Clare Strand -PHE19

Clare Strand (1973, Gran Bretaña) es una artista conceptual, trabaja en equipo con su marido Gordon MacDonald formando el colectivo MacDonaldStrand. Nos presenta en esta exposición su serie The Discrete Channel with Noise que se compone de fotografía, pintura y maquinaria e instalación de sonido.
Clare Strand © The Discrete Channel with Noise: Information Source #7, 2018
En este proyecto, Clare Strand trabajó con Gordon McDonald, aunque estuvieron separados físicamente. Gordon eligió 10 imágenes de un grupo de 36, todas con un tamaño estándar, procedentes de periódicos de su colección. Mediante una comunicación telefónica, los Strand trataron de traducir distintos valores tonales de la fotografía a la pintura. Inspirada en la frase del personaje Mike Teavee: “Usted fotografía algo y luego la fotografía se divide en millones de piezas diminutas y salen volando por el aire, y luego bajan a su televisor cuando se juntan en el orden correcto”, de la película: Charlie and the Chocolate Factory, Roald Dahl, 1971. La experiencia de Mike Teavee es uno de los puntos de partida para la exhibición de Clare Strand. El personaje precoz explica el proceso de transmisión de una fotografía. Sin embargo, lo que Mike no puede prever son las complicaciones y las interrupciones que pueden ocurrir en el acto de transmisión. Cuando Mike se transporta a sí mismo a través de ‘Wonka Vision’, se rompe en un millón de piezas, pero cuando se lo vuelve a armar es una décima parte de su tamaño original.
Clare Strand © The Discrete Channel with Noise

The Discrete Channel with Noise – Centre Photographique dlle- de –France 8th April 2018 – 8th July 2018

Lo que nos queda

Desde un tiempo a esta parte estamos asistiendo a el uso masivo de archivos fotográficos que intervenidos forman una propuesta nueva de cada artista. Es una moda, porque no supone innovación. Lo hemos visto desde los tiempos de Aby Moritz Warburg ( 1866 – 1929), posteriormente con la fotografía dadaísta, o el fotomontaje posterior a la Segunda Guerra Mundial. Personalmente prefiero el desafío de aquellos artistas que intentan crear nuevas estéticas personales para el desarrollo de sus obras. Ahora se realizan proyectos artisticos en los cuales las imágenes no se comprenden por el espectador si no es a tráves de un texto. Las palabras se convierten en la parte principal de la obra, y las imágenes en algo complementario, es decir las fotografías han perdido su narrativa visual y se han vuelto indescifrables . En ocasiones la explicación de la idea no cumple las expectivas de la materialización de las mismas, y por tanto se produce una frustración en los receptores de las obras. La expresión de una obra conceptual no debería necesitar de ningún apoyo teórico, cada espectador realiza su propia interpretación. Los artistas en ocasiones son atrapados sus análisis teóricos y se alejan de las emociones necesarias para crear ese punctum en el espectador, que es necesario para conectar con cualquier obra artística.

Susan Bright

la curadora y escritora británica Susan Bright
En el programa de exposiciones y actividades del festival, PHotoESPAÑA ha invitado a la curadora y escritora británica Susan Bright para que sea la invitada de la edición de 2019 del Festival. Bajo el titulo de ¿Déjà vu? se concentra el grupo de exposiciones comisariadas por la británica Susan Bright en la actual edición de PHE. Se apoya en la tradición y la contemporaneidad. “Para la selección aquí hay un retorno a la relación histórica que la fotografía tiene con la pintura y también un cambio en la forma en que alguna vez se consideraron ciertas fotografías, pero ahora se vuelven a proyectar”, afirma Susan Bright. Podremos visitarlas en tres espacios diferentes. Desde el 5/6 al 21/7 y en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez nos encontraremos con las exposiciones de Elina Brotherus, Clare Strand y Délio Jasse. Sharon Core y Laura Letinsky estarán en el Museo del Romanticismo desde el 4/6 al 22/9, y Patrick Pound en el Museo Lázaro Galdiano.

Eugenio Recuenco, 365º

Arte con mayúsculas

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco (Madrid, 1968) expone sus obras de la serie 365º en el CEART de Fuenlabrada, dicha exposición ha sido prorrogada hasta el 20 de marzo. Quizás esta exposición sea lo mejor que hemos podido ver en mucho tiempo. Recuenco que lleva ya muchos años siendo una referencia muy importante de la nueva fotografía contemporánea, da un salto cualitativo muy grande que lo sitúa al primer nivel de los artistas internacionales que utilizan la puesta en escena como forma de abordar su trabajo creativo.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco presenta su trabajo de forma innovadora, una instalación grandiosa, pirámides de imágenes y muros construidos con cajas de luz sumergen al espectador en un espacio sugerente, evocador, que le provoca una abstracción del mundo real. 365º es una obra compleja en su concepción expositiva, este calendario no lineal de imágenes nos invita a disfrutar de la magia de la imaginación de este artista interpretando los hechos, tendencias, referencias culturales del siglo XX y comienzos del XXI. Estas imágenes creadas en soporte fotográfico del siglo XXI no existen hasta que el artista materializa sus ideas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Cada imagen es un regalo adictivo que empuja al espectador al disfrute de un viaje continuo de metáforas visuales, color y narrativa inapelables. Podemos tomar como referencia conceptual, respecto al espacio en el cual ha creado Recuenco sus obras, esa habitación sin vistas con una ventana en el muro izquierdo por el cual entra la luz, con el espacio usado en la serie de retratos “Corner” de Irving Penn. Los dos artistas encierran a sus personajes en un habitáculo creado para la realización de las obras.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

La puesta en escena

La puesta en escena, esa característica de la fotografía desde sus inicios, vilipendiada por Cartier-Bresson definiéndolo como “teatro escenificado” y quitándole la denominación de fotografías. Y sin saberlo, Cartier-Bresson tenía razón porque igual que no valoró la obra de Oscar Gustav Rejlander “Los dos caminos de la vida” de 1857; la excelente puesta en escena de las obras de Eugenio Recuenco, Erwin Olaf, o Gregory Crewdson son arte contemporáneo con letras mayúsculas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Sobre el Premio Nacional de Fotografía

Una última reflexión sobre la lotería que supone el Premio Nacional de Fotografía; es sonrojante ver a algunos de los que tienen este premio, prematuramente y con una trayectoria de escaso y débil recorrido, ver cuales han sido sus trabajos realizados después de que este premio les haya caído del cielo, y comparar la lista de fotógrafos de larga trayectoria y calidad que no lo tienen entre los que incluyo a Eugenio Recuenco.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

A lo mejor están pensando en otorgarle a Eugenio Recuendo el Premio Nacional de Artes Plásticas, nunca se sabe. La buena noticia es que podemos disfrutar de la obra de este artista hasta el 20 de marzo en el CEART de Fuenlabrada.

Imagen de la exposición de Eugenio Recuendo en el CEART de Fuenlabrada.

 

Eduard Olivella

Eduard Olivella © De la serie Secret Garden

La poesia de las imágenes

Eduard Olivella (1948, Barcelona) es uno de los fotógrafos destacados de esa generación de la fotografía catalana que eclosionó durante la década de los años ochenta, aportando una renovación estética y narrativa con respecto a la generación de Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Catalá-Roca, y Ramón Masats, entre otros.

Eduard Olivella trabajando en su serie Time, fotografía de Mario Vilar.

El trabajo de Eduard Olivella se ha desarrollado en diferentes facetas del medio fotográfico, no sólo la de autor, sino también la de investigador y crítico del medio. Domina la herramienta con maestría trabajando en todos los formatos, con un dominio técnico del cual se sirve para narrar sus historias.

Eduard Olivella © de la serie Secret Garden

La primera vez que me encontré con Olivella si la memoria no falla, fue en la Fotomostra de LLeida de 1982, en la cual conocí su trabajo de Interiores. Posteriormente en 1983 Eduard tuvo la amabilidad de llevarme de Arlés a Barcelona. En aquellos años Olivella estaba desarrollando su serie de la Alhambra.

Eduard Olivella © de la serie Time

Hay una conexión entre la obra fotográfica de Olivella y la literatura, en ocasiones materializa las palabras en imágenes, las llena de sus sensaciones y reflexiones personales. La arquitectura, el paisaje, las naturalezas muertas, e incluso la fotografía conceptual que aborda en la serie Time, realizada en gran formato y Polaroid 55, están presente en su obra, que lo convierten en un buscador infatigable de nuevas formas de expresar en imágenes todo aquello que le inquieta. Cada fotografía siempre se convierte en un retrato del alma del fotógrafo.

Eduard Olivella © de la serie Winter Trip

Eduard Olivella inaugurará su próxima exposición “Eduard Olivella, fotografías, 1970-1985”, en la Galería de Arte & Documentos que se celebrará el día 16 de enero a las 20 h, en la calle Casanova, 136-138, B-3, 08036 Barcelona. Una gran ocasión para acercarse a conocer la interesante obra de este autor. Os recomiendo que visitéis su web.

Antonio Pérez Río, Obras Maestras

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio Pérez Río (Madrid, 1972) es licenciado en Derecho y diplomado en Educación Social. Tras trabajar más de 10 años como educador y formarse en escritura y fotografía, fundó LENS Escuela de Artes Visuales, escuela que dirige desde entonces. También viene realizando su obra personal como artista.

Con su maqueta Louvre – Art Guide for Cyborgs fue finalista del premio Kassel Fotobookfestival Dummy Award. Seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2016 y en el Primer Encuentro de Artistas de Castilla y León con el mismo proyecto, que fue expuesto por primera vez en el Albert Hall Museum de Jaipur (India, 2017), en el marco del festival Jaipur Photo.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio acaba de publicar Obras Maestras, es una serie en la cual nos muestra el comportamiento de las personas en los museos, cuya adicción y dependencia de los smarthphones, les impide disfrutar de las obras de arte, limitándose a realizar unas capturas de forma compulsiva.

