanco y negro se producen mediante la impresión de un negativo y un papel fotográfico de gelatina de plata que por contacto generan un positivo. De estas imágenes hace un tiraje de 5 copias.

La fotografía y el vídeo contemporáneo siguen teniendo grandes influencias estéticas y narrativas de la pintura: autores como Bill Viola, Gregory Crewdson, Philip-Lorca diCorcia, Stephen Shore, Marie Cosindas, Desiree Dolron, Jeff Bark, Christian Tagliavini, entre otros, y por supuesto también Richard Learoyd. Por ejemplo Edward Hopper ha tenido una influencia muy importante en la fotografía contemporánea norteamericana.

© Richard Learoyd. Cortesía del artista y Fraenkel Gallery, San Francisco
Octopus I, [Pulpo I]
Fotografías únicas en papel Ilfochrome
172,7 x 121,9 cm,

La exposición

Esta exposición, organizada por Fundación MAPFRE y comisariada por Sandra Phillips, presenta a Richard Learoyd en el punto álgido de su trayectoria, a través de una selección de 51 obras en color y en blanco y negro que resume lo mejor de su trabajo realizado a lo largo de una década. En la muestra también se incluye uno de los paisajes realizados en España (en Lanzarote), resultado de un encargo de Fundación MAPFRE y que se incorpora a la Colección de Fotografía de la Fundación, que ya cuenta con otras dos obras del artista.
Después de su paso por nuestra sala de exposiciones de Barcelona y el Fotomuseum Den Haag de La Haya, la exposición llega a Madrid donde se podrá visitar hasta el día 24 de mayo de 2020.

Hugh Mangum

Fotografía del siglo XIX en la galería Camara Oscura

Roger Ballen en el stand de Camara Oscura en Arco 2020

Hugh Mangum (1877-1922)

Juan Curto director de la galería Camara Oscura colabora con Universidad de Duke para difundir el trabajo de Hugh Mangum (1877-1922).

Bajo el titulo “Where We Find Ourselves” los comisarios Alex Harris y Margaret Sartor, y con el apoyo de la universidad antes mencionada han sacado a la luz la obra de este fotógrafo ambulante que se dedicó a dar visibilidad a las personas de esa época. La fotografía desde su nacimiento fue usada de esta manera, las clases populares tuvieron acceso por primera vez a ser representado por esa cantidad de fotógrafos ambulantes que viajaban por cada país difundiendo el nuevo invento.

Hugh Mangum (1877-1922)

Los fotógrafos comerciales de finales del siglo XIX ya tuvieron acceso a la placa seca de gelatino bromuro de plata inventada por R. L. Maddox en 1871 y mejorada por Charles E. Bennett en 1878, que terminó desplazando al colodión húmedo a partir de 1882, que desde 1851 había sido el proceso dominante.

Por el periodo en el que vivió Hugh Mangum causaba furor la cámara Kodak y su famoso lema “usted apriete el botón y nosotros hacemos el resto”. Las cámaras cargadas con un rollo de película para poder hacer cien fotografías; y que una vez hechas por el usuario, la enviaban a Kodak para ser reveladas y cargada la cámara de nuevo.

La placa seca facilitó el trabajo de fotógrafos separando en el tiempo en momento de la toma del momento de revelado de la placa para su posterior positivado.

Hugh Mangum (1877-1922)

El Fotógrafo

A finales de la última década de 1890, Mangum se aventuró como fotógrafo retratista ambulante, viajando principalmente por Carolina del Norte y Virginia durante el surgimiento de la era de Jim Crow, un periodo en el que se impulsaron las leyes por la segregación de blancos y negros. A pesar de ello, sus retratos revelan una clientela que era muy diversa racial y económicamente hablando, y muestra unas vidas marcadas por el trabajo duro y la opulencia, todos ellos imbuidos de un gran sentido de individualidad y emprendimiento. Una de las más profundas sorpresas de la fotografía de Mangum es su frescura, artísticamente hablando. Tenía un encanto y una curiosidad que se refleja frecuentemente en los rostros de sus modelos. En otras imágenes, su presencia se convierte en invisible y los modelos parecen perdidos en sus mundos interiores y privados. La habilidad de Mangum para capturar esos momentos de vulnerabilidad y de intenso autoreconocimiento se encuentra en el centro de su don como fotógrafo.

Esta interesante exposición de este fotógrafo tan versátil se podrá ver en la galería Camara Oscura hasta el próximo 28 de marzo.

Hugh Mangum (1877-1922)

Roger Ballen en ARCO 2020 en el stand de Camara Oscura

El gran fotógrafo Roger Ballen (1950, NY) estará presente en la presente edición de ARCO 2020 en el stand 7F01. Es uno de los fotógrafos contemporáneos más interesantes con una obra muy creativa e indispensable de ser admirada y conocida.

Construye sus obras con una parte de la realidad que manipula y usa en beneficio de todo aquello que quiere realizar. Estas obras tan trabajadas conceptualmente contrastan con su trabajo documental que es directo y sin concesiones. Hijo de una editora de Magnum Adrienne Ballen, desde niño se educo con la fotografía y sus influencias principales fueron Bruce Davison y Andrè Kertesz. No se puede perder la ocasión de ver la obra de Ballen, un referente imprescindible del siglo XXI.

María Teresa Gutiérrez Barranco

Expone su serie Atlánticas en el Museo de Guadalajara.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

María Teresa Gutierrez Barranco (1948, Madrid) es una artista que que posee esa mirada privilegiada que sólo tienen los grandes maestros. Su fotografía es íntima, delicada, inteligente, reflexiva y aporta en ocasiones ese minimalismo estético de gran belleza y sutileza, que utiliza para expresar sus emociones más profundas.

La vida es un viaje, y la fotografía en ocasiones nos acompaña cada día. María Teresa lleva la cámara como medio de expresión de ese viaje lleno de incertidumbres, sus imágenes se han convertido en un diario visual de los espacios tangibles y de lo que sólo ve ella en su imaginación. Expresar lo que se siente mediante metáforas visuales es sumamente complejo y María Teresa lo realiza a la perfección y lo ofrece con su infinita generosidad.

Resumir la poesía del paisaje, maximizar la luces que otros no ven, acercarnos los pequeños detalles o la grandiosidad del mar o de los espacios abiertos, convertir el acto fotográfico en algo único y sublime; es un soplo de aire puro y fresco frente a la mediocridad de los monocaptadores que nos agreden diariamente con sus basuras.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

María Teresa posee una gran cultura visual que la permite abordar sus trabajos desde una perspectiva muy diferente, y la convierte en una fuente de sabiduría, y me gustaría mucho poderla disfrutar en las clases magistrales que organiza el master de la escuela PIC.A.

Es una autora de larga trayectoria, siempre con esa inquietud reflexiva que la permite realizar los proyectos con esa visión personal que le caracteriza. Como amante de la fotografía se involucró en la gestión de la Real Sociedad Fotográfica, siendo presidenta en el periodo 1992-2000, realizando una labor excelente al frente de esta centenaria institución.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

La exposición

Tenemos la suerte de poder disfrutar de su exposición Atlánticas hasta el próximo día 23 de febrero en la Sala Azul del Museo de Guadalajara, en el Palacio del Infantado.
El próximo martes 18 de febrero a la 19 horas se realizará un coloquio con la autora.

Os reproduzco un aquí un texto de María Teresa Gutiérrez sobre su serie Atlánticas:

Esta pequeña muestra de fotografías marinas, forma parte de una constante en mi vida que viene determinada por la seducción que el mar ejerce sobre mi. Sobre mi, como sobre otros muchos que formamos parte de los habitantes de tierra adentro y para los que las costas marinas se convierten en lo soñado, en lo que no vivimos de forma habitual, en lo que simboliza los territorios de libertad que visitamos durante nuestro tiempo vacacional. El breve contacto con los mares nos lleva después a alimentarnos literariamente de autores como Melville, Conrad, Stevenson… y a visitar con frecuencia las librerías náuticas cuando las tenemos a nuestro alcance.

La primera serie de fotografías que expuse llevaba el titulo de Mediterráneo, su lenguaje fue también el color como en el caso actual, y entre ellos, otros dos trabajos de imágenes marinas realizados en blanco y negro. Cuando reviso de manera conjunta todas estas fotografías, veo que en todas ellas hay un denominador común, la búsqueda de la belleza de las luces marinas en sus diferentes situaciones, incluso más allá de sus aguas, en su vegetación, en su arquitectura y en su hábitat en general.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

Las luces que vienen de los océanos y mares son luces largas, livianas, blancas, cálidas o azuladas. Son luces llenas de mariposas e iluminaciones inesperadas, pueden ser también luces tenebrosas, trágicas, devoradoras, invernales. Todas ellas, luces que nacen y mueren en las costas marinas sin tener ningún interés por viajar o pasear por los territorios del interior.Busqué esas luces en mis primeras fotografías en color y a ellas regreso ahora buscando la infinita memoria que nos asalta, al menos alguna vez, a todos. Busco las luces vivas y naturales.

En estas fotografías no hay ningún tipo de intervención posterior a la toma fotográfica. Sólo luz sobre la propia luz traspasando el tiempo y los espacios como el sutil silbo de cualquier pájaro y tejiendo una renovada memoria extraída de los tiempos profundos.Hay luces que están imantadas y que seducen porque tienen magia en su misma entraña- Las luces oceánicas son hijas directas de los dioses, de las estrellas, de las nubes, de las nieblas y las brumas, de los soles tenues, de la tibieza, el calor o el frío extremo.De ellas, de esas luces seductoras, es el mérito, si es que lo hay, de estas imágenes fotográficas. De la propia naturaleza marina y, no mío.
Septiembre de 2019

Bea Rivas expone AridA en la FNAC

Bea Rivas © de la serie AridA

Bea Rivas (1976, Madrid) expone su trabajo AridA en la FNAC de Callao en Madrid. Es un trabajo que nos muestra con dureza la cruda realidad del cambio climático y la avaricia especulativa de los seres humanos como cómplices necesarios para los desastres que ya están sucediendo.

