La pérdida de la memoria

por rafaelroa · domingo, 7 junio 2020 · leave a comment

La fotografía nos sirve para perpetuar los recuerdos

La memoria: Facultad psíquica por medio de la cual se retiene y recuerda el pasado. (RAE)

Con esta definición de la RAE puedo comenzar a hablar del noúmeno como la esencia no visible que forma parte de nuestras vivencias y recuerdos. Con el paso del tiempo sobre nosotros mismos, se produce el deterioro de nuestros recuerdos. Esas imágenes no visibles se van perdiendo, como anteriormente perdimos los sonidos, olores, sabores, y las texturas de lo deseado. Las imágenes de aquellos momentos, que cuando cerramos los ojos a veces aparecen con una nitidez meridiana acorde al nivel de percepción individual de los recuerdos, poco a poco vamos perdiendo los detalles, la nitidez, el color de aquellos momentos que pretendemos eternizar, pero que jamás volverán.

La fotografía nos sirve para perpetuar la imagen del recuerdo, nosotros ya no somos los que aparecían en aquella fotografía, nos hemos transformado, el tiempo ha pasado por encima de nosotros dejando sus huellas en nuestro camino inevitable hacia la muerte.
Nuestros recuerdos que pretendemos revivir en esos momentos de ensoñación se van desvaneciendo hasta su total desaparición de nuestra memoria. Solo un registro fotográfico nos puede acercar a la nitidez y los detalles de aquel momento.
The lost of memory es mi última serie de la cual podéis ver algunos ejemplos en este post. Estos retratos han sido procesados como si mi memoria fuese perdiendo los detalles de estas personas, en aquellos días en que las fotografías fueron hechas. Es una interpretación personal de mis recuerdos, no quiero mostrar las fotografías como fueron hechas sino transformadas para reflejar la perdida de la memoria.

PRÓXIMOS CURSOS SEPTIEMBRE

El Retrato Contemporáneo

Del 31 de agosto al 16 de septiembre

Toda la información en este link.

El Lenguaje del Cuerpo

Curso sobre la fotografía del desnudo, estéticas y autores más importantes. Mis experiencias de como trabajo este tipo de obra personal, relaciones con los modelos, y materialización de las ideas.
Del 1 al 17 de SEPTIEMBRE
Toda la información en el siguiente link.

RAFAEL ROA© 1992 DE LA SERIE HIDDEN DESIRES

El Retrato Editoral
Durante este verano recibiréis todo la información de este curso que estará disponible a partir de octubre así como un curso de larga duración que os anunciaré durante el verano.

El retrato editorial es una especialidad muy importante dentro del mundo de la fotografía y la información. El verdadero innovador de la especialidad en España fue Alberto Schommer. Él nos hizo ver una nueva forma de abordar este tipo de retrato, utilizando la ficción y las metáforas visuales en la construcción de las fotografías. Esta especialidad de la fotografía ha sido muy importante en mi carrera, llevo haciendo este tipo de retratos desde 1984. He publicado en los medios más importantes de este país, y los que son de mi generación recordaran mi trabajo. Quiero transmitir mis conocimientos sobre esta especialidad de la fotografía que me ha dado tantas satisfacciones.

En la nada

por rafaelroa · sábado, 23 mayo 2020 · leave a comment

Reflexiones personales desde la nada

¿Y si el ser humano es el virus del planeta Tierra? ¿Y si ha sido una emergencia que esperaba desde hace tiempo? Esto es la respuesta del cineasta japonés Hirokazu Kore-eda en una entrevista en El País al ser cuestionado sobre si debemos cambiar nuestro sistema de vida después del Covid 19. Los humanos estamos destinados a desaparecer, llevamos siglos masacrándonos en guerras absurdas por diferentes motivos y somos incapaces de aprender a convivir. Somos un depredador para nosotros mismos y para el planeta.
El sistema social creado y mantenido durante siglos de las estructuras piramidales de poder, no funciona y menos que todo se base en el concepto del beneficio económico y el desigual reparto de la riqueza.
Ninguna alternativa ha podido establecer otro tipo de relaciones humanas más satisfactorias para todos.
El gen de la estupidez está incrustado en nosotros y se incrementa de generación en generación, hemos ido fracasando en la consecución de los ideales, y vamos acumulando esas frustraciones.
Ahora que estamos aprendiendo nuevos comportamientos para sobrevivir a esta peste fabricada, las malas actitudes se hacen más palpables y la mala educación florece como en la primavera, se hace más agresiva.