Poseer imágenes en vez de disfrutar de la contemplación de las mismas, y en definitiva de la propia vida. Es una serie muy complicada de realizar por las circunstancias del entorno, el museo, donde la masa se aglomera ante las obras de arte, con el único afán de obtener una buena captura digital de la misma. No ver con sus ojos, sólo capturar. La cámara nos separa de la vivencia.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

La cita de José Saramago de su Ensayo sobre la ceguera que Antonio incluye en su libro es muy acertada para definir estos comportamientos:

<<Creo que nos quedamos ciegos,
creo que estamos ciegos, ciegos que ven,
ciegos que, viendo, no ven.>>

Obras Maestras es un libro que explora, a través de fotografías y textos, la transformación de la mirada humana sobre el arte. Se desarrolla en el Museo del Louvre y propone una nueva versión del canon del arte occidental, a través de su plasmación en las pantallas de los visitantes, que se convierten en un campo de juego simbólico que muestra las tensiones existentes entre las obras, los dispositivos digitales y las personas que miran a través de ellos.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

En palabras de su autor:

“El Museo del Louvre me fascina y aterra a partes iguales. Desde el año 2014 he pasado muchas jornadas en el interior del museo, con mi cámara de fotos y un bloc de notas, intentando reflexionar sobre la experiencia real de los visitantes de uno de los espacios de arte más visitados del mundo, un lugar recorrido por rutas de turismo masivo que se acercan a algunas de las obras más importantes de la historia. Pinturas y esculturas que han sobrevivido varios siglos se enfrentan a personas que visitan el museo por una vez en su vida y renuncian a mirarlas directamente.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

La contemplación ha dejado paso a la captación realizada por todo tipo de dispositivos digitales, auténticos cíclopes que recorren los pasillos del museo almacenando todo lo que ven en su inagotable memoria, generando una nueva manera de ser y estar en el mundo, una transformación de la experiencia del arte que apunta hacia una profunda modificación de la naturaleza humana. El resultado de estos cuatro años de trabajo y más de 500 kilómetros recorridos en las galerías del museo es un libro titulado Obras Maestras: un ensayo sobre los restos de un mundo devorado por sus imágenes.”

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.

Sobre el libro:
Obras Maestras adopta un formato clásico: el catálogo de grandes obras de un museo. Así, la cubierta y el diseño interior del libro están inspirados en un libro de 1951: Art Treasures of the Louvre. Pero el contenido es muy diferente: las obras se contemplan únicamente a través de las pantallas de todo tipo de dispositivos digitales, una experiencia mediada que convierte a lo que se sitúa fuera de ellas en mera periferia, en un escenario desenfocado.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras
Imagenes del libro

Es un libro bilingüe, inglés-español, en el cual el autor nos ofrece un texto titulado <<Un sueño>> en el cual nos cuenta sus impresiones, vivencias y reflexiones al realizar este trabajo. También incluye un guia de las obras maestras que aparecen en las fotografías.
La campaña de difusión del libro ha sido muy creativa e ingeniosa, realizada a través de unos vídeos llenos de humor que podéis ver en el siguiente link.

En definitiva, un trabajo muy interesante que a muchos les servirá de espejo de sus propios comportamientos, y un libro que deberemos tener en nuestra biblioteca.
Es un libro muy interesante y muy cuidado en cuanto a diseño, impresión y encuadernación, y lo podéis adquirir en la web de Obras Maestras.

Luigi Ghirri en el MNACRS

Luigi Ghirri, 1977 Salzburg
© Legado de Luigi Ghirri
Colección Particular, cortesia de Matthew Marks Gallery

Luigi Ghirri (1943-1992, Italia) es uno de los grandes artistas que han usado la fotografía como medio para cuestionar la realidad, a través de imágenes que puedan producir una reflexión en el espectador, entre lo que vemos, lo que representan y su significado.

Luigi Ghirri nació en Scandiano, cerca de Modena en la región de Emilia Romagna. Su campo de trabajo se encontraba en un radio de tres kilómetros cerca de su casa. Utilizaba esta zona para la captura de gran parte de sus fotografías. Trabajó como aparejador y hasta 1973 no se dedicó a la fotografía a tiempo completo.

 <<hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía ; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo>>

Luigi Ghirri (1)

Luigi Ghirri, 1972, Pescara
© Legado de Luigi Ghirri

Fue también un ensayista, pensador, conservador y editor. Amigo del cantante Lucio Dalla colaboró con él en algunas de sus canciones. Era un intelectual y para él la fotografía era una activación del pensamiento. La frase de Giordano Bruno << Pensar es especular con imágenes >> , fue siempre para él una referencia. En 1971 conoce al artista Franco Vaccari y con él explora y debate sobre el papel de la fotografía en el arte contemporáneo.

Criticó el uso masivo de las imágenes en el medio audiovisual como forma de alienación y agresión al espectador defendiendo el uso reflexivo de la fotografía:

<<la fotografia como una imagen necesaria, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes>> (2)

Luigi Ghirri, 1972. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Influenciado por el arte conceptual y experto en fotografía de arquitectura, en contraposición a sus intenciones sobre un estilo propio, ha conseguido que sus obras sean perfectamente reconocibles.

El uso de la sobrexposición, los colores pasteles, el minimalismo narrativo y el lenguaje conceptual constituyen las referencias básicas con las que podemos definir su obra. Usaba el color <<porque el mundo es en color>> en contraposición a los planteamientos de Cartier-Bresson que afirmaba que la fotografía era en blanco y negro y el color estaba destinado a la pintura y a la naturaleza.

En sus reflexiones sobre su serie Fotografie del periodo iniziale. 1970 -1973 Luigi Ghirri afirma lo siguente:

<<Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mi la fotografía es un lenguaje sin código alguno…
El encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la escena de una manera directa…
me he situado ante aquello que quiero representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotografías a laboratorios convencionales. Nunca me han interesado los procesos de maquillaje de la imagen. Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean al mismo tiempo, fotografías>> (3)

Luigi Ghirri, 1973. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Kodachrome 1970 -1978 es su primer trabajo, con una estructura concreta y articulada. Realizaba diversos proyectos a la vez y muchas de las series que veremos en la exposición coinciden en el tiempo. La década de los setenta es una época muy prolífica en el trabajo de Ghirri.

En 1978 se publica Kodachrome, y en 1979 en Parma realiza la exposición Vera Fotografía. En esta exposición se muestran todos los proyectos realizados hasta la fecha: Fotografie del periodo iniziale (1970); Kodachrome (1970-78); Colazione sull’erba(1972-74); Catalogo (1970-79); Km 0.250 (1973); Diaframma 11, 1/125, luce naturale(1970-79); Atlante (1973); Italia ailati (1971-79); Il paese dei balocchi (1972-79); Vedute (1970-79); Infinito (1974); In scala (1977-78); Identikit (1976-79); Still-Life (1975-79).

Luigi Ghirri nos da algunas de sus reflexiones sobre este trabajo, que constituyen una referencia dentro del cuerpo de su obra.

<<Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace de estas fotografías, que no quieren hablarnos de como las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratar de relacionar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad>> (4)

Luigi Ghirri, 1972, Marina di Ravenna. ©Legado de Luigi Ghirri

En el año 2000, se expuso en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid su serie <<Il profilo delle nuvole>>. Este trabajo recoge la interpretación del artista sobre el paisaje. Un interesante texto de Giani Celati titulado <<Comentarios sobre un teatro natural de las imágenes>> , nos ayuda a conocer los pensamientos de Ghirri sobre esta obra. El catálogo se publicó en 1989, tres años antes de la muerte de Ghirri.

En 2015 pudimos ver la obra de Luigi Ghirri en la exposición Construyendo Mundos, en la Fundación ICO de Madrid.

Luigi Ghirri murió prematuramente en 1992, pero su legado es indudable y su obra forma parte del arte europeo contemporáneo, investigar su obra nos da una perspectiva diferente sobre lo que esta ocurriendo hoy con otros autores; y nos demuestra su clara influencia en muchas de las obras que vemos en la actualidad.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Venecia de 2009 el documental <<Deserto Rosa>> basada en la obra de Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, 1972, París. Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

La Exposición

La exposición El mapa y el territorio de Luigi Ghirri se podrá visitar en el MNACRS (Museo Reina Sofía) desde el 25 de septiembre hasta el 7 de enero de 2019. Ha sido comisariada por James Lingwood.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta.
Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color “sin paralelo en la Europa de la época”, según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado. (5)

Luigi Ghirri, 1974, Orbetello
©Legado de Luigi Ghirri

Podemos decir que la exposición que vamos a ver en el MNACRS es una versión de la exposición Vera fotografia que se presentó 1979 en Parma. En el catálogo aparecen los mismos textos de Luigi Ghirri y el mismo orden que acompañaban a las series presentadas en la exposición de Parma. Nos encontramos ante la mayor retrospectiva de este periodo de la obra de Ghirri que se ha hecho con anterioridad en España.
El catálogo es una pieza fundamental para que el espectador conozca con profundidad la obra de este artista tan importante en la última parte del siglo XX.

Luigi Ghirri, 1972, Brest
© Legado de Luigi Ghirri

 

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Citas

(1) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(2) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(3) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 58. editor: MACK. organizador: MNACRS

(4) El mapa y el territorio. Pag 76. Kodachome, Luigi Ghirri.
editor: MACK. organizador: MNACRS (1)

(5) Resumen de la información en la web del MNACRS.

La exaltación de lo vacuo

Martin Parr © Magnum GB. Scotland. Glasgow. Fairy cakes. 1999.

Estamos viviendo una época en la cual para poder establecer un análisis profundo sobre lo que está sucediendo en la relación entre el uso las imágenes y los espectadores tenemos que recurrir irremediablemente a los textos de Jean Baudrillard. Todo es visible, consumimos imágenes velozmente y de igual forma las olvidamos.

Estamos atrapados por los dispositivos smartphones que se han convertido en el becerro de oro al que adoramos y damos culto cada día. Estar comunicados, informados, ver a través del dispositivo todo aquello que consideramos una información necesaria para seguir viviendo, producir imágenes para compartir nuestras vidas con el mundo, si no somos visibles no existimos.

Las exposiciones de arte deben establecer una relación con el espectador, el cual puede conectar o no con la obra expuesta. Hasta aquí todo es normal. Lo que es curioso es la forma en la cual se presentan las obras en algunos espacios expositivos. Diseñar y maquetar una exposición es similar a la maquetación de un libro.