La muestra itinerante podrá visitarse en Fnac Callao hasta el 20 de febrero

La obra de Bea Rivas está llena del espíritu crítico necesario para abordar estos temas, y de la belleza visual de sus imágenes que atraen al espectador que las contempla, y lo hace partícipe del problema que estás representan. Sus imágenes están llenas de metáforas visuales, de poesía y de la dureza de las realidades que están presentes y podían haberse evitado.

A diferencia de Edward Burtynsky que muestra los desastres ecológicos con imágenes aéreas que forman collages cromáticos, Bea Rivas sigue la tradición narrativa de los “New Topographics” ( Robert Adams, Lewis Baltz) fotografiando de manera directa los desastres causados por el hombre. Una de características de la forma de trabajar Bea Rivas es el uso de dípticos como medio de presentar las causas y los efectos del problema y de esta forma llamar la atención del espectador.

Bea Rivas © de la serie AridA

Bea Rivas refleja, a través de los paisajes de la cuenca del río Segura, la desertificación que sufre nuestro país como resultado de la sobreexplotación o uso y gestión inapropiados en zonas áridas y proclives a la sequía.

Bea Rivas © de la serie AridA

Bea Rivas siempre ha sido sensible a estos temas que degradan el medio ambiente y afectan a la vida de las personas: “El agua se ha convertido en un recurso por el que compiten diferentes actividades económicas: el crecimiento intensivo del sector agrícola, la construcción y el desarrollo incontrolado del turismo que emplea finalidades de ocio como piscinas y campos de golf, se mimetiza paradójicamente con el árido desierto, cada vez más contaminado”, señala la autora.

Bea Rivas © de la serie AridA

Así, una a una se van deslizando las fotografías que recorren este paisaje español y que invitan a la reflexión. No en vano, AridA tiene un fin: mostrar la realidad y contar un mensaje. Y, en esta serie Bea Rivas ve una advertencia. “Las consecuencias del cambio climático que nos somete a fenómenos extremos cada vez más recurrentes de inundaciones y sequías, el aumento de la demanda de agua por parte de la población y los sectores económicos, nos conducen a un futuro complicado”.

Alberto Fernández, experto en desertificación de WWF España y Rafael Roa, fotógrafo y vídeo creador, presentarán la muestra, junto con Bea Rivas, en Fnac Callao (Madrid), el jueves 6 de febrero a las 19h.

Bea Rivas © de la serie AridA

Esta serie de fotografías forma parte de la muestra itinerante “AridA”, que Fnac ha organizado en su compromiso por dar visibilidad a proyectos relacionados con la sostenibilidad y el medio ambiente. La exposición, que arrancó en Zaragoza el pasado mes de octubre, llega ahora a Madrid, y podrá visitarse en Fnac Callao hasta el 20 de febrero.

Bea Rivas © de la serie AridA

No os podéis perder esta exposición y sobre todo la presentación de la exposición en la cual podréis escuchar las palabras de Bea Rivas sobre su trabajo.

Francesca Woodman

On being an angel

Francesca Woodman, Self-portrait talking to Vince, Providence, Rhode Island, 1977 © George and Betty Woodman

Se expone en la Fundación Canal de Madrid la obra de Francesca Woodman (1958, Denver- 1981 Nueva York). La exposición titulada “Ser un ángel / On being an angel) fue expuesta con anterioridad en Modena Museet de Estocolmo en 2015 y en el FOAM de Amsterdam en 2016. Ahora la podremos disfrutar en Madrid hasta el próximo 5 de enero.

Francesca Woodman fue una mujer llena de sensaciones intensas, deseos, frustraciones y pensamientos que protectaba en sus obras.

Francesca Woodman, On being an angel © George and Betty Woodman

Se convirtió en el objeto de su obra mediante el cual representaba todo aquello que sentía y le inquietaba. Sus trabajos muestran sin tapujos todos sus fantasmas personales, y quizás esa valentía de no ocultar nada, es lo que hace mucho más valiosa su obra, que se ha hecho más sólida con el paso del tiempo. Ha entrado en el selecto grupo de mujeres que han recorrido ese camino y que sus nombres están en la mente de todos.

Francesca Woodman, From Space, 1976 © Betty and George Woodman

Ellas se alejan de las impostoras fabricadas en la actualidad en este mundo digital y de redes sociales, en el cual la falsedad, y la mediocridad campean a sus anchas con el simple soporte del bombardeo mediático a todo ese rebaño de receptores ignorantes.

Cualquier revolución pequeño burguesa, o cualquier farsante puede tener éxito bajo los parámetros de la mentira, la difamación y la propaganda. Sólo hace falta enseñar un poco de carne y acompañar unas patéticas imágenes, con unos textos ñoños salidos una mediocre fotonovela, para que los pajilleros de las redes las inunden de likes.

Francesca Woodman, On being an angel © George and Betty Woodman

La obra de Francesca Woodman es un refugio sincero de sus sufrimientos, gozos y sensaciones y transmiten al espectador esa sinceridad y entrega en el momento de la creación. Encontrase con algo de autenticidad es un soplo aire fresco ante toda la basura que nos agrede y contamina cada día.

Jiri Dokoupil

La via anal, sexo y arte contemporáneo

Jiri Dokoupil, 1989 en Madrid. Rafael Roa ©

El sexo latino y caribeño (…) es más natural que el acto sexual pequeño-burgués centro europeo. Allí el sexo está mucho más <<orientado hacia el ano>>: la lengua desempeña una función más ilustre que en nuestras latitudes.

Jiri Georg Dokoupil

Me encontré con Jiri Dokoupil en Madrid en 1989, desde entonces he seguido su trayectoria artística. El retrato se publicó en EPS.

Hay un ensayo muy interesante de Donald Kuspit titulado “Emociones Extremas” en el que plantea bajo el arte realizado por diferentes creadores su posición, relación, y opinión sobre el Pathos espiritual y sexual en el arte. Hay un capitulo dedicado a Jiri Dokoupil en el cual nos habla de la relación entre la obra de este artista y sus opiniones sobre el sexo.

Jiri Dokoupil © Erotische Motive

Cualquier artista refleja sus pensamientos e inquietudes en sus obras, el arte es una via para expresar las inquietudes del mismo. El problema surge cuando el poder representado por el control del mercado del arte, establece una censura moral acorde a su forma de ver la vida. Esta atenta contra la libertad de creación, apartando como apestados a todos aquellos que en sus obras cuestionan la moral dominante.

Jiri Dokoupil © Enamorados 1989

Tenemos ejemplos muy claros en la historia, como la Inquisición que era una forma de eliminación de oponentes políticos y de pensadores. En los países dominados por un poder religioso, ese fanatismo trata a las mujeres como ciudadanos de segunda clase y somete a todos a una estricta y absurda moral. Mientras el mundo occidental sigue haciendo negocios con ellos mirando hacia otro lado.

Rafael Roa © 1989
de la serie Hidden Desires

Dokoupil nos habla de sus preferencias sexuales, el sexo debe ser espontáneo y alejarse de esos comportamientos pequeño-burgueses europeos, pero sus planteamientos no son tan simples como para resumirlo en un estereotipo sexual.

Donald Kuspit lo analiza en profundidad, lo cuestiona y también lo avala en sus planteamientos. Cada cual debería leer ensayo de Kuspit para sacar sus propias conclusiones.
Lo que es incuestionable es la censura del arte y de las redes sociales sobre el desnudo, el sexo y su representación visual. Hay cada vez una vuelta al oscurantismo y hacia una persecución constante.

Me permito publicar una imagen de mi serie Hidden Desires acompañando este texto.

King Princess, una joven artista refleja en las letras de sus canciones sus deseos sexuales.