¿Qué hacer, realmente se puede hacer algo más que buscar tu refugio personal?
¿Y referente a la fotografía que análisis podemos intentar hacer sobre su eficacia social que no hayamos hecho ya?

¿Y la fotografía qué?

Creo que hay una aceptación generalizada que la fotografía no es la herramienta de concienciación social que esperábamos que fuese. Las expectativas de Susan Sontag sobre el tema no se cumplieron, y si que el uso abusivo de las imágenes produce que el mensaje no tenga ningún efecto sobre el receptor. Los escritos de Jean Baudrillard sobre el tema dieron en el clavo mucho antes del momento actual en el que el consumo de las imágenes se produce al un ritmo tan vertiginoso que ni las recordamos dos segundos después de haberlas visto.
Lo único que nos queda el uso de la fotografía como terapia personal, más allá de nuestras pretensiones, disfrutar de la herramienta, buscando aquello que nos satisfaga y alejándonos del circo del mercado para centrarnos en esas satisfacciones que nos pueda proporcionar.
Huir de carreras absurdas y que cada uno haga lo que considere más placentero, yo elijo “En la nada”.

Curso online “La fotografía contemporánea”, desde el 18 de junio al 23 de Julio.

Información y reservas aquí

Sobre el retrato

por rafaelroa · lunes, 11 mayo 2020 · leave a comment

Del retrato clásico al retrato contemporáneo

Petrina Hicks © Shenae and Jade, 2005 Lightjet print 111 x 119cm, edition of 8

El retrato es una de las especialidades de la fotografía que más ayudó al desarrollo de la herramienta desde sus orígenes, fue una forma de representación de todas las clases sociales. Por primera vez las clases más humildes tuvieron a sus alcance un medio por el cual verse reflejados. Estás imágenes se manipulaban al ser coloreadas: y los primeros retratos debido al largo tiempo de exposición no eran muy espontáneos. La evolución técnica hizo evolucionar la estética, pero lo que no ha cambiado nunca es la fascinación de obtener un gesto o una mirada expresiva que defina al sujeto y que sea producto de la relación que se establece a través de la cámara entre el fotógrafo y el fotografiado.

Siempre me interesó el retrato desde que comencé mi aprendizaje de la fotografía. La fascinación por una mirada que atravesase mi cámara y se quedase incrustada en la película. Después toda la mística del proceso químico, el revelado del negativo, y antes de que se secase ya habías imaginado como sería el positivo. Y luego, el encanto del cuarto oscuro, ver como aparecía la imagen en la cubeta. Para mí el retrato era conseguir una buena mirada acompañada de una luz que lo potenciase. En aquellos años miraba una y otra vez los retratos de Irving Penn y Richard Avedon. Me interesa definir al sujeto y relacionarme con él, quiero que en esos momentos en los cuales intento que él me dé algo que realmente le defina, que transmita su verdad de ese instante y que yo sea capaz de captar las sensaciones del momento. Siempre quería que mis retratos no pasasen inadvertidos. Quería captar miradas, gestos, intensidad, y que el receptor no pudiese apartar sus ojos de aquellas imágenes.

Una vez Cualladó nos enseñó sus fotografías, primero el reportaje de París, muy vanguardista para aquellos años, su forma de encuadrar y de interpretar su realidad era muy diferente al tipo de encuadres que estábamos acostumbrados a ver en España. Después nos enseño sus retratos. Apareció ante mí el retrato de Nicolás, ese hombre sentado al lado de una bicicleta de transporte con sus compañeros apoyados en ella, había cortado los rostros del resto de los personajes; entonces me dí cuenta que hacer un retrato era algo más que un primer plano. Se pueden hacer muchas consideraciones sobre el retrato, desde el clásico que todos conocimos a los retratos conceptuales de Ralph Gibson, o los retratos de celebridades que hemos visto desde Nadar hasta nuestros días. El retrato con intención artística, el documental o el retrato de ficción que tiene su origen en el pictorialismo temprano del siglo XIX, y que es la base en la cual se basa el retrato contemporáneo, con la imprescindible puesta en escena; otra característica de la fotografía que el gran maestro del instante decisivo Cartier Bresson criticaba; el 25% de sus obras son retratos; una buena contradicción.