Se trata de ordenar el contenido para que los espectadores tengan una lectura coherente con la intención del artista y la obra expuesta. Ahora bien, cuando se trata de una exposición colectiva, los comisarios son los responsables de dar forma a la exposición desde el punto de vista narrativo y conceptual. Hoy en día se han convertido en “los intocables” del mundo del arte, los sumos sacerdotes que se encargan de dirigir el ritual.

Apostar por el caos puede ser muy valido cuando se tiene una intención rupturista y de transgresión, algo ya en desuso en el arte actual dominado por el mercado, que dirige el espectáculo según sus intereses.

El caos como ocultación de la falta de contenido, el uso de las imágenes como si se tratase de un revoltijo de productos en rebajas, esperando que los espectadores se avalanchen sobre ellas con las misma voracidad y entusiasmo que en unos grandes almacenes.

Es evidente que se idolatra la forma en que se consumen las imágenes en las redes sociales y se imita y su forma de exhibición.

Duchamp y el arte contemporáneo

Esta reflexión no es nueva ya que Duchamp afirmaba lo siguiente en relación con el arte contemporáneo: “La totalidad del mundo del arte ha alcanzado un nivel tan bajo, ha sido comercializado hasta un grado tal, que el arte y todo lo que tenga que ver con él se ha convertido en una de las actividades más triviales de nuestro tiempo.

El arte en estos tiempos se ha hundido hasta uno de sus más bajos niveles en la historia, seguramente incluso inferior al de finales del XVIII, cuando ya no había gran arte, sino pura frivolidad. En el siglo XX el arte está jugando un papel de puro entretenimiento, como si viviéramos una época divertida, ignorando todas las guerras que experimentamos como parte de lo que somos”. (1)

¿Alguien se acuerda hoy en día del significado de tomar partido, comprometerse o ser fiel a unas ideas?

Y los comportamientos de los artistas en el proceso creativo, podemos empezar a analizar lo que hacen unos y otros y comprobar que ya “el plagio” no produce ningún rubor en quién lo práctica.

Es simplemente un reflejo de la falta de ética política y social, de los usos y costumbres que se producen desde la pirámide del poder hasta su base.

Si el poder se apodera del dinero público como nos vamos a escandalizar por unos cortas y pegas en tesis doctorales, libros o plagios en las obras de arte. Al fin del al cabo hay que estar a la última y se trata de buscarse un hueco en el templo de lo “cool”.

Se ve claramente quienes son los imitadores y de que teta han mamado, sólo tienes que tener un mínimo de cultura visual para darte cuenta, pero la mayoría lo digiere como si de algo novedoso de tratase. En este país los imitadores de Martín Parr surgen como setas en otoño.

En definitiva, no sirve de nada los textos que se han escrito, ni las reflexiones que se han hecho con anterioridad, de hacía dónde debe dirigirse el arte como expresión individual y representación colectiva de una sociedad, como forma de participación de los productores y receptores de las obras, y como forma de compromiso colectivo. La exaltación de lo vacuo está en su edad de oro, aunque toda situación es susceptible de empeorar.

Acabo este post con una reflexión de Jose Luis Brea:

Es en última instancia tarea del arte iluminar el lugar -el espacio de la representación- desde el que podría realizarse ese trabajo de fundación de las nuevas formas de cultura que permitirían al hombre, a la humanidad, reconciliarse con su existencia.

Esto significa: acertar a darse una adecuada auto representación -como precisamente aquel ser que tiene esa tarea por misión. El conocer-se y saber algo de sí; merecer ostentar con dignidad el inalcanzable pero irrenunciable rango de verdadera humanidad. (1)

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(1) José Luis Brea: Un ruido secreto.
El arte en la era póstuma de la cultura. Murcia: Mestizo, 1996

Javier Viver en Camara Oscura

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris

Javier Viver (Madrid, 1971) es escultor, fotógrafo y autor de fotolibros. Su trabajo se debate entre el documental y la ficción como medios de aparición de lo invisible. De esta forma se define este artista que nos presenta en la galería Camara Oscura de Madrid su visión del famoso archivo fotográfico del hospital parisino La Salpêtrière.

Su construcción se debe a Luis XIV que le encargó el proyecto al artquitecto Liberal Bruant en 1656. Durante el siglo XIX y bajo la dirección del neurólogo Jean Martin Charcot convirtieron este hospital en uno de los más reconocidos en salud mental. Bajo su dirección se realizó este archivo fotográfico de los pacientes entre 1875 y 1918.

Javier Viver / Instalación
Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

La Salpêtrière

“Pero en esta operación, el uso de la fotografía propició la incorporación del espectáculo y con el toda una trama de complicidades entre los pacientes y sus fotógrafos.

El espectáculo de La Salpêtrière se hizo teatro de variedades en las sesiones de los martes, ante una concurrida representación de las élites culturales y científicas, mediante la inducción por hipnosis de contorsiones, crisis epilépticas y ataques de histeria, el registro y exposición de gabinetes de curiosidades y rarezas biológicas, fenómenos y monstruos.

El resultado fue un archivo fotográfico sin precedentes, testigo de la época colonial, realizado con la intención “panóptica” del régimen disciplinario y documento sistematizado de los límites del alma humana.”

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver reinterpreta el archivo, agrupando las imágenes en una clasificación fotográfica de desnudos, retratos, fotografías de detalle de los cuerpos de los pacientes, y nos sumerge en un viaje al pasado, en el cual nos podemos imaginar las sesiones fotográficas o las relaciones entre los pacientes y aquellos fotógrafos que captaban sus miradas perdidas o sus cuerpos deformes.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Este  fotolibro fue premiado en 2016 por el Ministerio de Cultura como el Mejor Libro de Arte. Ahora bajo el titulo de “Archivo de lo Inclasificable” presenta su trabajo en la galería Camara Oscura, en una pieza que es un “archivador de artista” en el cual se encuentran esas miradas perdidas de los pacientes de ese hospital. Reinventar las historia, alejarse del uso puramente científico que tuvieron en su día esas imágenes, y enfrentarlas con el espectador; que de forma aleatoria va abriendo esos cajones.

Las imágenes siempre nos transmiten emociones, las sensaciones que nos pueden producir estas fotografías sacadas del aquel contexto para el que fueron realizadas, y con miradas del siglo XXI, les otorgan frente a nuestros ojos un nuevo significado ciento cuarenta y tres años después.

En la web de Javier Viver tenéis toda la información del fotolibro y también podéis descargar el pdf del mismo. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de julio, y está incluida en el Festival OFF de PHE 2018.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Bea Rivas

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Bea Rivas (1976, Madrid), economista de profesión. aborda la fotografía como una herramienta de comunicación y expresión artística. Desde 2015 se forma en PIC.A en los cursos superiores.

Acaba de ganar hace unos días el Primer Premio de ONPhoto Soria y la Beca amateur del Seminario de Fotografía y Periodismo Fundación Santa María de Albarracín, del cual el año pasado también fue finalista. Bea Rivas viene realizando exposiciones y cosechando premios desde el 2010. Su último trabajo Rezoorts es por el cual ha obtenido los galardones mencionados y es el que voy a mostrar en este post.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Sus imágenes están llenas de metáforas visuales, y de preguntas que envía al espectador para provocar una cierta reflexión sobre los temas que plantea. Se alejan del concepto de instantánea y construye con sus fotografías una narración que nos hace cuestionarnos la realidad, la ficción y las causas de todo aquello que nos muestra.

Alejarse de esa forma instintiva de atrapar el momento para establecer una opinión sobre todo aquello de uso cotidiano, que disfrutamos sin cuestionarnos porque se ha convertido en un espacio de ocio y los visitantes en consumidores irreflexivos. La fotografía de Bea Rivas tiene esa belleza sugerente de la poesía visual, sutil y llena de matices que nos cautiva y nos provoca esa sensación que no querer que la contemplación de su obra llegue a sus fin.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

También nos hace cómplices de su ironía que utiliza como arma para establecer una crítica a esos negocios que obtienen grandes beneficios con la excusa de la conservación de las especies. La contemplación de los animales como actividad de ocio y consumo que atrae a grandes masas a esos parques temáticos del cautiverio, dónde los animales se muestran como mercancía.

Este concepto de coleccionismo especulativo se aleja de las opiniones vertidas por Walter Benjamin en su obra de los Pasajes. “El conjuro que intenta el coleccionista busca encerrar en un círculo mágico lo que es el objeto individual, uno que se congela en tanto que un final escalofrío (el de ser adquirido) lo recorre. […] Coleccionar es una forma del recuerdo remitida a la praxis, y es la más terminante entre las distintas manifestaciones profanas de la ‘cercanía’.”

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

La forma de trabajo de Bea Rivas se basa en la planiificación con vista a la elaboración de unas fotografías que expresen el significado que la autora quiere transmitir. No hay nada al azar, tiene muy claro lo que quiere hacer y como lo quiere hacer. Nos encontramos ante una artista que va a dejar su huella dentro de la historia de las artes visuales, ella no lo sabe pero yo si. Os dejo en enlace a su web.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Bea Rivas sobre su obra Rezoorts:

En el siglo XXI los zoológicos se han convertido en grandes estaciones turísticas.
Situados geográficamente en ciudades donde el turismo o las vacaciones representan la mayor parte de la actividad local son gestionados por sólidos grupos empresariales, generalmente de carácter privado, con importantes inversiones económicas y con una intencionalidad lucrativa que funciona en base al modelo capitalista.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Diseñados como parques temáticos a modo de “family entertainments centers” disponen de una linea argumental  claramente definida que les sirve de inspiración; los animales exóticos y en peligro de extinción.

Bea Rivas © 2017 Portada de la maqueta de Rezoorts

Los animales se exhiben mimetizados en paisajes artificiales y ambientes que recrean el hábitat natural de cada especie, unos decorados más propios de la industria del cine, que se sitúan en las antípodas del verdadero que se les niega con el cautiverio.

Bea Rivas © 2017 Interior de la maqueta de Rezoorts

Miguel Oriola, ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola (1943, Alcoy) es uno de los fotógrafos españoles más importantes, con una obra extensa e intensa que deja una huella profunda en el espectador. Desde su trabajo Pensat i fet (1975) hasta hoy nos ha venido sorprendiendo con trabajos cada vez más interesantes. Esta serie fue un adelanto estético y narrativo en un país inundado por la fotografía documental de la generación anterior. En Pensat i fet nos muestra una obra realizada bajo la mirada de la parte por el todo y llena de provocación, en una época miserable y triste que auguraba el fin de la dictadura.