Clare Strand -PHE19

Clare Strand (1973, Gran Bretaña) es una artista conceptual, trabaja en equipo con su marido Gordon MacDonald formando el colectivo MacDonaldStrand. Nos presenta en esta exposición su serie The Discrete Channel with Noise que se compone de fotografía, pintura y maquinaria e instalación de sonido.
Clare Strand © The Discrete Channel with Noise: Information Source #7, 2018
En este proyecto, Clare Strand trabajó con Gordon McDonald, aunque estuvieron separados físicamente. Gordon eligió 10 imágenes de un grupo de 36, todas con un tamaño estándar, procedentes de periódicos de su colección. Mediante una comunicación telefónica, los Strand trataron de traducir distintos valores tonales de la fotografía a la pintura. Inspirada en la frase del personaje Mike Teavee: “Usted fotografía algo y luego la fotografía se divide en millones de piezas diminutas y salen volando por el aire, y luego bajan a su televisor cuando se juntan en el orden correcto”, de la película: Charlie and the Chocolate Factory, Roald Dahl, 1971. La experiencia de Mike Teavee es uno de los puntos de partida para la exhibición de Clare Strand. El personaje precoz explica el proceso de transmisión de una fotografía. Sin embargo, lo que Mike no puede prever son las complicaciones y las interrupciones que pueden ocurrir en el acto de transmisión. Cuando Mike se transporta a sí mismo a través de ‘Wonka Vision’, se rompe en un millón de piezas, pero cuando se lo vuelve a armar es una décima parte de su tamaño original.
Clare Strand © The Discrete Channel with Noise

The Discrete Channel with Noise – Centre Photographique dlle- de –France 8th April 2018 – 8th July 2018

Lo que nos queda

Desde un tiempo a esta parte estamos asistiendo a el uso masivo de archivos fotográficos que intervenidos forman una propuesta nueva de cada artista. Es una moda, porque no supone innovación. Lo hemos visto desde los tiempos de Aby Moritz Warburg ( 1866 – 1929), posteriormente con la fotografía dadaísta, o el fotomontaje posterior a la Segunda Guerra Mundial. Personalmente prefiero el desafío de aquellos artistas que intentan crear nuevas estéticas personales para el desarrollo de sus obras. Ahora se realizan proyectos artisticos en los cuales las imágenes no se comprenden por el espectador si no es a tráves de un texto. Las palabras se convierten en la parte principal de la obra, y las imágenes en algo complementario, es decir las fotografías han perdido su narrativa visual y se han vuelto indescifrables . En ocasiones la explicación de la idea no cumple las expectivas de la materialización de las mismas, y por tanto se produce una frustración en los receptores de las obras. La expresión de una obra conceptual no debería necesitar de ningún apoyo teórico, cada espectador realiza su propia interpretación. Los artistas en ocasiones son atrapados sus análisis teóricos y se alejan de las emociones necesarias para crear ese punctum en el espectador, que es necesario para conectar con cualquier obra artística.

Susan Bright

la curadora y escritora británica Susan Bright
En el programa de exposiciones y actividades del festival, PHotoESPAÑA ha invitado a la curadora y escritora británica Susan Bright para que sea la invitada de la edición de 2019 del Festival. Bajo el titulo de ¿Déjà vu? se concentra el grupo de exposiciones comisariadas por la británica Susan Bright en la actual edición de PHE. Se apoya en la tradición y la contemporaneidad. “Para la selección aquí hay un retorno a la relación histórica que la fotografía tiene con la pintura y también un cambio en la forma en que alguna vez se consideraron ciertas fotografías, pero ahora se vuelven a proyectar”, afirma Susan Bright. Podremos visitarlas en tres espacios diferentes. Desde el 5/6 al 21/7 y en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez nos encontraremos con las exposiciones de Elina Brotherus, Clare Strand y Délio Jasse. Sharon Core y Laura Letinsky estarán en el Museo del Romanticismo desde el 4/6 al 22/9, y Patrick Pound en el Museo Lázaro Galdiano.

Ramón Masats en la RSF

Ramón Masats © 1985, Madrid

Ramón Masats (1931, Barcelona) es un fotógrafo muy importante de la generación que se agrupó en torno a la revista AFAL en 1956. Sus inicios fueron en 1953 con su reportaje sobre las Ramblas. Después se unió a la Agrupación Fotográfica de Cataluña en la cual se encontró con Xavier Miserachs y Ricard Terré con unas sensibilidades estéticas similares con respecto a la fotografía.

A partir de 1957 se instala Madrid, colaborando con la revista Gaceta Ilustrada. Se hace inseparable de Gabriel Cualladó y Paco Gómez, miembros de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. En ese mismo año se integran en el Grupo AFAL.

Con posterioridad combina las exposiciones de su obra personal con colaboraciones editoriales. Colaboró con Miguel Delibes en la publicación de Viejas Historias de Castilla la Vieja en 1964.
Su pasión por el cine le lleva a la realización del documental “El que enseña” en 1964 que fue premiado en el Festival de Cinematografía de Bilbao. Durante un periodo de diez y ocho años se dedica a la realización de documentales para televisión.

Ramón Masats © 2003 Túnez

Desde 1981 vuelve a la fotografía publicando diversos libros y realizando exposiciones. En 2004 recibe el Premio Nacional de Fotografía.
Ramón Masats es uno de los grandes referentes de la fotografía española de esa generación.

Ironia y Color – Festival Off PHE2019

Hasta el 27 de junio expone en la RSF de Madrid una muestra de su trabajo en color, menos conocido para el gran público, en la cual nos muestra su innovación en el manejo de este soporte. Una exposición muy interesante que refleja la extensión y profundidad de la obra de este autor. A veces en este país valoramos más a fotógrafos extranjeros como innovadores de algo que han hecho ya autores españoles con anterioridad y que su obra no ha sido debidamente difundida con la intensidad que hubiese sido necesaria. La exposición bajo en título “Ironía y Color” ha sido comisariada por Angélica Suela de la Llave y Enrique Sanz y forma parte del Festival Off de PHE 2019.

Ramón Masats © 2003

Hoy 20 de junio a las 19,30h, Ramón Masats será nombrado Socio de Honor de la Real Sociedad Fotográfica, en un acto que se celebrará a la 19.30h, en la calle Tres Peces 2, Madrid.

Elina Brotherus – Playground

PHE – 2019

Elina Brotherus © Flux Harpsichord Concert 2016, 90 x 120 cm After George Maciunas, 12 compositions for piano – for Nam June Paik, Composition no.5: Place a dog or a cat (or both) inside a piano and play Chopin, 1962, and after Flux-Harpsichord Konzert, Akademie der Künste, Berlin, organised by René Block, Sept. 3, 1976

Elina Brotherus (1972, Helsinki) es una prestigiosa fotógrafa que pertenece a la Escuela de Helsinki. Desde hace años viene realizando un trabajo en el que ella se convierte en el sujeto de su obra. Sus series iniciales se podían considerar como relatos íntimos, de sus sensaciones y vida cotidiana, y en algunos casos llenos de dramatismo. Brotherus considera que después de 20 años ya lo ha hecho practicamente todo: se ha fotografiado desde todos los ángulos y posiciones posibles y es el momento de buscar nuevos planteamientos.

Carry a Person to Another Place 2017, 80×106 cm After Merce Cunningham: “Take an object or a person if you want, and transport that object elsewhere, you will see it differently: it’s not the object that changed, it’s the situation.” (From David Vaughan : Merce Cunningham, un demi-siècle de danse, Éditions Plume, 1997)

Bajo Playground como se titula la exposición, se encuenta el cuerpo principal de su serie Règle de jeu (2016-2017), podemos considerar que es un cambio con respecto al trabajo anterior de la artista que se dirige hacia el registro de la performance. Esto supone una liberación, y una ruptura de la artista con respecto a sus trabajos anteriores en los que focalizaba sus obras sobre temas más personales. Trabaja con la bailarina y coreógrafa Vera Nevanlinna. Produce imágenes cómicas, surrealistas y absurdas y se interesa más por el registro del acontecimiento. El nuevo planteamiento parte de la premisa que en el único espacio que adulto puede jugar como un niño es produciendo arte.

Elina Brotherus © Performance Is Cancelled Due To Illness 2017, 90 x 120 cm After Elina Brotherus, Performance is cancelled due to illness, 2017.

En esta serie intenta versionar obras de arte ya realizadas por otros artistas previamente, cuestionando la existencia de la obra única. Considera una nueva forma de abordar el trabajo creativo bajo el planteamiento de convertirse en una estudiante de arte que sigue instrucciones de diversos profesores. De esta forma solo tiene que seguir las sugerencias de otros y realizar los ejercicios. Siguió las instrucciones que John Baldessari dio a sus estudiantes en 1970.

Esta serie fue premiada en la Carte Blanche PMU de 2017. La obra se expuso por primera vez en el Centro Pompidou y, al mismo tiempo, se publicó como monografía en las ediciones Filigranes.

Elina Brotherus ©
Ich male einfach was ich sehe 2017, 60 x 80 cm
After Asta Gröting: Ich male einfach was ich sehe, 1985.

Elina Brotherus es una artista que cuida mucho la realización de sus obras y estas tienen un atractivo estético y narrativo muy evidente para el espectador. Su trabajo es contundente y preciso, y la materialización de sus ideas están a la misma altura que sus planteamientos teóricos. Esto no ocurre con otros artistas que fracasan en ese proceso de materialización. Playground es una de la exposiciones más interesantes de esta edición de PHE. Os dejó el vídeo de su presentación a pesar de la mala calidad del audio por los ruidos de la sala, la calidad no es la adecuada pero merece la pena oír sus explicaciones.

La exposición está comisariada por Susan Bright bajo el título Déjà Vu y también participan los artistas Clare Strand y Délio Jasse. Se expone en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez hasta el 21/7.

Elina Brotherus inauguró ayer la exposición A New Sense of Order en la galería Camara Oscura de Madrid, en la cual presenta algunas obras de sus trabajos anteriores.

Valentín Sama, exposición homenaje organizada por ANEF

Valentín Sama en su estudio, 1984. Hasselblad 500C (fílmica) Rafael Roa ©

Hablar de Valentín Sama (1946, Madrid) es hacerlo de un gran fotógrafo, multidisciplinar y con grandes conocimientos técnicos; especializado en óptica, coleccionista de cámaras, profesor de la Facultad de Bellas Artes y de la escuela EFTI de Madrid.

Los tres amigos aficionados a la fotografía Álvaro Bergol, Pedro Mari Errazquin, Valentín Sama Autorretrato con autodisparador. Kodak Retina 1b (1954) Zurriola / San Sebastián Circa 1960


Comisario de exposiciones, y periodista especializado en el medio fotográfico desde 1983.
En 2004 creó con su blog ‘Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión‘, siendo fundador del portal de fotografía DSLR Magazine, que actualmente se llama Albedo Media.
Su infancia la vivió en San Sebastián, ciudad en la cual, sus años adolescentes transcurrieron entre experimentos químicos en el laboratorio del colegio Alemán y el aprendizaje de la fotografía. También fue –en su juventud– tirador deportivo de precisión del equipo español y piloto de rallyes.