Hoy el retrato contemporáneo utiliza las mismas bases que los retratos de ficción del siglo XIX, lo que ha cambiado es la tecnología. La puesta en escena es la base principal y la influencia de la pintura se mantiene hoy en día. Observamos una gran influencia de Edward Hopper, y de la pintura renacentista en autores muy importantes de retrato contemporáneo. Para mi es muy importante que un fotógrafo tenga una amplia cultura, porque nuestras imágenes serán siempre una síntesis de lo que somos, de nuestros conocimientos, de nuestras vivencias, y sentimientos personales. La cultura visual nos sirve para tener referencias y deben ser una base de conocimiento que nos dirija a buscar una estética personal que nos defina como autores; este es un trabajo intenso, duro y largo en el tiempo. Hay que evitar la tentación de los mediocres que es imitar a las tendencias de éxito, y como decía el gran maestro Carlos Përez Siquier: “el artista es el que crea tendencia no el que la sigue”.

Docencia online

Después de muchos años de talleres, los siete últimos alternando estos con la enseñanza presencial en la escuela PIC.A, y diez años escribiendo en mi blog reflexiones sobre la fotografía he decidido comenzar la docencia online de estas materias.
¿Por qué online?
Porque igual que la tecnología ha cambiado la forma de fotografiar, también cambia nuestras formas de comunicación, y en estos momentos en que la humanidad se enfrenta a la incertidumbre, y por ende esto supone unos cambios radicales en nuestra vida cotidiana. La comunicación online nos permite conectarnos e interactuar en todos los ámbitos incluido el de la docencia y el aprendizaje.
Por eso ofrezco inicialmente dos propuestas, el curso de iniciación al Retrato Contemporáneo que tendrá lugar del 18 de junio al 23 de julio, y los Visionados de portfolios que podrán solicitarse cuando los interesados lo deseen. En octubre tendréis nuevas propuestas de cursos online, podéis consultar los enlaces de ambas propuestas.

La seducción de la penumbra

por rafaelroa · viernes, 24 abril 2020 · 2 comments

Un viaje efímero al misterio

La penumbra es el estado transitorio de los restos de la luz, representa el fin del apogeo de la intensidad máxima de una fuente de iluminación, podemos explicarlo como una muerte lenta. Esa escasez lumínica transforma la percepción que tenemos de nosotros mismos, de los objetos, del entorno cotidiano y del paisaje que nos rodea. Ese cambio de nuestras visiones de la realidad cotidiana, nos transporta a ese mundo efímero del final del día o al goce y refugio de esa penumbra, de ese mundo en el cual podemos ocultarnos.

No percibimos toda la información del objeto desde un punto de vista objetivo; como nos quisieron hacer creer los Becher, con su aburrido catálogo de arqueología industrial en la Alemania de la posguerra; vemos el objeto transformado en una misteriosa versión de esa semioscuridad que crece sin parar hasta llegar al negro absoluto.

Hasta llegar a ese punto nos entregamos al encantamiento de un misterio del cual conocemos el desenlace, pero ese tránsito nos seduce como un encantador de serpientes. Podemos establecer un paralelismo entre la penumbra y la agonía de la muerte, ese final irreversible que nos cuesta aceptar.

Daido Moriyama ©

La muerte: “Hay muchas cosas que no será”. No será como si te enterraran vivo. No será como estar eternamente en la oscuridad. (..) Simplemente no habrá habido nunca nada y no habrá nadie que lo lamente.

Ignacio Castro Rey

Muchos grandes fotógrafos dominan la penumbra y se mueven bien en esos niveles de luminosidad, y por esto sus obras nos atraen como una tentación irresistible. Queremos estar en ese mundo de semioscuridad que ellos han hecho propios, y al cual vuelven sin poder resistirse a ese encantamiento.

Bill Henson, Nadav Kander, Jason Langer, Daido Moriyama, Hirosi Sugimoto, son un ejemplo de grandes maestros que dominan ese mundo efímero y en el son capaces de dar un salto mortal y ofrecernos imágenes que nos van a seducir sin remedio. Gocemos de la penumbra, como de ese amor ya vivido, que con el paso del tiempo nos cuesta recordar sus texturas.

Reflexiones en tiempos de las nuevas pestes

por rafaelroa · jueves, 9 abril 2020 · leave a comment

Sobre la fotografía como forma de reflexión

Las modas de obras basadas en la abstracción fotográfica omiten todo tipo de contenidos críticos. A través de la mezcla de formas, luces y sombras convierten a esas imágenes en productos decorativos carentes de significado. Estos “creadores” bajo el vacío intelectual de sus obras omiten cualquier tipo de compromiso o crítica. Las estéticas empleadas no son nuevas y se basan en interpretaciones de las vanguardias de comienzos del siglo XX.