A este trabajo le han seguido muchos otros, cada vez más innovadores y con ese punto de transgresión que caracteriza la obra de este artista. Sus fotografías no dejan indiferente a nadie, son impactos visuales que provocan en el espectador todo tipo de sensaciones. Oriola acaba de publicar su último libro ACTUS (2017), una obra con imágenes que acorralan al espectador y lo dejan sin salida. El caos del mundo es reflejado en sus libros desde ALPHAVILLE, SKETCH 5, SKETCH 7, con una estética de un claro oscuro extremo y que sumergen al espectador en una experiencia trepidante.

Sobre la belleza estética, el orden y desorden podemos recurrir a estas palabras de Alvarado-Planás: Nuestro sentido de la belleza, y nuestra estética por tanto, nos lo inspira la coexistencia armónica del orden y del desorden, tal como existe en los objetos físicos: en las nubes, en los árboles, en las montañas y en los cristales de nieve. Las formas de todas estas cosas son procesos dinámicos que se han realizado en formas físicas, donde coexisten de modo inmanente, combinaciones concretas de orden y desorden. Así, apreciamos y sentimos un mundo gobernado por el caos, y nuestros sentidos se inundan con el desorden que nos rodea.(1)

Es imprescindible este último libro de Oriola, ACTUS que como los citados anteriormente forman el cuerpo de trabajo de su obra en los últimos años. Una obra realizada desde la libertad y el compromiso del autor que nos llenará de sensaciones intensas. El 22 de septiembre Miguel Oriola expondrá ACTUS en Bilbao en la escuela CFC, un evento que no nos podemos perder. A continuación y como primicia os adjunto el manifiesto de Miguel Oriola sobre su este trabajo:

Habitamos el caos, ese lugar donde los hechos y las cosas devienen en su extraño orden, y sin embargo, un lugar propicio para la creación, lleno de resonancias, de sorpresas y lejos de certezas. Me pregunto qué es la fotografía, mientras siento que en mi interior se desencadenan estímulos e impulsos que me hacen actuar cada día en este entorno.

Ando por el mismo cauce donde suceden las cosas, un glorioso torbellino que es la vida, donde lo inesperado y el estupor son elementos esenciales para la acción y la vivencia que se convierte en imagen. Nada mas lejos que el deseo de ordenar ese caos, germen de todas las cosas, con estéticas complacientes, significados forzados, o conceptos rebuscados. Cuando el fotógrafo señala a algo, y no a otra cosa, infiere en el mismo acto fotográfico la intención que conceptuará su expresión.

Para ello es necesario el talento y la memoria inconsciente enriquecida, el mayor caudal de información de todos los tiempos que posee el ser humano a través del instinto. Percibo mi trabajo como una cualidad alucinatoria, que emana de una visión scópica constante, un flujo de emociones que genera imágenes nacidas de la intuición en un acto instintivo que me fusiona al sujeto para siempre.

El fotógrafo debería barrer de la mente los pensamientos racionales, para actuar libre de prejuicios, para poder adoptar una percepción sistémica, que le permita conocer la atmósfera que le envuelve en su entorno y fundirse en ella, convertirse en aquello que va a captar, ser él mismo, el sujeto de su imagen antes de accionar su cámara. Mas aún, debería crear en su interior un lugar de ausencias, un vacío que contuviera todas las posibilidades de infinitas imágenes de perfectas armonías las cuales te buscaran a ti. Mi trabajo está condicionado sobre todo por el grado de relación con el ser humano, individuos que como yo mismo, vivimos almacenando preguntas sin recibir respuestas. Y la fotografía cada día, sólo te proporciona más preguntas. Uno deambula en el lado de la incertidumbre a la espera de una revelación que esperas en cada imagen. Como negar la atracción incontenible de esta dudosa realidad que percibo y que me impulsa a exorcizar en cada imagen lo desconocido y lo profano. Solo soy un viajero en un transito incierto que sigo a la búsqueda de mi mismo en cada fotografía que hago. Miguel Oriola, 2017 ©

Miguel Oriola es una referencia muy importante en la fotografía española, sin embargo no ha sido todavía galardonado con el Premio Nacional de Fotografía que por su trayectoria merece. Esperemos que eso suceda muy pronto. En los siguientes enlaces podréis ver la obra de Miguel Oriola y comprar sus libros y fotografías.

ACTUS

Libros Miguel Oriola

(1)  http://reflexionesmarginales.com/3.0/21-de-la-teoria-del-caos-y-del-desorden-a-la-estetica/

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

 

 

El Triunfo Del Mercado

Alekséi Gan, 1922

Cuando Alekséi Gan escribió el Manifiesto Constructivista en 1922 creía firmemente en que la revolución del arte debería ir en paralelo a los cambios sociales y económicos de la revolución de 1917. Criticaba con dureza a los miembros del partido comunista por su falta de preparación para abordar estos cambios.

En 1941 acabó en una campo de concentración en Siberia donde supuestamente murió. Stalin, unos de los grandes asesinos de la historia acabó con todo aquello que no entendía y que posibilitase cualquier florecimiento del pensamiento crítico que pudiera poner en peligro su liderazgo. Todos los movimientos sociales del siglo XX han sido aplastados de igual forma, se hayan producido en Europa o en cualquier otro lugar del planeta.

Quizás las vanguardias fueron el último soplo de libertad  y de crítica al sistema. Después de todo aquello lo único que se ha producido es un control del capitalismo que ha amansado cualquier expresión artística integrándola en el mercado. El arte en occidente se ha ido convirtiendo en el refugio de inversores dudosos y en una producción de objetos meramente inofensivos.

En el antiguo telón de acero se resumía en el culto al líder y al sistema dictatorial de una cúpula que su único interés era mantener el poder como fuese. En ambos bandos la actitud del poder fue la de eliminar cualquier pensamiento crítico. Hablar de lo banal en el arte contemporáneo es hablar de una generalidad de la producción artística.

Nercado del arte

En el mercado del arte, el filtro es atroz para que nada se les cuele bajo los focos, por lo tanto el poder como siempre ha hecho, ha sometido a las supuestas elites culturales a aceptar sus normas. Podemos sugerir que la ideología triunfante es la estupidez, a la que prestigiosos pensadores le dedican reflexiones sobre la misma y el arte contemporáneo. La estupidez como forma de vivir aletargado.

Uno de los aspectos más enigmáticos del arte contemporáneo es su estupidez. Un punto de partida, sugerido por los análisis de Foucault, Deleuze, Barthes, Bataille, Rosset y Baudrillard, consiste en evitar oponer la estupidez a la inteligencia. La inteligencia no puede dar cuenta de la estupidez. (1)

La estupidez es la expresión simple del idiota que se ha instalado en la masa como la adoración diaria de todo aquello que llaman cool. Es cool todo lo que se incita a poseer o imitar para tener el éxito social, que nos haga entrar en el bienestar económico y nos aleje de un origen humilde que queremos borrar.

La estupidez, la necedad, son lo no-pensado del pensamiento, su parte maldita, su dimensión heterológica. La palabra idiota recoge este sentido, es, al decir de Rosset, aquello “simple, particular, único”, incapaz de reflejarse en el espejo de la inteligencia, de duplicarse en el espacio de lo categorial.

La estupidez carece de doble en el espacio especulativo, como un vampiro, no conoce el estadio del espejo. Impotencia de la inteligencia, en un gesto desesperado, no hará más que reducir, tramposamente, la idiocia  de la estupidez al error, a la falsedad, condenándola sin siquiera haberla visto directamente a los ojos. (2)

Por lo tanto es fácil que triunfe la estupidez, en una sociedad en la cual se oculta el conocimiento y que los contenidos televisivos sirven para alienar a las masas. De nada ha servido la crítica de Nam June Paik al medio televisivo, de la misma forma que de nada sirvió el diario de la guerra (Kriegsfibel, 1955) de Bertolt Brecht para concienciar de los horrores de la Segunda Guerra Mundial.

La poca visibilidad de ambos mensajes y lo alejados que se encontraban del interés de la población por sobrevivir día a día los han hecho invisibles. Por lo tanto el triunfo del mercado de las artes decorativas y la eliminación de cualquier tipo de pensamiento crítico son las características principales del mercado del arte en la actualidad. Todo se puede vender e integrar en el sistema, sólo hay que convertirlo en un objeto de consumo.

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(1) – (2) http://www.henciclopedia.org.uy/autores/FGimenez/EroticaBanalidad.htm

Gabriele Basilico

Gabriele Basilico ©, Milan, 1978

Gabrielle Basilico (Milán, 1944-2013) es uno de los fotógrafos más importantes y que mejor interpreta la iconografía de las ciudades y la narrativa de los espacios. Muy conocido en nuestro país debido a su abundante actividad expositiva, su trabajo representa su visión personal sobre los espacios construidos, habitados y destruidos por el hombre.

Es el Atget de finales de siglo XX y comienzos del siglo XXI. Tenemos la suerte de disfrutar de una gran retrospectiva de su obra en la Fundación ICO. Como viene siendo habitual las exposiciones de esta fundación suelen ser una referencia muy importante del festival PHE, desde la última década viendo siendo así y esperemos que continue.

Esta exposición comisariada por Ramón Esparza, nos permite disfrutar de la obra de Basilico en su conjunto. Hay un interesante extracto del documental realizado por Amos Guitai en el que Gabriele Basilico nos habla de su forma de trabajar, de su obra, de su relación con la luz y el entorno que dificulta siempre obtener un punto de vista preciso.

Ritratti di Fabbriche, Beirut, la Mission Datar y Giovanni Battista Piranesi 

Sus explicaciones sobre la interpretación de los grabados de Giovanni Battista Piranesi y el contraste de estos con sus fotografías contribuyen a entender la obra del gran arquitecto y arqueólogo italiano del siglo XVIII.

Su trabajo técnicamente perfecto y rico en el uso magistral de la perspectiva, refleja en ocasiones la arquitectura olvidada de las ciudades, y a través de sus fotografías adquieren un valor arqueológico incrementado.

Esas huellas que el hombre va marginando por la costumbre y el uso cotidiano de los espacios, y que han perdido importancia con el tiempo, resucitan y adquieren un nuevo interés gracias a la mirada de Basilico.