Valentín Sama © ‘Circo de los Muchachos’, 1978, Original Cibachrome. Copia facsimilar 2019


Para mí ha sido un placer contar con su amistad desde 1981, desde aquellos tiempos en los que la fotografía no era considerada un arte; hemos compartido muchos años desde entonces de colaboraciones, acuerdos, discrepancias, confidencias, experiencias fotográficas, y sobre todo, he disfrutado aprendiendo de su enorme conocimiento sobre el medio fotográfico.

Valentín Sama © “Volkswagen repintado”
1978
Original Cibachrome
Copia facsimilar 2019

Siempre le comento, en nuestros paseos matinales, que es una pena que no se pudiese conectar su cerebro a un ordenador como se hace en “Matrix” para salvaguardar su conocimiento para generaciones venideras.

Valentín Sama © 1996 Campo de amapolas


Sama fue quien me enseñó a revelar Cibachrome, ese sistema de positivado directo de diapositivas a papel en color de calidad de museo, que a comienzo de los años ochenta sólo lo hacía un laboratorio en Barcelona y los hermanos Rosón en Madrid, en “El Ojo”; por eso me escandalizo cuando veo, en algún sitio web, que personas cercanas a él se postulan como precursoras de este proceso, cuando no ha sido así.

Valentín Sama © “Pimiento varado” Investigación personal Efecto de intermitencia sobre película Polaroid 669 Obra única 1985

En aquellos años, expuso en la galería Image que codirigí con Pepe Puga y Rafael Ramírez, así como en la Europalia del 85 en Bruselas en la primera muestra de fotografía española en el exterior más importante después de la dictadura.

Valentin Sama © “Piña naufragando en un mar de gelatina”
Investigación personal
Efecto de intermitencia sobre película Polaroid 669
Obra única
1985

En 1996 realizamos juntos el libro del 150 aniversario de Loewe, en el cual por primera vez se utilizaron transferencias de negativo de Polaroid sobre papel en un libro dedicado a la historia de una marca. Sama fue el responsable de la mayoría de esas tomas, dada su pericia con el medio.

Encargo comercial para el centenario de la firma LOEWE
Transferencia a partir de Polaroid 59 en 4×5″ sobre papel Guarro SuperAlfa
Obra única
1996
© Realizado en equipo, Valentín Sama / Rafael Roa

Desde entonces, medios tales como las revista PHOTO, , FOTO Profesional y FV, de la cual fue socio fundador así como posteriormente en su blog, “Acerca de la Fotografía, DSLR Magazine, y ahora Albedo Media han contado con su participación en artículos y excepcionales y minuciosas pruebas técnicas que han ilustrado a todas las personas interesadas en el medio.

Valentín Sama © Encargo para “Don Quijote: Una nueva mirada” (Quinto centenario del Quijote)
2005
Hasselblad SWC (fílmica)
Iluminado a mano con disparos múltiples de flash

Sus alumnos, tanto de la Facultad de Bellas Artes como de EFTI, o de los innumerables talleres que ha realizado a los largo de estos treinta y nueve años de intensa actividad, guardan un recuerdo imborrable de su forma de enseñar.

Circa 1996 Meses aparte: “El sepelio del perro vagabundo” Cámara Mamiya 645 Super (fílmica

En 1995 comisarió una de las más importantes exposiciones de fotografía española que fue itinerante por 25 países de América Latina durante varios años, “El Ojo Crítico/El Ojo Lírico”.

Circa 1996
Meses aparte: “El sepelio del perro vagabundo”
Cámara Mamiya 645 Super (fílmica

Como autor, fue un pionero del color, con una estética minimalista y vanguardista para esos años, en los cuales todavía se producía en la fotografía española un dominio del blanco y negro y de narrativas de fotografía documental.
Sama con la serie que expuso en la galería Image de naturalezas muertas con un lenguaje conceptual, se posicionó en una vanguardia estética y narrativa. Técnicamente eran efectos de intermitencia sobre película Polaroid 669.

Valentín Sama © Polaroid SX-70

La Asociación Nacional para la Enseñanza de la Fotografía (ANEF) inauguró el pasado 29 de mayo la exposición “Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión”. 

Además de esta exposición el día 7 de junio a las 13h, se realizará una charla en homenaje a Valentín Sama, por toda una vida dedicada a la fotografía, como docente, autor, periodista y estudioso del medio.

Este homenaje forma parte del programa del congreso internacional ‘Programa Aprendiendo el futuro. Jornada de estudio y reflexión sobre el futuro de la enseñanza fotográfica‘ que organiza ANEF. El acceso es gratuito, pero se requiere inscripción a estas jornadas –vía Eventbrite– para poder controlar el aforo.

Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión.
Una exposición de Valentín Sama, desde 1950′
Organizada por
ANEF
Comisariada por
Manuel San Frutos
Fecha inicio
29 de mayo de 12019
Lugar
Sala ‘La Trasera’.
Facultad de Bellas Artes de Madrid (UCM)
Calle Pintor el Greco 2, Madrid
Precio
Entrada gratuita

Manuel Zambrana, el fin del tiempo

La muerte de Marat

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Manuel Zambrana (1959, Madrid) nos presenta su nuevo trabajo “La muerte de Marat”, inspirada en el cuadro del mismo titulo que Jean Louis David pintó en 1793 como homenaje a la muerte de su amigo. Marat fue un científico, escritor y poseedor de grandes conocimientos filosóficos, y que abandonó todas estas actividades por su actividad revolucionaria.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Manuel Zambrana © La muerte de Marat (detalle)

Jean-Paul Marat pertenecía al ala más radical de los jacobinos y participó activamente en la Comuna de París solicitando que se juzgase a los monárquicos encarcelados y apoyando después su eliminación. Se vio obligado a esconderse en las catacumbas de París donde contrajo una enfermedad de la piel que lo hizo sufrir hasta que fue asesinado por Carlota Corday en julio de 1793.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Manuel Zambrana interpreta la enfermedad de Marat, en sus fotografías nos habla del tiempo, la decadencia, lo efímero de la existencia y de la muerte. Marat y la pintura de Jean Louis David, son una excusa que Zambrana usa para abordar estos temas universales del arte, y que han inquietado a innumerables artistas a lo largo de los tiempos. Manuel Zambrana representa a  Marat con una copa de la cual el liquido que contiene está a punto de derramarse, es la metáfora perfecta del tiempo que se acaba. El color y la iluminación que Zambrana utiliza en esta serie potencia las ideas y sensaciones descritas anteriormente.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

La mirada del personaje expresa la derrota, el sufrimiento, la perdida de toda esperanza, y la perspectiva de que su final se acerca. Guido Ceronetti es su libro “El silencio del cuerpo” expresa su odio por Marat y lo define como un tipo rencoroso, malvado y demagogo trágico. Los sans-culottes de aquellos tiempos le veneraban por su defensa de los más desfavorecidos y su actividad revolucionaria.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Esta serie de Manuel Zambrana se publica por primera vez en mi blog, espero que muy pronto esté incorporada a su web, donde podáis verla más extensamente que en esta primicia que os presento aquí.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Jean Louis David, 1793, La muerte de Marat

 

Eduard Olivella

Eduard Olivella © De la serie Secret Garden

La poesia de las imágenes

Eduard Olivella (1948, Barcelona) es uno de los fotógrafos destacados de esa generación de la fotografía catalana que eclosionó durante la década de los años ochenta, aportando una renovación estética y narrativa con respecto a la generación de Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Catalá-Roca, y Ramón Masats, entre otros.

Eduard Olivella trabajando en su serie Time, fotografía de Mario Vilar.

El trabajo de Eduard Olivella se ha desarrollado en diferentes facetas del medio fotográfico, no sólo la de autor, sino también la de investigador y crítico del medio. Domina la herramienta con maestría trabajando en todos los formatos, con un dominio técnico del cual se sirve para narrar sus historias.

Eduard Olivella © de la serie Secret Garden

La primera vez que me encontré con Olivella si la memoria no falla, fue en la Fotomostra de LLeida de 1982, en la cual conocí su trabajo de Interiores. Posteriormente en 1983 Eduard tuvo la amabilidad de llevarme de Arlés a Barcelona. En aquellos años Olivella estaba desarrollando su serie de la Alhambra.

Eduard Olivella © de la serie Time

Hay una conexión entre la obra fotográfica de Olivella y la literatura, en ocasiones materializa las palabras en imágenes, las llena de sus sensaciones y reflexiones personales. La arquitectura, el paisaje, las naturalezas muertas, e incluso la fotografía conceptual que aborda en la serie Time, realizada en gran formato y Polaroid 55, están presente en su obra, que lo convierten en un buscador infatigable de nuevas formas de expresar en imágenes todo aquello que le inquieta. Cada fotografía siempre se convierte en un retrato del alma del fotógrafo.

Eduard Olivella © de la serie Winter Trip

Eduard Olivella inaugurará su próxima exposición “Eduard Olivella, fotografías, 1970-1985”, en la Galería de Arte & Documentos que se celebrará el día 16 de enero a las 20 h, en la calle Casanova, 136-138, B-3, 08036 Barcelona. Una gran ocasión para acercarse a conocer la interesante obra de este autor. Os recomiendo que visitéis su web.

Lu Guang

El fotógrafo está detenido en paradero desconocido por el régimen de Pekín.