La fotografía como huella o transformación de lo real puede transmitir una crítica o experimentar un concepto que nos fuerce a tomar posición. La incomodidad visual que producen algunos tipo de obras, producen sensaciones que llevan al espectador a cuestionarse por el significado de lo que ve. Pero la gran mayoría instalada en su zona de confort no solo niega la existencia de otras realidades sociales en el presente sino que niega los holocaustos, matanzas producidas en el pasado. Este tipo de espectadores se alejan de todas aquellas obras que le producen cualquier tipo de incomodidad narrativa o estética.

El cambio de las nuevas tecnologías como ha sido siempre a lo largo de la historia produce un cambio estético: en estos tiempos nos empuja a la dinámica de la inmediatez. Todo aquí y ahora, se rechaza la cultura del esfuerzo y la reflexión. Por otro lado el irresistible atractivo de aquellos que obtienen un éxito inmediato seducen a los jóvenes ávidos de ese reconocimiento. Se convierten en imitadores de esas formulas de éxito, no aportan nada nuevo y se pierden en la homogeneidad de la masa de adoradores del plagio. La palabra plagio no existe en su vocabulario.

Estos comportamientos no son solo de “fotógrafos” o “artistas” que utilizan un lenguaje abstracto y que juegan a ser los admirados dioses del Adobe Indesing; esta peste se extiende a todas las áreas de la expresión fotográfica y del arte en general.
La cultura del producto fácil, del éxito comercial y del beneficio rápido se basan en los comportamientos de la economía especulativa que tan bien reflejó Ton Wolfe en “La hoguera de las vanidades”. Los aspectos externos de estos personajes cuentan, algunos se creen que con cambiarse el look de forma extravagante van a ocultar el vacío de su discurso. Las apariencias cuentan para ocultar sus carencias. El arte de lo banal ha inundado el mercado.

Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

La fotografía y el arte en general, no pueden alejarse de las realidades socioeconómicas de cada momento de la historia. El futuro inmediato de todos nosotros va a ser complicado, No puede ser que los verdugos del continente del siglo XX, y que resurgieron de sus cenizas gracias al apoyo internacional y a la explotación de los trabajadores del sur, sigan condicionando el futuro de todos. Desde comienzos del siglo XXI han impuesto sus modas fotográficas en el mercado llevando al éxito a los sucesores del los Becher.

Su especulación y el gigantismo de sus obras han llenado las colecciones públicas y privadas. Siempre nos quedan otros autores que alimentan el pensamiento y el espíritu.
La reflexión debe ser un uso cotidiano muy recomendable en estos tiempos, alejarse de lo banal un acto de compromiso.

André Gelpke © 2002- 2005 de la serie Allesanet

Richard Learoyd

por rafaelroa · jueves, 20 febrero 2020 · leave a comment

El fotógrafo que trabaja con una cámara oscura expone en Madrid

© Richard Learoyd. Courtesy of the artist and Fraenkel Gallery, San Francisco
Jasmijn hacia la luz, 2009 Jasmijn towards the Light Fotografia única en paper Ilfochrome 147,3 × 121,9 cm

Richard Learoyd (1966, Nelson, Reino Unido) es un fotógrafo que usa una cámara oscura para la realización de sus obras. Habiéndose fabricado una cámara a una medida deseada, le permite hacer fotografías de tamaños que alcanzan medidas de 147,3 x 121,9 cm.

Los temas que aborda Richard Learoyd son el retrato, las naturalezas muertas, y el paisaje. Para las fotografías en exterior se ha fabricado una tienda de campaña que se convierte en una cámara portátil.

© Richard Learoyd. Courtesy of the artist and Fraenkel Gallery, San Francisco A la manera de Ingres, 2011 After Ingres Fotografia única en paper Ilfochrome 121,9 × 188 cm

Una de las cosas que uso en mi trabajo es la idea de memoria fotográfica colectiva, es la idea de que una imagen se puede entender en diferentes niveles de memoria, particularmente de memoria fotográfica. Para el retrato de Jasmijn hacia la luz, 2009, me inspire en el retrato de Ana Frank, la niña que nunca tuvo la oportunidad de crecer.”
Richard Learoyd

El material sensible que utiliza en su trabajo de color, tiene una temperatura diferente de la luz día, por lo que necesita filtrar la luz tanto en la cámara como en el flash, para obtener la temperatura de color deseada por el autor.
La única oportunidad que tiene para alterar el tono es durante la modificación del filtraje de color anterior a la toma. Después revela el papel fotográfico en una procesadora y la copia que se obtiene es única. El tiempo del procesado es de 18 minutos.