La exposición transita por los grandes proyectos de Basilico, desde los Ritratti di Fabbriche, Beirut, la Mission Datar y su visión diversas ciudades. El trabajo sobre los restos de la guerra en Beirut en el año 1991 reflejan el silencio y las huellas de la destrucción de la ciudad.

Sus imágenes son gritos silenciosos que expresan todo ese horror sufrido por una ciudad maravillosa que mira al Mediterráneo, y destruida por los intereses de todos aquellos que les incomodaba un Libano tolerante y próspero.

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

Hay que ser muy técnico para fotografiar la arquitectura, pero Basilico sabe descubrir el alma de los edificios, las ausencias, y el punto exacto, en el cual una perspectiva concreta dota de un nuevo significado a esas moles de cemento, cristal y acero, que conforman la piel de las ciudades y su definición colectiva.

El catálogo de la exposición cuidadosamente editado es una publicación que debemos tener como una referencia importante de este autor. Podemos disfrutar de esta exposición hasta el próximo 10 de septiembre.

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

Antoine D’ Agata, la bestialidad

Antoine D’ Agata ©

Antoine D’ Agata

En este mundo sólo la mentira es obscena. La bestialidad como último espacio de libertad, último baluarte contra la virtualidad creciente de lo real. La anestesia de los sentidos, la lógica de una sociedad que designa los objetos y los seres como consumibles, la gestión brutal y la eliminación continua de amplias capas de poblaciones marginalizadas que llevan a las comunidades no productivas al rango de desecho social.

Mecanismos invisibles de una crueldad endémica, innombrable, que devora el mundo y elimina sistemáticamente a los individuos identificados como excedentarios por las lógicas que ordenan los flujos del beneficio. Tabú consensual del genocidio económico contemporáneo, invisibilidad de la organización de producción y consumo sobre la que descansa la democracia liberal.

Formas crueles de alienación social y económica: los individuos se exponen a aceptar que su existencia no tiene ningún valor, que ya no están enfrentados al orden de las cosas sino identificados con él. Reinvención continua de nuevas formas de esclavitud y supervivencia a través de la liquidación de la propia vida.

Coreografía incestuosa y asesina de la locura geométrica del mundo, que atestigua la determinación con que los hombres emprenden la aniquilación de los hombres. Ya no hay espíritu, ni alma, ni lógica, ni sueño, vigilia, sueños, fe o sentimientos.

Ni comienzo ni fin, ni causa ni efecto, tan sólo la ausencia y la exposición en un exterior sobre el que pensamiento no puede tener incidencia.

Disolución del contacto, del consenso, fin del hastío en el vértigo epidémico del vicio como principio de vida, de conocimiento y resistencia.

Imágenes virales matriz del caos que hace de mi devenir un devenir común, reproduzco el mal, lo propago, lo figuro de anonimato en anonimato, de un cuerpo a otro, para sobrevivir al desastre de la vida.

Este es unos de los textos que podemos ver en la exposición de Antoine D’ Agata, está impreso en el poster que los visitantes se pueden llevar. Es una declaración de intenciones por la cual pone en contexto su trabajo y ese cabalgar sin rumbo hacia ninguna parte.

Vivimos en sociedades injustas en las cuales las vidas de las personas no valen nada. Se altera el precio de los alimentos creando hambrunas y la industria de la guerra obtiene grandes beneficios gracias a los conflictos que provocan las grandes potencias. Pero nos escandalizamos con escenas de sexo explícito sin preguntarnos por qué el autor ha elegido ese camino.

Las censuramos y salimos escandalizados de la exposición. Esa es la forma de actuar de una gran mayoría. No miramos a los que nos rodea ni nos inmutamos por las injusticias cotidianas que suceden a escasos metros de distancia. El mundo está dominado por la codicia y la vida no vale nada, el poder se sustenta en una base amplia de sumisos y difamadores dispuestos a todo.

Allí donde otros proponen obras yo no pretendo
otra cosa que mostrar mi espíritu.
La vida es un consumirse en preguntas.
No concibo la obra como separada de la vida.
No amo la creación separada. No concibo tampoco
el espíritu separado de sí mismo. Cada una
de mis obras, cada uno de los planes de mí mismo,
cada una de las floraciones heladas de mi
vida interior echa su baba sobre mí.

Antonin Artaud
El ombligo de los limbos

Laura Carrascosa

Laura Carrascosa Recuero © De la serie Vacío

Laura Carrascosa (1978, Guadalajara) es una artista multidisciplinar que emplea la fotografía, el vídeo y la performance para la realización de sus obras. Su trabajo se puede definir como conceptual y se presenta a través de la realización de unas imágenes muy atractivas que rápidamente captan al atención del espectador. Tanto las imágenes como los vídeos nos seducen y siempre nos quedamos con el deseo de ver más. Sus obras hacen reconocible su trabajo muy fácilmente, con suma facilidad Laura Carrascosa ha creado un estilo propio. Su primer proyecto “Vacío / Void” (2014) se expuso en Madrid en 2015 y se compone de 35 fotografías y una vídeo performance.
Laura nos habla sus obras en los siguientes términos:
Vacío, actualmente figura, entre otras definiciones, como “Falto de contenido físico o mental “en el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, pero en la actualidad están surgiendo otras descripciones entorno a ella vinculadas al consumismo, perfección, placer y  anulación del esfuerzo valor de lo inmediato. Del mismo modo, según algunos investigadores, está relacionada con fobias y enfermedades como los trastornos de alimentación presentes en nuestra sociedad. El proyecto “Vacío” nace a partir de una experiencia vinculada a diversos de estos roles/factores sociales existentes, teniendo la necesidad de crear este proyecto en un lavadero, lugar donde las mujeres podían hablar con libertad y manifestarse como eran realmente. La finalidad de “Vacío” es generar en el espectador lo que es, un sentimiento de perdida, desorientación, caos, desequilibrio, equilibrio y finalmente de superación.
La primera exposición de Vacío se hizo en el lavadero público de Val de San García (Guadalajara). Para la artista es importante haber realizado la primera exposición en el lugar donde se gestó el proyecto.

El proyecto “¿Qué lugar ocupo yo?” (2015) lo he querido basar en el poema: “Un señor maduro, con una oreja verde”. Gianni Rodari. En él hago referencia al sistema educativo actual, sistema que no trata la individualidad, sino la masa, olvidando el cultivo y desarrollo de la creatividad, de la curiosidad y valores tan importantes como la empatía, el trabajo en equipo ..etc, en definitiva, el respeto a las diferencias individuales como factor enriquecedor de la sociedad.
El niño/a continua, en hogares y escuelas, siendo un sujeto pasivo, que debe alcanzar de igual manera, unos conocimientos, que no son fundamentados desde su investigación y descubrimiento, sino que son dados magistralmente para una memorización que quedará en el olvido, al no ser aprendizaje significativo. La educación es un reflejo de la sociedad actual, una sociedad mayoritariamente competitiva, egoísta, que no tiene en cuenta los sentimientos ni emociones que los actos producen sobre los demás.
La serie ¿Qué lugar ocupo yo? se compone de 11 fotografías de color y una vídeo performance.

Rumores (2016) es una obra que nos habla de la difamación y de las etiquetas que nos ponen en el ámbito social. Se compone de 20 fotografías de color y una vídeo performance. Es una artista que tendremos que tener muy en cuenta en los próximos años. En este enlace podréis ver vídeos de estos trabajos.

Laura Carrascosa Recuero © de la serie ¿Qué lugar ocupo yo?

Laura Carrascosa Recuero © 2016, de la serie Rumores

Huir De La Farsa

Rafael Roa © 1990 Polaroid SX-70, Dino

Rafael Roa © 1990 Polaroid SX-70, Dino

Huir de la mediocre bacanal de las apariencias a la velocidad del rayo, como si se tratase de la llegada inminente de la peste bubónica. Alejarse de ese festín exhibicionista de los diletantes y defender a toda costa tu espacio y tu tiempo. El tiempo, ese gran tesoro fungible e irreversible, como el acto fotográfico que los autómatas realizan sin pensar. Lo efímero como gran tesoro y el silencio en contraposición a las estupideces.

Alejarse de esa fauna tóxica de delatores, cobardes y mediocres que se ocultan en la difamación de la denuncia anónima. La selva de las redes sociales en la cual todos estos sujetos intentar obtener la atención que su escasa capacidad intelectual merece.

La ausencia de noticias es una bendición para el disfrute intenso del día. Sumergirse en los libros y en el desarrollo de las ideas y disfrutar de aquellas personas que me estimulan y me enriquecen. No tengo tiempo que perder y tengo muy claro qué hacer con mi tiempo.

 El poeta Caballero Bonald me indica el camino <<somos el tiempo que nos queda>>. No quiero sentir miradas que no quiera ver, ni palabras que no quiera oír o leer. Entiendo perfectamente a aquellos que pueden alejarse del circo de las relaciones y las grandes ciudades, y observo la mirada llena de paz de Robert Frank en su casa de campo; la expresión en sus ojos se debe adquirir cuando uno deja de estar hostigado por ese infinito ejército de histriones.

Liberarse de servidumbres inservibles y disfrutar de todo aquello que me enriquece y me hace feliz. Ese es el camino.

La Egolatría Y La Ética Del Trabajo

Lewis Baltz ©

Lewis Baltz ©

Vivimos unos tiempos en que los que quieren tener éxito o creen haberlo alcanzado proclaman a los cuatro vientos que ellos emplean un 70% de su tiempo en vender lo que hacen y un 30% a producirlo. Todo se basa en el marketing salvaje del humo que venden y tiene esa inspiración del nazismo con esa frase de Göbbels: <<una mentira repetida mil veces se convierte en verdad>>.