Lu Guang ©

Lu Guang (1961, YongKang, China) es uno de los fotógrafos documentalistas más relevantes de China. Ha recibido múltiples galardones por su trabajo como: el World Press Photo, Henri Hannen, Eugene Smith, National Geographic y el Principe Claus.

Lu Guang ©

Lu Guang ha reflejado en su trabajo el impacto que sufre la población por el desarrollismo salvaje de la industria china, así como los efectos contaminantes sobre el medio ambiente que no tienen ningún tipo de control.

Lu Guang ©

Sus imágenes representan la dureza del problema, y las miradas de los afectados expresan su angustia y desesperación. Esta explotación salvaje de los recursos naturales sin ningún tipo de límites nos llevan a un callejón sin salida de problema medioambiental.

Lu Guang ©

El gobierno chino ha confirmado su detención, la familia no sabe que acusación pesa sobre él, y se encuentra en paradero desconocido desde primeros de noviembre.

Lu Guang ©

Esta detención se suma a otras anteriores producidas por el régimen chino como la del artista Ai Weiwei, que fue detenido durante varios meses y este año ha sufrido la demolición de su estudio en Pekin. El joven fotógrafo Ren Hang se suicidó en 2017 a la edad de 30 años, también había sido hostigado por las autoridades chinas por sus fotografías de desnudos.

Lu Guang ©
The Tianjin Steel Plant, She County, Hebei Province, China. March 18, 2008

El incontrolado liberalismo económico imperante produce efectos devastadores no sólo sobre el medio ambiente, sino sobre la calidad de la vida de las personas. No podemos olvidar que la detención de Lu Guang es un atentado contra su libertad individual y contra la libertad de información.

Lu Guang ©

Si esto es lo que hacen las autoridades chinas con su país y sus ciudadanos que podemos esperar de los medicamentos genéricos que la industria farmacéutica produce en ese país y que sufrimos los consumidores occidentales, porque en ocasiones tienen componentes cancerígenos, y el gobierno se ve obligado a retirar de las farmacias sin ningún tipo de información masiva a los consumidores.

Es necesario que la detención de este fotógrafo no caiga en el olvido hasta su liberación.

Lu Guang ©

Evelyn Bencicova

La inquietante belleza de la pulcritud.

Evelyn Bencicova ©

Evelyn Bencicova (Bratislava, 1992) es una fotógrafa y directora de arte. Sus obras están realizadas con una estética pulcra, inquietante, que se completa en su mayoría con un tratamiento de luces planas, carentes de sombras, contrastes, y con un suave color pastel. La estética de su trabajo es muy reconocible, pero a su vez no podemos evitar comparar la similitud visual con su compatriota Maria Svarboba. Casualmente las dos tienen una web similar, que coinciden incluso en la maquetación y el estilo en la página de su presentación personal.

Evelyn Bencicova ©

Aunque la obra de Evelyn Bencicova me resulta mucho más inquietante y misteriosa; incluso algunos de sus trabajos tienen un punto de sofisticada transgresión, con imagénes tratadas con una perfección técnica y estética. Bencicova estudió en la Universidad de Artes Aplicadas en Viena, y su formación se hace visible en las estructuras de sus obras.

Evelyn Bencicova ©

Sus obras son puestas en escena, cuidadas hasta el mínimo detalle y con un excelente trabajo de post-producción. Se produce un idilio inmediato entre sus imágenes y el espectador, y es difícil no dejarse atrapar por el misterio de las mismas.

Evelyn Bencicova ©

En su web no hay una separación entre la obra personal y los trabajos comerciales o de fotografía de moda, y en su última publicación para el VOGUE CS, sus imágenes me recuerdan al trabajo de Eugenio Recuenco. No hay un tratamiento creativo diferente entre su trabajo personal y los encargos comerciales.

Evelyn Bencicova ©

De todas formas, su trabajo resulta increíblemente atractivo, conoce perfectamente los secretos de la dirección de arte y consigue unas imágenes libres de grietas o errores. Son obras compactas, que destacan por esa perfección insultante en la materialización de las ideas. Su trabajo comercial, reconocimientos, y exposiciones de sus obras es bastante extenso pese a su juventud. (1)

Visitar su web es de obligada visita.

Evelyn Bencicova ©

Trayectoria

(1) El trabajo comercial y artístico de Evelyn ha aparecido en artistas como Vogue Portugal, Vogue Czechoslovakia, Vogue Korea, ZEIT Magazine, The Gentlewoman, ELLE, Dazed & Confused, GUP, HANT y Metal Magazine. Su trabajo ha sido publicado en prestigiosos libros internacionales de fotografía y en varias plataformas en línea (Juxtapoz, iGNANT.com, Fubiz media) y ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Estocolmo, Londres, París, Berlín, Viena, Milán, Ámsterdam, Praga y Roma.

Evelyn Bencicova ©

(1) En 2016, Bencicova recibió los prestigiosos premios Hasselblad Masters y Broncolor GenNext. También fue seleccionada y premiada por LensCulture, fotógrafo independiente, Gomma Grant, Life Framer y OFF Festival. Su película de moda “Asymptote” (2016), creada conjuntamente con Adam Csoka Keller, recibió el premio “Mejor Nueva Película de Moda” en el Fashion Film Festival Milano 2017, y se presentó en SHOWstudio Fashion Film Awards, el Festival de cortometrajes austriaco-estadounidense. y en A Shaded View on Fashion de Diane Pernet.

Evelyn Bencicova ©

 

Antonio Pérez Río, Obras Maestras

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio Pérez Río (Madrid, 1972) es licenciado en Derecho y diplomado en Educación Social. Tras trabajar más de 10 años como educador y formarse en escritura y fotografía, fundó LENS Escuela de Artes Visuales, escuela que dirige desde entonces. También viene realizando su obra personal como artista.

Con su maqueta Louvre – Art Guide for Cyborgs fue finalista del premio Kassel Fotobookfestival Dummy Award. Seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2016 y en el Primer Encuentro de Artistas de Castilla y León con el mismo proyecto, que fue expuesto por primera vez en el Albert Hall Museum de Jaipur (India, 2017), en el marco del festival Jaipur Photo.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio acaba de publicar Obras Maestras, es una serie en la cual nos muestra el comportamiento de las personas en los museos, cuya adicción y dependencia de los smarthphones, les impide disfrutar de las obras de arte, limitándose a realizar unas capturas de forma compulsiva.

Poseer imágenes en vez de disfrutar de la contemplación de las mismas, y en definitiva de la propia vida. Es una serie muy complicada de realizar por las circunstancias del entorno, el museo, donde la masa se aglomera ante las obras de arte, con el único afán de obtener una buena captura digital de la misma. No ver con sus ojos, sólo capturar. La cámara nos separa de la vivencia.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

La cita de José Saramago de su Ensayo sobre la ceguera que Antonio incluye en su libro es muy acertada para definir estos comportamientos:

<<Creo que nos quedamos ciegos,
creo que estamos ciegos, ciegos que ven,
ciegos que, viendo, no ven.>>

Obras Maestras es un libro que explora, a través de fotografías y textos, la transformación de la mirada humana sobre el arte. Se desarrolla en el Museo del Louvre y propone una nueva versión del canon del arte occidental, a través de su plasmación en las pantallas de los visitantes, que se convierten en un campo de juego simbólico que muestra las tensiones existentes entre las obras, los dispositivos digitales y las personas que miran a través de ellos.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

En palabras de su autor:

“El Museo del Louvre me fascina y aterra a partes iguales. Desde el año 2014 he pasado muchas jornadas en el interior del museo, con mi cámara de fotos y un bloc de notas, intentando reflexionar sobre la experiencia real de los visitantes de uno de los espacios de arte más visitados del mundo, un lugar recorrido por rutas de turismo masivo que se acercan a algunas de las obras más importantes de la historia. Pinturas y esculturas que han sobrevivido varios siglos se enfrentan a personas que visitan el museo por una vez en su vida y renuncian a mirarlas directamente.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

La contemplación ha dejado paso a la captación realizada por todo tipo de dispositivos digitales, auténticos cíclopes que recorren los pasillos del museo almacenando todo lo que ven en su inagotable memoria, generando una nueva manera de ser y estar en el mundo, una transformación de la experiencia del arte que apunta hacia una profunda modificación de la naturaleza humana. El resultado de estos cuatro años de trabajo y más de 500 kilómetros recorridos en las galerías del museo es un libro titulado Obras Maestras: un ensayo sobre los restos de un mundo devorado por sus imágenes.”

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.

Sobre el libro:
Obras Maestras adopta un formato clásico: el catálogo de grandes obras de un museo. Así, la cubierta y el diseño interior del libro están inspirados en un libro de 1951: Art Treasures of the Louvre. Pero el contenido es muy diferente: las obras se contemplan únicamente a través de las pantallas de todo tipo de dispositivos digitales, una experiencia mediada que convierte a lo que se sitúa fuera de ellas en mera periferia, en un escenario desenfocado.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras
Imagenes del libro

Es un libro bilingüe, inglés-español, en el cual el autor nos ofrece un texto titulado <<Un sueño>> en el cual nos cuenta sus impresiones, vivencias y reflexiones al realizar este trabajo. También incluye un guia de las obras maestras que aparecen en las fotografías.
La campaña de difusión del libro ha sido muy creativa e ingeniosa, realizada a través de unos vídeos llenos de humor que podéis ver en el siguiente link.

En definitiva, un trabajo muy interesante que a muchos les servirá de espejo de sus propios comportamientos, y un libro que deberemos tener en nuestra biblioteca.
Es un libro muy interesante y muy cuidado en cuanto a diseño, impresión y encuadernación, y lo podéis adquirir en la web de Obras Maestras.