© Richard Learoyd. Cortesía del artista y Fraenkel Gallery, San Francisco
Gemela I, 2012 Twin I Fotografia única en paper Ilfochrome 147,3 × 121,9 cm

“Estas fotografías se definen como impresiones, ya que la fotografía y la impresión son lo mismo, no hay ninguna oportunidad de hacer una versión de la imagen ya realizada, porque ese momento ya ha pasado.”
Richard Learoyd

Las fotografías siempre reflejan el pasado inmediato, si carecemos de negativos o archivos digitales no se pueden hacer más copias. Esto ocurría con procesos del siglo XIX como el daguerrotipo o el ferrotipo.

Sin embargo, algunas de sus obras en blanco y negro se producen mediante la impresión de un negativo y un papel fotográfico de gelatina de plata que por contacto generan un positivo. De estas imágenes hace un tiraje de 5 copias.

La fotografía y el vídeo contemporáneo siguen teniendo grandes influencias estéticas y narrativas de la pintura: autores como Bill Viola, Gregory Crewdson, Philip-Lorca diCorcia, Stephen Shore, Marie Cosindas, Desiree Dolron, Jeff Bark, Christian Tagliavini, entre otros, y por supuesto también Richard Learoyd. Por ejemplo Edward Hopper ha tenido una influencia muy importante en la fotografía contemporánea norteamericana.

© Richard Learoyd. Cortesía del artista y Fraenkel Gallery, San Francisco
Octopus I, [Pulpo I]
Fotografías únicas en papel Ilfochrome
172,7 x 121,9 cm,

La exposición

Esta exposición, organizada por Fundación MAPFRE y comisariada por Sandra Phillips, presenta a Richard Learoyd en el punto álgido de su trayectoria, a través de una selección de 51 obras en color y en blanco y negro que resume lo mejor de su trabajo realizado a lo largo de una década. En la muestra también se incluye uno de los paisajes realizados en España (en Lanzarote), resultado de un encargo de Fundación MAPFRE y que se incorpora a la Colección de Fotografía de la Fundación, que ya cuenta con otras dos obras del artista.
Después de su paso por nuestra sala de exposiciones de Barcelona y el Fotomuseum Den Haag de La Haya, la exposición llega a Madrid donde se podrá visitar hasta el día 24 de mayo de 2020.

Hugh Mangum

por rafaelroa · martes, 18 febrero 2020 · leave a comment

Fotografía del siglo XIX en la galería Camara Oscura

Roger Ballen en el stand de Camara Oscura en Arco 2020

Juan Curto director de la galería Camara Oscura colabora con Universidad de Duke para difundir el trabajo de Hugh Mangum (1877-1922).

Bajo el titulo “Where We Find Ourselves” los comisarios Alex Harris y Margaret Sartor, y con el apoyo de la universidad antes mencionada han sacado a la luz la obra de este fotógrafo ambulante que se dedicó a dar visibilidad a las personas de esa época. La fotografía desde su nacimiento fue usada de esta manera, las clases populares tuvieron acceso por primera vez a ser representado por esa cantidad de fotógrafos ambulantes que viajaban por cada país difundiendo el nuevo invento.

Los fotógrafos comerciales de finales del siglo XIX ya tuvieron acceso a la placa seca de gelatino bromuro de plata inventada por R. L. Maddox en 1871 y mejorada por Charles E. Bennett en 1878, que terminó desplazando al colodión húmedo a partir de 1882, que desde 1851 había sido el proceso dominante.

Por el periodo en el que vivió Hugh Mangum causaba furor la cámara Kodak y su famoso lema “usted apriete el botón y nosotros hacemos el resto”. Las cámaras cargadas con un rollo de película para poder hacer cien fotografías; y que una vez hechas por el usuario, la enviaban a Kodak para ser reveladas y cargada la cámara de nuevo.

La placa seca facilitó el trabajo de fotógrafos separando en el tiempo en momento de la toma del momento de revelado de la placa para su posterior positivado.