Venderse al precio que sea, ocultar nuestra ignorancia y aparentar que lo sabemos todo y que cualquier cosa que producimos es tendencia y vanguardia. No hay espíritu de autocrítica, todo lo que hacen vale, y generalmente este tipo de sujetos se toman cualquier crítica ya sea en un periodo de aprendizaje o posterior como una afrenta personal. Sobre todo lo importante es ocultar sus carencias, seguir aparentando que son expertos en aquello que desconocen y mantener su comportamiento ególatra como escudo para ocultar su ignorancia. Estas actitudes de las masas posmodernas que se agrupan en torno a las modas imperantes y a las etiquetas del momento tienen éxito en todos aquellos individuos que aspiran a conseguir un cierto status en la actividad a la que se dediquen con la ausencia del esfuerzo y la ética del trabajo. El peligro de estas actitudes es el contagio masivo que producen, cuyo dios se encuentra en ese rincón del vago, del cual extraer cuatro frases de moda para aparentar que saben algo. Si esto les falla les queda el plagio, buscar algún autor que pudo haber hecho algo rompedor hace cuarenta años y con un par de retoques adaptarlo como si fuese una idea original. Todos estos comportamientos son consecuencia directa de la corrupción generalizada existente en el planeta, la economía de la especulación que altera el precio de las cosas sin haberse producido transacciones reales. Se premia el pillaje, a los impostores y los asaltantes que se ocultan sigilosamente en cualquier lugar. Los ególatras se pasean con la altivez que oculta su ignorancia, como modelos efímeros en una pasarela de patéticos personajes.

He elegido para ilustrar este post dos imágenes de Lewis Baltz, un gran artista del cual podréis disfrutar en la Fundación Mapfre de Madrid hasta el mes de junio.

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust

Roger Ballen – The Theatre of Apparitions

Roger Ballen © Face Off, 2010, archival pigment print

Roger Ballen © Face Off, 2010, archival pigment print

Roger Ballen (1950, NY) expone en la galería londinense Hamiltons su trabajo The Theatre of Apparitions desde el 17 de marzo al 21 de abril. Hace unos años tuvimos la suerte de recibir una clase magistral de este artista en el Centro de Arte de Alcobendas, tanto los alumnos de PIC.A como las personas que estuvieron presentes recordaran esa conferencia. En esté trabajo las imágenes que parecen venir del subconsciente estan inspiradas en los dibujos tallados a mano sobre los cristales oscuros de una prisión abandonada de mujeres. Ballen experimentó con pinturas de aerosol sobre vidrio produciendo estas imágenes que pueden asemejar pinturas rupestres que nos transportan a un mundo onírico lleno de misterio, angustias y oscuridad.

Emma Calder y Ged Haney han dirigido una animación en 2D de este trabajo de Ballen que podemos ver en la web del artista. Este nuevo trabajo se ha materializado en un libro que podemos adquirir desde este link. Como siempre Ballen no nos deja indiferentes, este trabajo es soplo de aire fresco entre tantas imágenes repetitivas que nos encontramos en las galerías y publicaciones que se nos ofrecen a diario y se aleja de esa estética oficial de la mayoría de “artistas” que inundan las ferias de arte contemporáneo.

Roger Ballen © Feeding, 2012, archival pigment print

Roger Ballen © Feeding, 2012, archival pigment print

Roger Ballen ©Waif, 2012, archival pigment print

Roger Ballen ©Waif, 2012, archival pigment print

Roger Ballen © Ghostriding, 2011, archival pigment print

Roger Ballen © Ghostriding, 2011, archival pigment print

Vista de la exposición en la galería Hamiltons de Londres.

Vista de la exposición en la galería Hamiltons de Londres.

Hendrik Kerstens

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens, (1956, La Haya, Holanda) es un fotógrafo que lleva fotografiando a su hija desde 1995. Inicialmente quería captar el cambio de la niñez a la adolescencia. Posteriormente inició una serie inspirada en la pintura holandesa del siglo XVIII, de una forma casual al ver a su hija quitarse un sombrero. Con elementos cotidianos recrea personajes que pueden salir de las pinturas de los grandes maestros holandeses. Sus obras han servido de inspiración a creadores como Elton John y Alexander McQueen. La iluminación de sus imágenes es un claroscuro clásico que potencia al personaje, y el minimalismo de los complementos cotidianos nos evocan a personajes de otras épocas. Varios retratos de su hija Paula recuerdan claramente a la pintura de Johannes Vermeer. Su obra se encuadra en la corriente del Pictorialismo Contemporáneo. Podéis ver algunas de sus obras en el siguiente link.

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

 

Charo Corrales, Dos Horas Bordando Arte

Charo Corrales© - Dos Horas Bordando Con Arte

Charo Corrales© – Dos Horas Bordando Con Arte

Charo Corrales (1968, Cádiz) es una artista multidisciplinar formada en Inglaterra y que ha realizado la mayor parte de su obra en Sevilla donde vive. Su trabajo aborda la identidad como mujer y reivindica en su obra el derecho de libertad y expresión personal, y el feminismo forma parte del discurso de su trabajo. Todo tipo de lucha por unos derechos irrenunciables están presentes en sus obras. La fotografía, el vídeo, la instalación y la performance  son los medios por los que expresa sus ideas. Charo Corrales lleva trabajando un tiempo en una serie “Cada Día Un Retrato” que aborda todos los temas sobre la identidad individual.

Ha presentado en Madrid los días 17 y 18 de Febrero en La Juana Gallery su performance “Dos horas bordando Arte”. El trabajo performativo es un arte efímero que se viene desarrollando desde el famoso Café Voltaire de Hugo Ball en 1916 y que dio origen al movimiento dadaísta. Como todo arte de escena si no se registra mediante procedimientos audiovisuales sólo quedará en la memoria de los espectadores que han asistido a la representación. En las performances de Charo Corrales siempre está presente la defensa de la igualdad de género, la crítica política y social, y también la expresión de su mundo interior. Sus performances en muchas ocasiones son el medio para expresar ideas y conceptos, y su cuerpo es el medio mediante el cual los lleva a cabo. Muy pronto tendremos el vídeo de está actuación grabado por Chema Sanmorán y que estará disponible en su canal de Vimeo y se incorporará a este post.

“Dos horas bordando Arte”

Charo llevará una camiseta serigrafiada con la frase “Soy una puta del arte”, bordará en silencio la palabra Arte nueve veces en un trozo de tela rectangular con un bastidor con pie. En esta tela previamente estarán bordadas palabras que el publico podrá ver individualmente, sólo cuando la obra esté concluida después de las dos horas se podrá leer la frase completa. Charo se la pondrá sobre los hombros a modo de chal y mostrará de espaldas al público el resultado final. La performance está inspirada en un juego‐broma de niños, que consistía en hacer escribir a alguien palabras que se iban tapando una vez escritas para luego pedirle que leyera el resultado final.

Hace mucho tiempo que te estoy tomando el pelo

Frío  Frío      Frío   Frío Frío Frío  Frío    Frío  Frío

El resultado final de la performance sustituirá la palabra frío por arte.

Charo Corrales © - Dos Horas Bordando con arte.

Charo Corrales © – Dos Horas Bordando con arte

La Memoria Se Desvanece

Rafael Roa © 2015

Rafael Roa © 2015

Los recuerdos vuelven de vez en cuando en forma de imágenes no visibles, sólo yo soy capaz de recrearlas vagamente en mi interior. Son las sensaciones vividas las que me transportan mentalmente a esos lugares invisibles y me provocan la búsqueda infructuosa de aquellos instantes. Ya no hay texturas, ni olores, ni sonidos, ni imágenes, sólo intentos vanos de recrear lo imposible.

Todo se ha desvanecido, y nuestros cuerpos reflejan las huellas del tiempo, la perdida de la fortaleza y de esa energía vital que creíamos que sería eterna. El amor, como las esperanzas de los valores que creíamos importantes y eternos se han perdido en una especie de agujero negro. La memoria se desvanece y las imágenes que poseemos de aquellos instantes sólo transmiten una referencia lejana en un objeto plano.

No hay nada que podamos rescatar de aquello. Las imágenes son sólo un recordatorio de algo inexistente. El tiempo no tiene tecla de rebobinado como apuntaba Nam June Paik. Sus obras de vídeo eran una rebelión frente al alienante medio de la televisión. Las imágenes se producen, se usan y se olvidan, y muy pocas forma parte de las referencias históricas o culturales.

El arte es un mercado de productos decorativos, usado por una parte de poderosos delincuentes para blanquear el dinero negro de sus turbios negocios. Casualmente son estos los que influyen en las tendencias especulativas del mercado del arte.

Las imágenes se usan como sustitutivos de las palabras, nos sirven para comunicar que hacemos, donde estamos y que queremos comprar. Compartimos esas imágenes con celeridad y una vez recibido el mensaje dejan de tener utilidad.

No hay ninguna intencionalidad intelectual en su producción, es un acto mecánico y las personas se han convertidos en captadores involuntarios, con una adicción imparable a la producción y distribución de esas capturas cotidianas.

Vivimos tiempos diferentes y la estética de las capturas digitales no tiene nada que ver con la estética de la fotografía que hemos estudiado. La fotografía como herramienta de expresión artística también sufre un cambio continuo que está condicionado con las nuevas tecnologías y los factores del mercado del arte.

Rafael Roa © 2012 Still de Vídeo -Last Dance

Rafael Roa © 2012
Still de Vídeo -Last Dance

El Dominio De La Técnica

Piero Manzoni © 1961 Merda d' artista

Piero Manzoni © 1961 Merda d’ artista

Se supone que el artista debe dominar las herramientas que decide utilizar en la materialización de sus ideas para producir una obra de arte. Se debe conocer la técnica de la herramienta para que el espectador no se lleve una impresión de que aquello que le están mostrando en la galería carece de la calidad mínima, y que no está a la altura del artista que expone dicha obra. Igual que cuando acudimos a la representación de una ópera no damos por bueno que la orquesta vaya desacompasada o que la soprano desafine. En fotografía o en vídeo podemos transgredir con el uso de la herramienta, desenfocar imágenes, manipularlas, y todo aquello que se nos ocurra, pero el todo final tiene que tener esa calidad por la cual el espectador se ve seducido y el coleccionista dispuesto a comprar esa pieza. Habitualmente yo publico en mi blog todo aquello que considero interesante, no tengo ninguna obligación de hacer una crítica positiva de aquello que no me convence, y lo que no considero adecuado no hablo de ello. No tiene ningún sentido para mi hacerlo, mi tiempo es oro, y no consigo nada con ello. Es responsabilidad del artista producir obras de calidad que no parezcan un mal ejercicio de una escuela de fotografía. Al final mi opinión es mía y puede no ser convergente con otras que yo considero respetables, se puede discrepar perfectamente sobre cualquier tema. Considero que una obra de arte debe de tener esa calidad que ayude a potenciar el concepto y seduzca al espectador. Mi blog es libre, está sujeto a mi derecho de publicar lo que quiera y cuando quiera, nadie me paga por lo que hago y eso me hace completamente independiente.