Luigi Ghirri en el MNACRS

Luigi Ghirri, 1977 Salzburg
© Legado de Luigi Ghirri
Colección Particular, cortesia de Matthew Marks Gallery

Luigi Ghirri (1943-1992, Italia) es uno de los grandes artistas que han usado la fotografía como medio para cuestionar la realidad, a través de imágenes que puedan producir una reflexión en el espectador, entre lo que vemos, lo que representan y su significado.

Luigi Ghirri nació en Scandiano, cerca de Modena en la región de Emilia Romagna. Su campo de trabajo se encontraba en un radio de tres kilómetros cerca de su casa. Utilizaba esta zona para la captura de gran parte de sus fotografías. Trabajó como aparejador y hasta 1973 no se dedicó a la fotografía a tiempo completo.

 <<hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía ; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo>>

Luigi Ghirri (1)

Luigi Ghirri, 1972, Pescara
© Legado de Luigi Ghirri

Fue también un ensayista, pensador, conservador y editor. Amigo del cantante Lucio Dalla colaboró con él en algunas de sus canciones. Era un intelectual y para él la fotografía era una activación del pensamiento. La frase de Giordano Bruno << Pensar es especular con imágenes >> , fue siempre para él una referencia. En 1971 conoce al artista Franco Vaccari y con él explora y debate sobre el papel de la fotografía en el arte contemporáneo.

Criticó el uso masivo de las imágenes en el medio audiovisual como forma de alienación y agresión al espectador defendiendo el uso reflexivo de la fotografía:

<<la fotografia como una imagen necesaria, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes>> (2)

Luigi Ghirri, 1972. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Influenciado por el arte conceptual y experto en fotografía de arquitectura, en contraposición a sus intenciones sobre un estilo propio, ha conseguido que sus obras sean perfectamente reconocibles.

El uso de la sobrexposición, los colores pasteles, el minimalismo narrativo y el lenguaje conceptual constituyen las referencias básicas con las que podemos definir su obra. Usaba el color <<porque el mundo es en color>> en contraposición a los planteamientos de Cartier-Bresson que afirmaba que la fotografía era en blanco y negro y el color estaba destinado a la pintura y a la naturaleza.

En sus reflexiones sobre su serie Fotografie del periodo iniziale. 1970 -1973 Luigi Ghirri afirma lo siguente:

<<Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mi la fotografía es un lenguaje sin código alguno…
El encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la escena de una manera directa…
me he situado ante aquello que quiero representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotografías a laboratorios convencionales. Nunca me han interesado los procesos de maquillaje de la imagen. Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean al mismo tiempo, fotografías>> (3)

Luigi Ghirri, 1973. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Kodachrome 1970 -1978 es su primer trabajo, con una estructura concreta y articulada. Realizaba diversos proyectos a la vez y muchas de las series que veremos en la exposición coinciden en el tiempo. La década de los setenta es una época muy prolífica en el trabajo de Ghirri.

En 1978 se publica Kodachrome, y en 1979 en Parma realiza la exposición Vera Fotografía. En esta exposición se muestran todos los proyectos realizados hasta la fecha: Fotografie del periodo iniziale (1970); Kodachrome (1970-78); Colazione sull’erba(1972-74); Catalogo (1970-79); Km 0.250 (1973); Diaframma 11, 1/125, luce naturale(1970-79); Atlante (1973); Italia ailati (1971-79); Il paese dei balocchi (1972-79); Vedute (1970-79); Infinito (1974); In scala (1977-78); Identikit (1976-79); Still-Life (1975-79).

Luigi Ghirri nos da algunas de sus reflexiones sobre este trabajo, que constituyen una referencia dentro del cuerpo de su obra.

<<Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace de estas fotografías, que no quieren hablarnos de como las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratar de relacionar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad>> (4)

Luigi Ghirri, 1972, Marina di Ravenna. ©Legado de Luigi Ghirri

En el año 2000, se expuso en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid su serie <<Il profilo delle nuvole>>. Este trabajo recoge la interpretación del artista sobre el paisaje. Un interesante texto de Giani Celati titulado <<Comentarios sobre un teatro natural de las imágenes>> , nos ayuda a conocer los pensamientos de Ghirri sobre esta obra. El catálogo se publicó en 1989, tres años antes de la muerte de Ghirri.

En 2015 pudimos ver la obra de Luigi Ghirri en la exposición Construyendo Mundos, en la Fundación ICO de Madrid.

Luigi Ghirri murió prematuramente en 1992, pero su legado es indudable y su obra forma parte del arte europeo contemporáneo, investigar su obra nos da una perspectiva diferente sobre lo que esta ocurriendo hoy con otros autores; y nos demuestra su clara influencia en muchas de las obras que vemos en la actualidad.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Venecia de 2009 el documental <<Deserto Rosa>> basada en la obra de Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, 1972, París. Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

La Exposición

La exposición El mapa y el territorio de Luigi Ghirri se podrá visitar en el MNACRS (Museo Reina Sofía) desde el 25 de septiembre hasta el 7 de enero de 2019. Ha sido comisariada por James Lingwood.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta.
Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color “sin paralelo en la Europa de la época”, según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado. (5)

Luigi Ghirri, 1974, Orbetello
©Legado de Luigi Ghirri

Podemos decir que la exposición que vamos a ver en el MNACRS es una versión de la exposición Vera fotografia que se presentó 1979 en Parma. En el catálogo aparecen los mismos textos de Luigi Ghirri y el mismo orden que acompañaban a las series presentadas en la exposición de Parma. Nos encontramos ante la mayor retrospectiva de este periodo de la obra de Ghirri que se ha hecho con anterioridad en España.
El catálogo es una pieza fundamental para que el espectador conozca con profundidad la obra de este artista tan importante en la última parte del siglo XX.

Luigi Ghirri, 1972, Brest
© Legado de Luigi Ghirri

 

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Citas

(1) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(2) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(3) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 58. editor: MACK. organizador: MNACRS

(4) El mapa y el territorio. Pag 76. Kodachome, Luigi Ghirri.
editor: MACK. organizador: MNACRS (1)

(5) Resumen de la información en la web del MNACRS.

Humberto Rivas, ahora en Mapfre

HUMBERTO RIVAS © 1983, Carlos Pazos

Humberto Rivas (1937 Buenos Aires – 2009 Barcelona) fue un fotógrafo de origen argentino que se afincó en Barcelona desde 1976, donde se instaló para huir del golpe de estado genocida que se produjo en Argentina.

Centraré este post en su etapa española ya que fue la que conocí. Si mal no recuerdo me encontré con él por primera vez en 1982. Con posterioridad, le invitamos a exponer en la Galería Image (1) de Madrid; no recuerdo la fecha exacta pero debió ser en 1984.

Su obra se centra fundamentalmente en el retrato, el cual era muy directo, logrando una perfecta complicidad con los personajes que fotografiaba, dotando a sus imágenes de una gran autenticidad y fuerza expresiva.

Su obra, como él mismo reconocía tenía influencias de Richard Avedon y Diane Arbus, era difícil en esa época aislarse de estéticas tan poderosas como la de estos autores; a pesar de todo Rivas consiguió hacer una obra de autor y reconocible por todos. En 1999 fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía.

El 21 de septiembre se inaugura en la sala de Mapfre de Barbara de Braganza (Madrid) una exposición retrospectiva que podrá visitarse hasta el próximo 5 de enero. Con más de 180 obras y material de archivo, suponemos que será una exposición muy interesante para poder conocer la obra de Rivas con una cierta profundidad.

HUMBERTO RIVAS © 1979 Maria

Opiniones Exageradas

En la nota de prensa de la Fundación Mapfre y en su web se dice textualmente: <<Humberto Rivas (1937-2009) fue un autor fundamental para el desarrollo de la fotografía en España a partir de la primera mitad de los años setenta, cuando llegó a Barcelona procedente de Argentina. Con él se produjo una renovación del medio, contribuyendo a su consideración como un lenguaje artístico de pleno de derecho.>>

Honestamente creo que es una exageración considerar que Humberto Rivas fue un autor fundamental para el desarrollo de la fotografía en España. Fue un autor importante como otros muchos de esa generación tan rica y creativa de los años ochenta.

Tampoco con su obra se produjo esa renovación, ni fue fundamental para que la fotografía fuese reconocida como arte en este país. Puedo citar una amplia lista de autores de esa generación con una obra al menos tan importante como la de Humberto Rivas.

No es necesario exagerar ni afirmar cosas que no se ajustan a lo que realmente sucedió en aquellos años. El reconocimiento de la fotografía como arte en este país se debe al trabajo de generaciones de fotógrafos, galeristas, editores, responsables de instituciones culturales, etc., que han luchado para que nadie cuestione hoy que la fotografía es una herramienta más del arte contemporáneo.

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(1)
Galería Image de Madrid. Fundada por José Puga, José Mª Castillo, Rafael Ramírez, y Rafael Roa.
Periodo de actividad: 1983-1985.
Exposiciones de la galería:
Gabriel Cualladó, Ángel Sanz, Eva Rubinstein, Jim Bensgton, Miguel Oriola, América Sánchez, Valentín Sama, Humberto Rivas, Manolo Laguillo, Tony Catany, Klaus Frahm entre otros.

Ricard Terré, Exposición Retrospectiva.

Ricard Terré © 1956

La Sala Canal de Isabel II presenta esta exposición dedicada a Ricard Terré, (1928, Sant Boi de Llobregat – 2009, Vigo), es uno de los grandes nombres de la fotografía española; miembro del Grupo AFAL cuyo trabajo contribuyó a la renovación de la fotografía española de mediados del siglo XX.