El Fotógrafo

A finales de la última década de 1890, Mangum se aventuró como fotógrafo retratista ambulante, viajando principalmente por Carolina del Norte y Virginia durante el surgimiento de la era de Jim Crow, un periodo en el que se impulsaron las leyes por la segregación de blancos y negros. A pesar de ello, sus retratos revelan una clientela que era muy diversa racial y económicamente hablando, y muestra unas vidas marcadas por el trabajo duro y la opulencia, todos ellos imbuidos de un gran sentido de individualidad y emprendimiento. Una de las más profundas sorpresas de la fotografía de Mangum es su frescura, artísticamente hablando. Tenía un encanto y una curiosidad que se refleja frecuentemente en los rostros de sus modelos. En otras imágenes, su presencia se convierte en invisible y los modelos parecen perdidos en sus mundos interiores y privados. La habilidad de Mangum para capturar esos momentos de vulnerabilidad y de intenso autoreconocimiento se encuentra en el centro de su don como fotógrafo.

Esta interesante exposición de este fotógrafo tan versátil se podrá ver en la galería Camara Oscura hasta el próximo 28 de marzo.

Roger Ballen en ARCO 2020 en el stand de Camara Oscura

El gran fotógrafo Roger Ballen (1950, NY) estará presente en la presente edición de ARCO 2020 en el stand 7F01. Es uno de los fotógrafos contemporáneos más interesantes con una obra muy creativa e indispensable de ser admirada y conocida.

Construye sus obras con una parte de la realidad que manipula y usa en beneficio de todo aquello que quiere realizar. Estas obras tan trabajadas conceptualmente contrastan con su trabajo documental que es directo y sin concesiones. Hijo de una editora de Magnum Adrienne Ballen, desde niño se educo con la fotografía y sus influencias principales fueron Bruce Davison y Andrè Kertesz. No se puede perder la ocasión de ver la obra de Ballen, un referente imprescindible del siglo XXI.

María Teresa Gutiérrez Barranco

por rafaelroa · domingo, 16 febrero 2020 · leave a comment

Expone su serie Atlánticas en el Museo de Guadalajara.

María Teresa Gutierrez Barranco (1948, Madrid) es una artista que que posee esa mirada privilegiada que sólo tienen los grandes maestros. Su fotografía es íntima, delicada, inteligente, reflexiva y aporta en ocasiones ese minimalismo estético de gran belleza y sutileza, que utiliza para expresar sus emociones más profundas.

La vida es un viaje, y la fotografía en ocasiones nos acompaña cada día. María Teresa lleva la cámara como medio de expresión de ese viaje lleno de incertidumbres, sus imágenes se han convertido en un diario visual de los espacios tangibles y de lo que sólo ve ella en su imaginación. Expresar lo que se siente mediante metáforas visuales es sumamente complejo y María Teresa lo realiza a la perfección y lo ofrece con su infinita generosidad.

Resumir la poesía del paisaje, maximizar la luces que otros no ven, acercarnos los pequeños detalles o la grandiosidad del mar o de los espacios abiertos, convertir el acto fotográfico en algo único y sublime; es un soplo de aire puro y fresco frente a la mediocridad de los monocaptadores que nos agreden diariamente con sus basuras.

María Teresa posee una gran cultura visual que la permite abordar sus trabajos desde una perspectiva muy diferente, y la convierte en una fuente de sabiduría, y me gustaría mucho poderla disfrutar en las clases magistrales que organiza el master de la escuela PIC.A.

Es una autora de larga trayectoria, siempre con esa inquietud reflexiva que la permite realizar los proyectos con esa visión personal que le caracteriza. Como amante de la fotografía se involucró en la gestión de la Real Sociedad Fotográfica, siendo presidenta en el periodo 1992-2000, realizando una labor excelente al frente de esta centenaria institución.

La exposición

Tenemos la suerte de poder disfrutar de su exposición Atlánticas hasta el próximo día 23 de febrero en la Sala Azul del Museo de Guadalajara, en el Palacio del Infantado.
El próximo martes 18 de febrero a la 19 horas se realizará un coloquio con la autora.

María Teresa Gutiérrez Barranco en la inauguración de su exposición.

Os reproduzco un aquí un texto de María Teresa Gutiérrez sobre su serie Atlánticas:

Esta pequeña muestra de fotografías marinas, forma parte de una constante en mi vida que viene determinada por la seducción que el mar ejerce sobre mi. Sobre mi, como sobre otros muchos que formamos parte de los habitantes de tierra adentro y para los que las costas marinas se convierten en lo soñado, en lo que no vivimos de forma habitual, en lo que simboliza los territorios de libertad que visitamos durante nuestro tiempo vacacional. El breve contacto con los mares nos lleva después a alimentarnos literariamente de autores como Melville, Conrad, Stevenson… y a visitar con frecuencia las librerías náuticas cuando las tenemos a nuestro alcance.