Santiago Sierra, 25 Veteranos, 2205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra (Madrid, 1966) expone su obra 25 Veteranos, 2205 Crímenes de Estado en la galería Helga de Alvear, se podrá visitar hasta el 12 de noviembre próximo. Tras graduarse en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, Santiago Sierra completó su formación artística en Hamburgo, donde estudió con los profesores F.E. Walter, S. Brown y B.J Blume. Sus comienzos estuvieron vinculados a los circuitos de arte alternativo en Madrid – El Ojo Atómico, Espacio P- aunque continuaría desarrollando su carrera en México (1995-2006) e Italia (2006-2010). En 2010 renunció al Premio Nacional de Artes Plásticas. La obra se compone de 25 fotografías de veteranos de guerra cara a la pared y de un vídeo, locutado por 2 habitantes árabes de los nombres de las 2205 personas asesinadas durante los ataques de efectuados a la franja de Gaza desde el 8 de julio al 26 de agosto de 2014. El listado incluye 70 víctimas israelíes sin establecer ninguna distinción entre las víctimas. Las fotografías de los veteranos a una escala de tamaño similar al natural reflejan también la actitud de una mayoría de mirar hacia otro lado ante situaciones de injusticias, en los conflictos socio-políticos. Esta lista no se completará jamás.

Cada día en el planeta se suceden las muertes de civiles inocentes que pierden la vida en los conflictos que se están produciendo. Las imágenes de la violencia son digeridas sin problemas por la población y convivimos con ese ritual informativo a diario. Toda la obra de Santiago Sierra tiene un contenido político-social y viene focalizando los temas que trata en situaciones de injusticias o corrupción política que se producen a diario. En su web podéis ver el vídeo en el cual se muestran sobre un fondo negro los nombres de las víctimas.

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado (detalle de la fotografía)

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado (detalle de la fotografía)

Carlos Alba

Carlos Alba © The observation of Trifles Robert Adams. Mile End Rd. Tower Hamlets. London. 2014. Fine-Art Photography project "The observation of trifles".2013-2016. Photography Carlos Alba. Don´t use it whitout permission of the author. ©CarlosAlba 2013-2015

© CarlosAlba 2013-2015  Robert Adams. Mile End Rd. Tower Hamlets. London. 2014.
Fine-Art Photography project “The observation of trifles”.2013-2016.

Carlos Alba (1984, Madrid) es un fotógrafo y videógrafo afincado en Londres desde el 2012, donde compagina el trabajo comercial con el desarrollo de su obra. Coincidí con él en la escuela PIC.A de Alcobendas donde se celebraban los visionados de Descubrimientos en 2015. En unos de los descansos, él me enseño su portfolio en el cual estaban incluidos algunas de las imágenes de su trabajo The observation of Trifles ( La observación de las nimiedades) y al verlo me produjo inmediatamente ese <<Punctum>> del que hablaba Barthes. Por eso cuando en mi programa de correo ha saltado la convocatoria de su exposición me ha dado una alegría. Su esfuerzo es recompensado.

The observation of Trifles es una narración visual que muestra el mapa personal del autor en el Este de Londres. Objetos que se mezclan con las miradas de las gentes, y escenas cotidianas, van completando esa narración en clave conceptual que el autor nos propone. Ese mundo urbano se construye no sólo con las imágenes de paisaje sino también con objetos encontrados que son como las pistas de un mapa del tesoro. En palabras del autor: <<The observation of Trifles es cómo un extranjero trata de encontrar su camino en un nuevo país y un nuevo barrio. Yo soy el inmigrante. Tomando objetos que encuentro en las calles y utilizándolos como una especie de arqueología visual, descubro el Este de Londres y sus habitantes. Estos objetos destinados a la basura, nos pueden decir mucho de la vida en la ciudad y de la sociedad a la que pertenecemos>>.

Carlos Alba ha sido galardonado con el Premio Flash Forward UK. Magenta Fundation (Canada, 2016); el Premio Zona C Auditiorio de Galcia. Santiago de Compostela (España 2016); y fue finalista del Gran Prix Fotofestiwal de Lodz  (Polonia 2016). También fue finalista, en 2015, de los El Awards Encontros Da Imagen. Braga (Portugal) y en Descubrimientos PHE15, PhotoEspaña. Madrid (España). La exposición The observation of Trifles se inaugura en La Fábrica el próximo 17 de septiembre y podrá visitarse hasta el 1 de noviembre. Además, tras su paso por La Fábrica, la exposición recabará en el Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela (España), en noviembre de este año. El libro The observation of Trifles ha sido seleccionado para participar en una exposición de libros de fotografía de autor dentro del festival SCAN de Tarragona. El libro fue presentado en La Fábrica el pasado 7 de junio y está disponible en la librería.

Carlos Alba © The observation of Trifles

Carlos Alba © The observation of Trifles

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.Haggerston Park. Hackney. London. 2014.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.Haggerston Park. Hackney. London. 2014.

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

 

Nanna Hänninen

Nanna Hänninen © Possible definition of present and entirety as fragments From the series Now is Now 2015

Nanna Hänninen © Possible definition of present and entirety as fragments
From the series Now is Now 2015

Nanna Hänninen (1973, Rovaniemi, Finlandia) es un artista que pertenece a la Escuela de Helsinki. Su trabajo se desarrolla en torno a conceptos como la alienación, el miedo y el vacío. Los expresa a través de imágenes de objetos o fotografías intervenidas, que le sirven como vehículo de transmisión.

En Now is Now, part II nos muestra una serie de naturalezas muertas de papeles arrugados, algunos escritos, que provienen de los propios cuadernos de la artista, mediante los cuales nos expresa sus emociones más intimas. La ansiedad, las amenazas de carácter existencial y la supervivencia emocional son transmitidas mediante estás imágenes al espectador. Esta estética minimalista ya fue empleada por Nanna Hänninen en su serie Fear and Security (2001-2003), el blanco, los papeles arrugados a modo de esculturas de lo cotidiano ocupan la escena, acompañados de textos desenfocados que transmitían sensaciones de abandono y desesperación. No es fácil para el espectador medio, acostumbrado a consumir imágenes con narrativas de la imitación de lo real, sumergirse en el minimalismo poético que Hänninen nos presenta. Esta simplicidad estética acaba por seducirnos y nos acerca al mundo interior de la artista. Now is Now, part II se inaugura el próximo día 15 en la Galería Camara Oscura de Madrid y podremos disfrutar de esta exposición hasta el 29 de octubre.

Nanna Hänninen © Understanding the big picture I 2015

Nanna Hänninen ©
Understanding the big picture I 2015

Nanna Hänninen ©

Nanna Hänninen © Understanding the big picture 2015

Nanna Hanninen © Unsolved-universe

Nanna Hanninen © Unsolved universe

Charo Corrales – Borderline

 

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales (1968, Cádiz) es una artista multidisciplinar formada en Inglaterra y que ha realizado la mayor parte de su obra en Sevilla donde vive. Su trabajo aborda la identidad como mujer y reivindica en su obra el derecho de libertad y expresión personal, y el feminismo forma parte del discurso de su trabajo. Desde hace unos 2 años viene publicando en su blog un retrato cada día, y es este trabajo la base de su último trabajo Borderline.

Representarse a uno mismo, mostrase como forma de expresión para expulsar los fantasmas interiores, materializar en imágenes aquellos momentos en que nuestros sentimientos más íntimos se apoderan de nosotros y nos conducen desbocados como potros salvajes sin rumbo. Es, el todo o la nada de nuestras sensaciones más ocultas, compartir nuestras miradas sin reconocernos a nosotros mismos. Charo Corrales se entrega en estas fotografías, no hay límites porque cuando las pasiones nos atrapan las fronteras no existen. El cuerpo como forma de representación de su ser y la mirada como fuga a ninguna parte. Entregarse a todo aquello que nos produce placer y tratar de sobrevivir al dolor inmenso y profundo que nos provoca el vacío y las huellas del tiempo. Charo no se oculta con máscaras como otros artistas que también son el objeto de su obra, como Cindy Sherman o Jorge Molder. Está más cerca de los diarios personales de Lina Scheynius, ese tipo de fotografía directa sin codificar.

Ella nos mira directamente a los ojos y comparte con nosotros la estela de su sangre, sus lágrimas, su gozo y sus pasiones. Su obra es un acto de inmensa generosidad y entrega. Las metáforas están ausentes, cada imagen es un disparo a quemarropa que el espectador tiene que digerir y encajar. La transgresión se une a su honesta representación de su volcán interior, como forma de expresar la amalgama de sus sensaciones personales. No hay huida sino un duelo personal a la luz de la luna. La obra de Charo Corrales se aleja de todas esas imitaciones de las corrientes comerciales que el mercado absorbe, para hacerlas desaparecer con la misma fugacidad que las produce. Ella siempre llega al límite, camina por escarpados senderos llenos de aristas rocosas, conoce bien todo aquello que comparte en sus imágenes, lo sufre y lo goza, acepta las huellas que el tiempo deja a su paso. No se rinde y sigue avanzando sin detenerse.

Borderline es el último trabajo de Charo Corrales que ha materializado en un libro que se presentará en la 2ª edición de EX, feria de la edición contemporánea y el libro de artista de Sevilla, que se celebrará del 16 al 18 de septiembre en el Espacio Santa Clara.

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Greg Semu

Greg Semu © 2007 The Battle of the Noble Savages

Greg Semu © Musse du Quai Branly,  2007 The Battle of the Noble Savage

Greg Semu (1971, Nueva Zelanda) es un artista de origen samoano cuya obra se basa en la historia de las migraciones de estos pueblos del Pacifico. Aunque se siente samoano también se siente extraño en esa tierra, no creció allí y eso le produce este sentimiento. Vivió en Nueva York y París antes de establecer su residencia en Sidney recientemente. Semu es un fotógrafo autodidacta y en 1995 realizó su primera exposición en Aukland. Su trabajo aborda el desplazamiento cultural con la colonización, y en particular sobre la colonización política y religiosa.