La exposición que se inaugura el viernes 7 de septiembre sigue la senda de las exposiciones realizadas con anterioridad a miembros del Grupo AFAL como Gabriel Cualladó y Paco Ontañón, que pudimos ver también en esta misma sala.

Toda su obra se concentra en unos 300 rollos de 35mm, reflexivo en la selección de los instantes, ha sabido reflejar momentos llenos de poesía, magia, fuerza y sentimientos. Ricard Terré afirmaba que: “La fuerza de la fotografía está en reflejar un acontecimiento irrepetible”. Saber capturar lo efímero de la vida desde un punto de vista poético y alejado de la crónica diaria.

Ricard Terré ©

La exposición

La muestra, comisariada por la historiadora Laura Terré, recorre la trayectoria del fotógrafo, cuya producción puede dividirse en dos periodos diferenciados: de 1955 a 1969 y de 1982 a 2005. 

Sin embargo ni su estilo ni sus motivaciones sufrieron variación en el lapso de tiempo que abandonó la fotografía. En el segundo periodo Galicia es el territorio de su búsqueda: las romerías ancestrales, las fiestas paganas y las procesiones de Semana Santa que le llevaron a cruzar la raya de Portugal en pos de su autenticidad.

Esos lugares y esas gentes le animaron a seguir experimentando la plástica rotunda del blanco y negro así como la expresión de lo humano a través de los seres que le salían al paso: niños de todas las clases sociales, gente de las aldeas, jóvenes embriagados en las fiestas, mujeres poderosas en el trabajo.

Hay tres elementos que se imponen como categorías para agrupar sus imágenes, aparentemente tan dispares y distantes.

Tres caminos que se trenzan en la obra de Terré como en una encrucijada, saliendo y entrando de sus series y atravesando los territorios fotografiados: el reinado de los niños, la celebración de los días que corren cada uno con su afán, y la muerte, esa presencia sombría que es preciso conocer.

La exposición se podrá visitar del 8 de septiembre al 11 de noviembre en Sala Canal Isabel II Madrid. Podéis ver un vídeo muy interesante en el que Ricard Terré nos habla de su trabajo en el siguiente link.

La exaltación de lo vacuo

Martin Parr © Magnum GB. Scotland. Glasgow. Fairy cakes. 1999.

Estamos viviendo una época en la cual para poder establecer un análisis profundo sobre lo que está sucediendo en la relación entre el uso las imágenes y los espectadores tenemos que recurrir irremediablemente a los textos de Jean Baudrillard. Todo es visible, consumimos imágenes velozmente y de igual forma las olvidamos.

Estamos atrapados por los dispositivos smartphones que se han convertido en el becerro de oro al que adoramos y damos culto cada día. Estar comunicados, informados, ver a través del dispositivo todo aquello que consideramos una información necesaria para seguir viviendo, producir imágenes para compartir nuestras vidas con el mundo, si no somos visibles no existimos.

Las exposiciones de arte deben establecer una relación con el espectador, el cual puede conectar o no con la obra expuesta. Hasta aquí todo es normal. Lo que es curioso es la forma en la cual se presentan las obras en algunos espacios expositivos. Diseñar y maquetar una exposición es similar a la maquetación de un libro.

Se trata de ordenar el contenido para que los espectadores tengan una lectura coherente con la intención del artista y la obra expuesta. Ahora bien, cuando se trata de una exposición colectiva, los comisarios son los responsables de dar forma a la exposición desde el punto de vista narrativo y conceptual. Hoy en día se han convertido en “los intocables” del mundo del arte, los sumos sacerdotes que se encargan de dirigir el ritual.

Apostar por el caos puede ser muy valido cuando se tiene una intención rupturista y de transgresión, algo ya en desuso en el arte actual dominado por el mercado, que dirige el espectáculo según sus intereses.

El caos como ocultación de la falta de contenido, el uso de las imágenes como si se tratase de un revoltijo de productos en rebajas, esperando que los espectadores se avalanchen sobre ellas con las misma voracidad y entusiasmo que en unos grandes almacenes.

Es evidente que se idolatra la forma en que se consumen las imágenes en las redes sociales y se imita y su forma de exhibición.

Duchamp y el arte contemporáneo

Esta reflexión no es nueva ya que Duchamp afirmaba lo siguiente en relación con el arte contemporáneo: “La totalidad del mundo del arte ha alcanzado un nivel tan bajo, ha sido comercializado hasta un grado tal, que el arte y todo lo que tenga que ver con él se ha convertido en una de las actividades más triviales de nuestro tiempo.

El arte en estos tiempos se ha hundido hasta uno de sus más bajos niveles en la historia, seguramente incluso inferior al de finales del XVIII, cuando ya no había gran arte, sino pura frivolidad. En el siglo XX el arte está jugando un papel de puro entretenimiento, como si viviéramos una época divertida, ignorando todas las guerras que experimentamos como parte de lo que somos”. (1)

¿Alguien se acuerda hoy en día del significado de tomar partido, comprometerse o ser fiel a unas ideas?

Y los comportamientos de los artistas en el proceso creativo, podemos empezar a analizar lo que hacen unos y otros y comprobar que ya “el plagio” no produce ningún rubor en quién lo práctica.

Es simplemente un reflejo de la falta de ética política y social, de los usos y costumbres que se producen desde la pirámide del poder hasta su base.

Si el poder se apodera del dinero público como nos vamos a escandalizar por unos cortas y pegas en tesis doctorales, libros o plagios en las obras de arte. Al fin del al cabo hay que estar a la última y se trata de buscarse un hueco en el templo de lo “cool”.

Se ve claramente quienes son los imitadores y de que teta han mamado, sólo tienes que tener un mínimo de cultura visual para darte cuenta, pero la mayoría lo digiere como si de algo novedoso de tratase. En este país los imitadores de Martín Parr surgen como setas en otoño.

En definitiva, no sirve de nada los textos que se han escrito, ni las reflexiones que se han hecho con anterioridad, de hacía dónde debe dirigirse el arte como expresión individual y representación colectiva de una sociedad, como forma de participación de los productores y receptores de las obras, y como forma de compromiso colectivo. La exaltación de lo vacuo está en su edad de oro, aunque toda situación es susceptible de empeorar.

Acabo este post con una reflexión de Jose Luis Brea:

Es en última instancia tarea del arte iluminar el lugar -el espacio de la representación- desde el que podría realizarse ese trabajo de fundación de las nuevas formas de cultura que permitirían al hombre, a la humanidad, reconciliarse con su existencia.

Esto significa: acertar a darse una adecuada auto representación -como precisamente aquel ser que tiene esa tarea por misión. El conocer-se y saber algo de sí; merecer ostentar con dignidad el inalcanzable pero irrenunciable rango de verdadera humanidad. (1)

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(1) José Luis Brea: Un ruido secreto.
El arte en la era póstuma de la cultura. Murcia: Mestizo, 1996

Javier Viver en Camara Oscura

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris

Javier Viver (Madrid, 1971) es escultor, fotógrafo y autor de fotolibros. Su trabajo se debate entre el documental y la ficción como medios de aparición de lo invisible. De esta forma se define este artista que nos presenta en la galería Camara Oscura de Madrid su visión del famoso archivo fotográfico del hospital parisino La Salpêtrière.

Su construcción se debe a Luis XIV que le encargó el proyecto al artquitecto Liberal Bruant en 1656. Durante el siglo XIX y bajo la dirección del neurólogo Jean Martin Charcot convirtieron este hospital en uno de los más reconocidos en salud mental. Bajo su dirección se realizó este archivo fotográfico de los pacientes entre 1875 y 1918.

Javier Viver / Instalación
Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

La Salpêtrière

“Pero en esta operación, el uso de la fotografía propició la incorporación del espectáculo y con el toda una trama de complicidades entre los pacientes y sus fotógrafos.

El espectáculo de La Salpêtrière se hizo teatro de variedades en las sesiones de los martes, ante una concurrida representación de las élites culturales y científicas, mediante la inducción por hipnosis de contorsiones, crisis epilépticas y ataques de histeria, el registro y exposición de gabinetes de curiosidades y rarezas biológicas, fenómenos y monstruos.

El resultado fue un archivo fotográfico sin precedentes, testigo de la época colonial, realizado con la intención “panóptica” del régimen disciplinario y documento sistematizado de los límites del alma humana.”

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver reinterpreta el archivo, agrupando las imágenes en una clasificación fotográfica de desnudos, retratos, fotografías de detalle de los cuerpos de los pacientes, y nos sumerge en un viaje al pasado, en el cual nos podemos imaginar las sesiones fotográficas o las relaciones entre los pacientes y aquellos fotógrafos que captaban sus miradas perdidas o sus cuerpos deformes.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Este  fotolibro fue premiado en 2016 por el Ministerio de Cultura como el Mejor Libro de Arte. Ahora bajo el titulo de “Archivo de lo Inclasificable” presenta su trabajo en la galería Camara Oscura, en una pieza que es un “archivador de artista” en el cual se encuentran esas miradas perdidas de los pacientes de ese hospital. Reinventar las historia, alejarse del uso puramente científico que tuvieron en su día esas imágenes, y enfrentarlas con el espectador; que de forma aleatoria va abriendo esos cajones.

Las imágenes siempre nos transmiten emociones, las sensaciones que nos pueden producir estas fotografías sacadas del aquel contexto para el que fueron realizadas, y con miradas del siglo XXI, les otorgan frente a nuestros ojos un nuevo significado ciento cuarenta y tres años después.