La primera serie de fotografías que expuse llevaba el titulo de Mediterráneo, su lenguaje fue también el color como en el caso actual, y entre ellos, otros dos trabajos de imágenes marinas realizados en blanco y negro. Cuando reviso de manera conjunta todas estas fotografías, veo que en todas ellas hay un denominador común, la búsqueda de la belleza de las luces marinas en sus diferentes situaciones, incluso más allá de sus aguas, en su vegetación, en su arquitectura y en su hábitat en general.

Las luces que vienen de los océanos y mares son luces largas, livianas, blancas, cálidas o azuladas. Son luces llenas de mariposas e iluminaciones inesperadas, pueden ser también luces tenebrosas, trágicas, devoradoras, invernales. Todas ellas, luces que nacen y mueren en las costas marinas sin tener ningún interés por viajar o pasear por los territorios del interior.Busqué esas luces en mis primeras fotografías en color y a ellas regreso ahora buscando la infinita memoria que nos asalta, al menos alguna vez, a todos. Busco las luces vivas y naturales.

María Teresa Gutiérrez Barranco ©

En estas fotografías no hay ningún tipo de intervención posterior a la toma fotográfica. Sólo luz sobre la propia luz traspasando el tiempo y los espacios como el sutil silbo de cualquier pájaro y tejiendo una renovada memoria extraída de los tiempos profundos.Hay luces que están imantadas y que seducen porque tienen magia en su misma entraña- Las luces oceánicas son hijas directas de los dioses, de las estrellas, de las nubes, de las nieblas y las brumas, de los soles tenues, de la tibieza, el calor o el frío extremo.De ellas, de esas luces seductoras, es el mérito, si es que lo hay, de estas imágenes fotográficas. De la propia naturaleza marina y, no mío.
Septiembre de 2019

Bea Rivas expone AridA en la FNAC

por rafaelroa · lunes, 3 febrero 2020 · 1 comment

Bea Rivas (1976, Madrid) expone su trabajo AridA en la FNAC de Callao en Madrid. Es un trabajo que nos muestra con dureza la cruda realidad del cambio climático y la avaricia especulativa de los seres humanos como cómplices necesarios para los desastres que ya están sucediendo.

La muestra itinerante podrá visitarse en Fnac Callao hasta el 20 de febrero

La obra de Bea Rivas está llena del espíritu crítico necesario para abordar estos temas, y de la belleza visual de sus imágenes que atraen al espectador que las contempla, y lo hace partícipe del problema que estás representan. Sus imágenes están llenas de metáforas visuales, de poesía y de la dureza de las realidades que están presentes y podían haberse evitado.

A diferencia de Edward Burtynsky que muestra los desastres ecológicos con imágenes aéreas que forman collages cromáticos, Bea Rivas sigue la tradición narrativa de los “New Topographics” ( Robert Adams, Lewis Baltz) fotografiando de manera directa los desastres causados por el hombre. Una de características de la forma de trabajar Bea Rivas es el uso de dípticos como medio de presentar las causas y los efectos del problema y de esta forma llamar la atención del espectador.

Bea Rivas refleja, a través de los paisajes de la cuenca del río Segura, la desertificación que sufre nuestro país como resultado de la sobreexplotación o uso y gestión inapropiados en zonas áridas y proclives a la sequía.

Bea Rivas siempre ha sido sensible a estos temas que degradan el medio ambiente y afectan a la vida de las personas: “El agua se ha convertido en un recurso por el que compiten diferentes actividades económicas: el crecimiento intensivo del sector agrícola, la construcción y el desarrollo incontrolado del turismo que emplea finalidades de ocio como piscinas y campos de golf, se mimetiza paradójicamente con el árido desierto, cada vez más contaminado”, señala la autora.

Así, una a una se van deslizando las fotografías que recorren este paisaje español y que invitan a la reflexión. No en vano, AridA tiene un fin: mostrar la realidad y contar un mensaje. Y, en esta serie Bea Rivas ve una advertencia. “Las consecuencias del cambio climático que nos somete a fenómenos extremos cada vez más recurrentes de inundaciones y sequías, el aumento de la demanda de agua por parte de la población y los sectores económicos, nos conducen a un futuro complicado”.