En 2007, recibe el encargo del Musse du Quai Branly de París y realiza la obra The Battle of the Noble Savages. En 2010 crea la serie The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, un trabajo de 9 imágenes producidas como consecuencia de una residencia en The Center Cultural Tjibaou en Nueva Caledonia. En este trabajo Semu es el protagonista de algunas de las obras de la serie. Algunas de las obras de Semu se presentan en cajas de luz de 120x180cm lo que produce un gran impacto en el espectador. Su obra The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16, se inspira en dos pinturas del siglo XIX de Louis John Steele and Charles F. Goldie’s The Arrival of the Māoris in New Zealand, 1898, and Théodore Géricault’s, 1805, ambos de los cuales dramatizan la supervivencia en el mar. Estéticamente usa el claroscuro y puede ser encuadrado en la corriente del Pictorialismo Contemporáneo al que pertenecen artistas como: Bill Henson, Jeff Bark, Pierre Gonnord y Yang Yong Liang, entre otros.

Greg Semu © 2010 Auto portrait as La Pieta, 2010. The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians series

Greg Semu © 2010 Auto portrait as La Pieta, 2010.

Greg Semu © 2010 The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, 2010.

Greg Semu © 2010 The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, 2010.

Greg Semu © The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16

Greg Semu © The Arrival, diptych 2014–15 – The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Greg Semu © The Raft - The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Greg Semu © The Raft – The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Raymond Moore

Raymond Moore © 1968 Cardiff

Raymond Moore © 1968 Cardiff

Raymond Moore (1920-1987, Reino Unido) fue el fotógrafo clave en el desarrollo de la fotografía artística británica. Olvidado y apreciado por unos pocos que tratan de mantener viva su obra. Por un problema legal su archivo está en paradero desconocido y no hay ninguna noticia en la actualidad de que pudiese ponerse a buen recaudo y ser objeto de exposiciones y publicaciones.

Raymond Moore se formó en el Wallasy College of Art (1920) obteniendo una beca para una exposición en en el Royal College of Art a la edad de 27 años. Con posterioridad cambió la pintura por la fotografía como su herramienta de creación. Moore utilizó la fotografía como medio de expresión personal alejándose de los usos habituales de esos años marcados por la fotografía más comercial. A los que le acusaban de estar influenciado por el arte moderno les respondía que era mejor que tener influencias del siglo XIX. En 1968 estuvo en Estados Unidos y colaboró con Minor White en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. El trabajo de Harry Callahan y Aaron Siskind influyó en el desarrollo de su obra en esa etapa,  que se materializó con posterioridad en 1970 en su exposición en el Instituto de Arte de Chicago. Sus imágenes nos muestran una visión poética, minimalista y conceptual del paisaje, de los detalles que el considera más importantes. La desolación y soledad es una constante en su obra. Espero que en algún momento su archivo este disponible para mostrar su obra en la actualidad.

Frente a la multitud de relaciones entre objetos en el mundo visual, estoy impulsado a elegir o seleccionar aquellos acontecimientos que reflejan con mayor precisión un estado del ser en ese momento en el tiempo. Esta elección se rige por una conciencia instintiva de poder esencial del medio de traducir y volver a crear en términos fotográficos. Un nuevo mundo se presenta mágicamente en forma de marcas hechas por el proceso óptico-química, relacionado con el mundo de la comunicación visual todos los días y sin embargo, al margen de ella. A partir de este mapa de la experiencia, es de esperar algo de valor puede ser revelada. – Raymond Moore

Raymond Moore © 1969 Nicosia

Raymond Moore © 1969 Nicosia

Raymond Moore © 1977 Alomby

Raymond Moore © 1977 Alomby

Raymond Moore © 1980 Marypot

Raymond Moore © 1980 Marypot

Raymond Moore © 1980 Harrington

Raymond Moore © 1980 Harrington

Gregory Crewdson, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Hoy he tenido la oportunidad de ver el último libro de Gregory Crewdson Cathedral of The Pines (2013-2014). Dicho trabajo fue expuesto en la la Gagosian Gallery de NY durante el primer trimestre de este año. Este es su nuevo trabajo después de 5 años, que ha realizado en un contexto de rupturas personales y profesionales. La obra se ha realizado en Becket (Massachusetts). La producción se ha realizado en tres tandas de trabajo de cuatro semanas cada una. Hay mucho trabajo de pre-producción y post-producción en sus series que superan ampliamente los periodos de las tomas.

Aislarse para renacer de nuevo es en la mayoría de las ocasiones la mejor forma para poder volver a crear de nuevo. Da igual si este trabajo de Crewdson está influenciado por la pintura europea y americana del siglo XIX, según la critica, es sólo una anécdota del mundo del arte. Lo importante para mi es que sus obras se corresponden con su estilo estético y narrativo que ha hecho de este fotógrafo un artista reconocible a simple vista. Es un trabajo muy poético lleno de soledades y abandono, de huidas y reflexiones interiores, que son acompañados estéticamente por una luz fría de invierno, que transmiten silencios profundos al espectador.

El tamaño de cada imagen enmarcada es de 114,5×146, 2 cm y realiza una serie de 3 obras por imagen más 2 pruebas de autor. El libro tiene un tamaño aproximado de 40x31cm y su precio en librerías es de 70€. Una edición muy cuidada y con una excelente reproducción.

Entrevista con Gregory Crewdson en BLOUINARTINFO

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Joel-Peter Witkin

Cupid and Centaur in the Museum of Love, 1992 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 6/12) 107 x 91 cm

Cupid and Centaur in the Museum of Love, 1992
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 6/12)
107 x 91 cm

Joel-Peter Witkin (1939, NY, USA) expone en la galería Michel Soskine INC. de Madrid una selección de sus obras de los años 80 y 90 con sus trabajos más recientes. Todos recordamos aquella exposición de 1988 en el MNACRS comisariada por Alain Dupuy. La muestra actual nos da la posibilidad de reencontranos con este gran artista que no separa su vida de su obra, reflejando su mundo interior y onírico con una estética tan personal que lo ha convertido en un artista único. Sus influencias del van desde Giotto a la fotografía del siglo XIX, y se le ha comparado con artistas como Goya o el Bosco.

Witkin y su mundo macabro y oscuro se pasea por lo mórbido, lo perverso lo erótico y por todas aquellas creencias que el hombre ha inventado para la justificación de su propia existencia. La estética de un mundo oscuro por el cual muchos artistas transitaron antes, creando el claroscuro y la representación de un mundo interior tormentoso. La belleza plástica de la muerte, cabalgando sobre el eros como si de un potro salvaje se tratase, y lo efímero melancólico como aderezo de una narrativa brutal y explosiva que aterroriza a unos y provoca admiración en aquellos que saben apreciar la diferencia entre un artista y la gran masa de aburridos imitadores de las estéticas que fabrica el mercado. Quizás nos encontremos delante de la exposición más atractiva de PHE2016, aunque se encuadre dentro de su Festival Off y la podremos visitar hasta el 30 de julio. Las obras de Witkin de esta exposición oscilan entre 5000,00€ y 50.000,00€ dependiendo de tamaños y tiradas.

Amour, Nuevo México​, 1987 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/3)     104 x 104 cm

Amour, Nuevo México​, 1987
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/3)
104 x 104 cm

Eve knighting Daguerre, 2003 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/12) 84 x 98 cm

Eve knighting Daguerre, 2003
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/12)
84 x 98 cm

Religion of Self Interest, Nuevo México, 2013 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 2/6) 75,5 x 62 cm

Religion of Self Interest, Nuevo México, 2013
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 2/6)
75,5 x 62 cm

Caminar Sobre Los Bordes

Rafael Roa © 2015 De la serie Dead Skin

Rafael Roa © 2015
De la serie Dead Skin

Gilles Deleuze: Los acontecimientos son como los cristales, no devienen y no crecen más que por los bordes, sobre los bordes.

Esa sucesión de instantes van construyendo la historia de nuestra vida, ese tiempo pasado e intangible que recordamos vagamente. Sólo las fotografías nos recuerdan como fuimos, los momentos felices o las miradas llenas de tristeza. El tiempo es el dominador de nuestra existencia y las imágenes son intentos de huellas. Porque una imagen no refleja el antes o el después sólo un tiempo imperceptible del pasado. Es indiferente si lo que deseamos guardar sea algo real, individual o colectivo, o que la imagen producida refleje un pensamiento abstracto de algo que no existe. El resultado final será un lejano intento de imitación de una huella tan fugaz como se evapora el recuerdo de la textura de la piel que acariciamos, o la pasión que vivimos. Crecer sobre los bordes de nuestros abismos personales para identificarnos, para recocernos levemente en nuestro trabajo. Esa síntesis que destila una pequeña parte de nuestro contenido interior, de nuestros conocimientos y vivencias sepultadas por las hojas perdidas del calendario. Reconocernos como reto antes de desaparecer, tener la ilusión de que en esos momentos íntimos de trabajo pudimos aportar un matiz diferente al resultado de nuestras ilusiones y esfuerzos. Reflexionar, pensar, creer en nuestras ideas como forma de representación personal, y alejarse de la marabunta que en tropel destrozan todo a su paso.

Saul Leiter

Saul Leiter©

Riitta Päiväläinen

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen (1969, Maaninka, Finlandia) es una artista perteneciente a la Escuela de Helsinki. Del 7 de abril al 21 de mayo expondrá su serie River Notes en la galería Cámara Oscura de Madrid. Desde sus primeras series interviene en el paisaje, creando unas imágenes que no existen hasta que son fabricadas e integradas en esos entornos a los que modifica temporalmente, cambiando su significado. Esta forma de trabajo se ha convertido en su sello personal que hace inconfundible sus obras. En 2005 comenzó con las series de Vestige, que forman un quinteto de obras que se complementan y van ofreciendo al espectador matices diferentes de un paisaje irreal que su intervención lo hace más atractivo e interesante. Esta exposición es una ocasión para ver en directo el trabajo de esta artista.

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2004,  Obis DE la serie VESTIGE - AOMORI, BLUE FOREST

Riitta Päiväläinen © 2004, Obis
DE la serie VESTIGE – AOMORI, BLUE FOREST

Riitta Päiväläinen © 2000 Wind II, De la serie VESTIGE - WIND

Riitta Päiväläinen © 2000 Wind II, De la serie VESTIGE – WIND