En la web de Javier Viver tenéis toda la información del fotolibro y también podéis descargar el pdf del mismo. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de julio, y está incluida en el Festival OFF de PHE 2018.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Graciela Iturbide en Alcobendas

Graciela Iturbide © 1969

Graciela Iturbide (México, 1942) es uno de los grandes nombres de la fotografía mejicana. Ha realizado un trabajo de carácter documental pero con grandes dosis de poesía. Sus imágenes son evocadoras, llenas de una belleza plástica y emocional que impactan profundamente con el receptor de las mismas. Alumna de Manuel Álvarez Bravo moduló su forma de fotografiar alargando el tiempo en su forma de plantear su acto fotográfico.

La calma, la pausa, la contemplación y las metáforas aparecen en su extensa obra que ido paralela a su vida. Su obra ha sido expuesta en los museos más importantes del mundo, obteniendo grandes premios entre los que destaca el Premio Hasselblad en 2008.

Estará en Alcobendas en miércoles 23 de mayo para dar una clase magistral en el Centro de las Artes, y con posterioridad inaugurar su exposición con motivo del Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas que le fue otorgado en 2017. Por motivos de agenda se ha retrasado su presencia en Alcobendas hasta hoy.

Graciela Iturbide © de la serie Seris

El Premio

El jurado reconoció de manera especial la forma de abordar con firmeza y claridad los sistemas socioculturales de la cultura mexicana en toda su dimensión. En cada uno de sus trabajos encontraron narración, intimidad, magia y sobre todo franqueza, experiencias únicas e irrepetibles a través de sus complicidad en sus propuestas visuales.

Por todos estos valores y de forma unánime el jurado, compuesto por:

Pablo Juliá (Editor gráfico y exdirector del CAF Centro Andaluz de la fotografía), Margarita Sánchez (Coleccionista), Juan Manuel Castro Prieto (Fotógrafo, Premio Nacional de fotografía 2015), Laura Revuelta (Redactora Jefe de ABC Cultural), Belén Poole (Coordinadora del Centro de Arte Alcobendas), José Mª Díaz-Maroto (Conservador de la Colección de Fotografía Alcobendas) e Ignacio García de Vinuesa (Alcalde de Alcobendas) y actuando como secretaria del Mismo Yolanda Sanchís (Gerente del Patronato Socio Cultural del Ayuntamiento de Alcobendas), determinó otorgar el Premio Internacional de Fotografía Alcobendas en esta quinta edición a Graciela Iturbide.

Graciela Iturbide © La señora de las iguanas

La exposición

La exposición recorrerá su extensa trayectoria. Setenta fotografías nos mostrarán sus imágenes más icónicas. Tendremos una completa visión de los trabajos del desierto de Sonora, Juchitán, las matanzas, de cabras, los pájaros, el baño de Frida, sus viajes y autorretratos.

Esta exposición ha sido comisariada por José María Díaz-Maroto y Belén Poole. Es una ocasión para ver y oír a esta autora imprescindible de la historia de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

Graciela Iturbide © Autorretrato 1979

Graciela Iturbide © Carnaval

Lo Irreversible

Rafael Roa © 2018, Off Limits

Lo efímero, ese concepto inasible siempre me ha obsesionado en relación con la vida y la fotografía. Es imposible detener el tiempo y por tanto el acto fotográfico captura el pasado inmediato. La fotografía está ligada al pasado, a los recuerdos, y a la huella. El tiempo nos hace sentir la fugacidad de la vida, y hemos tenido la necesidad de que la fotografía nos permita ver quienes ya no somos y la transformación de los lugares que conocimos.

Igual que la memoria va borrando con el paso del tiempo los rostros de aquellos a los que amamos, hemos perdido la nitidez del recuerdo, la memoria del tacto de su piel, y el sonido de su voz, Sólo la fotografía nos recuerda como eran, porque con total seguridad el tiempo habrá dejado en sus rostros una huella equivalente al paso de los años.

La fotografía reflejo del tiempo y el pasado inmediato nos ayudan a gestionar nuestros recuerdos, sacando de las cajas, esas imágenes antiguas que nos mostrarán a alguien que ya no existe. Ese encuentro entre la imagen del pasado y nosotros mismos es un choque emocionalmente fuerte. La imagen de la fotografía ya no nos representa, las huellas de nuestra decadencia nos han transformado en otra persona completamente diferente.

El proceso es irreversible, igual que el acto fotográfico que no consigue materializar la imagen latente en un negativo.
Lo efímero define la imposibilidad de detener el tiempo para poder disfrutar de los instantes felices que desearíamos convertir en eternos. La fotografía sólo nos muestra el pasado, por eso nos cautiva y nos seduce, es la única forma que tenemos de materializar lo vivido.

Rafael Roa © 1994, Polaroid 50×60

Gabriel Cualladó

Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó (Massanassa, 1925 – Madrid, 2003) es uno de lo los fotógrafos más importantes de la fotografía española que pertenece a la generación de la posguerra. Miembro de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid desde 1956, y del Grupo La Palangana y AFAL.

Podemos considerar que fue autor destacado de esa generación de artistas que formaron los cimientos del desarrollo de la fotografía española en la segunda mitad del siglo XX. Gran amigo de Paco Gómez, ejerció de fotógrafo aficionado durante toda su vida, teniendo una mirada privilegiada para reflejar todo aquello que quería retener con su cámara. Retratos, instantes efímeros de la vida, su entorno familiar y los viajes fueron entre otros los temas que desarrolló.

Fue un fotógrafo con una gran cultura visual, compraba revistas en el extranjero, y procuraba estar informado de las tendencias de la fotografía, investigaba y trabajaba con pasión. En 1962, viaja a París con un grupo de fotógrafos españoles invitados por el Ministerio de Cultura Francés para hacer un reportaje de la ciudad. Allí surge la mirada moderna del artista realizando un reportaje que supuso una ruptura estética y narrativa con la forma en la cual se fotografiaba en este país.

Su mirada está a la altura de los trabajos que William Klein realizaba en aquellos años. Tuve la suerte de ver parte de aquellas fotografías en 1980, en el estudio de Pepe Puga. Con posterioridad, Pepe Puga, Rafael Ramírez, y yo fundamos la Galería Image en Madrid e inauguramos con una exposición de Gabriel. Era un hombre cercano que como otro grande de esa generación Paco Gómez influenciaron de forma decisiva a mi generación.

En sus imágenes podías percibir esas sensaciones intensas que recibes cuando un fotógrafo lo entrega todo en el acto fotográfico. Eso es recibido por el espectador, y ese es el Punctum del que nos hablaba Roland Barthes. Gabriel Cualladó comentaba que sus negativos cabrían en una caja de zapatos, muchos creemos que es una exageración.

Exposición

En la excelente retrospectiva de su obra, comisariada por Antonio Tabernero, sitúa este periodo de su obra entre los años 1956-1994.

Podemos ver a un Gabriel Cualladó en plenitud creativa con imágenes directas, intimistas, que inmediatamente producen esa relación emocional intensa, y a la que se vuelve con calma y reposo para disfrutar de la composición, el claro oscuro y las miradas de sus personajes. Hay melancolía y desesperanza, las calles destruidas, los rostros desgastados por el tiempo y una falta de futuro subyacen en el ambiente.

En los años 1980-81 realiza su serie del Rastro madrileño, un trabajo lleno de silencios y fuerza narrativa. El claroscuro sustenta la base estética de las obras. En 1994 se le otorga el Premio Nacional de Fotografía. Ahora tenemos la oportunidad de ver una excelente retrospectiva de su obra en la sala del Canal de Isabel II en Madrid hasta el próximo 29 de abril. El catálogo es imprescindible.

Gabriel Cualladó, 1968, El Fitu

Gabriel Cualladó, 1958, Clemente

Autorretrato, 1956

Ellen Kooi, Elements

Ellen Kooi © Wijk – mountains 2018

Ellen Kooi ( 1962 Leeuwarden, NL) es uno de los talentos de la fotografía holandesa y su obra se encuadra dentro de la corriente del realismo mágico. Hemos tenido la ocasión de ver su obra en múltiples ocasiones en nuestro país. En octubre de 2014 los alumnos de PIC.A pudieron asistir a una visita guiada de la autora en su exposición retrospectiva que se celebró en el Centro de Arte de Alcobendas.

De nuevo en Madrid, inaugurará su exposición “Elements” el próximo viernes día 9, en la galería Camara Oscura. En esta nueva serie sigue utilizando a los niños como personajes de sus fotografías, con una puesta en escena magistral ofreciendo al espectador que encuentre su propia interpretación a sus obras. Sus imágenes son misteriosas, estéticamente bellas y poseen una seducción a la cual es imposible resistirse. Por lo tanto debemos anotar en nuestra agenda esta exposición como imprescindible.

Ellen Kooi nos habla de sus obras en los siguientes términos: “Se pueden ver mis imágenes como enigmas sin resolver pero eso sería una forma de pensar demasiado ‘lógica’, como si tuviera que haber una respuesta para todo. No existe una única respuesta a una narración.

Lo que a mí de verdad me importa es que las historias que cuento sobre el cuerpo, su fuerza y vulnerabilidad, encuentren eco en las experiencias personales del espectador. Mis narraciones tienen finales abiertos y yo las presento de manera que cada uno pueda imaginar sus propias historias y encuentre sus propias respuestas.”

Ellen Kooi © 2016 Haarlem – Wies

Ellen Kooi © 2018 Boskoop – dome 2018

Ellen Kooi © 2017 Nieuwe Meer – surfplank