Alberto Fernández, experto en desertificación de WWF España y Rafael Roa, fotógrafo y vídeo creador, presentarán la muestra, junto con Bea Rivas, en Fnac Callao (Madrid), el jueves 6 de febrero a las 19h.

Esta serie de fotografías forma parte de la muestra itinerante “AridA”, que Fnac ha organizado en su compromiso por dar visibilidad a proyectos relacionados con la sostenibilidad y el medio ambiente. La exposición, que arrancó en Zaragoza el pasado mes de octubre, llega ahora a Madrid, y podrá visitarse en Fnac Callao hasta el 20 de febrero.

No os podéis perder esta exposición y sobre todo la presentación de la exposición en la cual podréis escuchar las palabras de Bea Rivas sobre su trabajo.

Francesca Woodman

por rafaelroa · domingo, 3 noviembre 2019 · leave a comment

On being an angel

Francesca Woodman, Self-portrait talking to Vince, Providence, Rhode Island, 1977 © George and Betty Woodman

Se expone en la Fundación Canal de Madrid la obra de Francesca Woodman (1958, Denver- 1981 Nueva York). La exposición titulada “Ser un ángel / On being an angel) fue expuesta con anterioridad en Modena Museet de Estocolmo en 2015 y en el FOAM de Amsterdam en 2016. Ahora la podremos disfrutar en Madrid hasta el próximo 5 de enero.

Francesca Woodman fue una mujer llena de sensaciones intensas, deseos, frustraciones y pensamientos que protectaba en sus obras.

Francesca Woodman, On being an angel © George and Betty Woodman

Se convirtió en el objeto de su obra mediante el cual representaba todo aquello que sentía y le inquietaba. Sus trabajos muestran sin tapujos todos sus fantasmas personales, y quizás esa valentía de no ocultar nada, es lo que hace mucho más valiosa su obra, que se ha hecho más sólida con el paso del tiempo. Ha entrado en el selecto grupo de mujeres que han recorrido ese camino y que sus nombres están en la mente de todos.

Francesca Woodman, From Space, 1976 © Betty and George Woodman

Ellas se alejan de las impostoras fabricadas en la actualidad en este mundo digital y de redes sociales, en el cual la falsedad, y la mediocridad campean a sus anchas con el simple soporte del bombardeo mediático a todo ese rebaño de receptores ignorantes.

Cualquier revolución pequeño burguesa, o cualquier farsante puede tener éxito bajo los parámetros de la mentira, la difamación y la propaganda. Sólo hace falta enseñar un poco de carne y acompañar unas patéticas imágenes, con unos textos ñoños salidos una mediocre fotonovela, para que los pajilleros de las redes las inunden de likes.

La obra de Francesca Woodman es un refugio sincero de sus sufrimientos, gozos y sensaciones y transmiten al espectador esa sinceridad y entrega en el momento de la creación. Encontrase con algo de autenticidad es un soplo aire fresco ante toda la basura que nos agrede y contamina cada día.

Jiri Dokoupil

por rafaelroa · domingo, 27 octubre 2019 · leave a comment

La via anal, sexo y arte contemporáneo

Jiri Dokoupil, 1989 en Madrid. Rafael Roa ©

El sexo latino y caribeño (…) es más natural que el acto sexual pequeño-burgués centro europeo. Allí el sexo está mucho más <<orientado hacia el ano>>: la lengua desempeña una función más ilustre que en nuestras latitudes.
Jiri Georg Dokoupil
Me encontré con Jiri Dokoupil en Madrid en 1989, desde entonces he seguido su trayectoria artística. El retrato se publicó en EPS.
Hay un ensayo muy interesante de Donald Kuspit titulado “Emociones Extremas” en el que plantea bajo el arte realizado por diferentes creadores su posición, relación, y opinión sobre el Pathos espiritual y sexual en el arte. Hay un capitulo dedicado a Jiri Dokoupil en el cual nos habla de la relación entre la obra de este artista y sus opiniones sobre el sexo.

Cualquier artista refleja sus pensamientos e inquietudes en sus obras, el arte es una via para expresar las inquietudes del mismo. El problema surge cuando el poder representado por el control del mercado del arte, establece una censura moral acorde a su forma de ver la vida. Esta atenta contra la libertad de creación, apartando como apestados a todos aquellos que en sus obras cuestionan la moral dominante.

Tenemos ejemplos muy claros en la historia, como la Inquisición que era una forma de eliminación de oponentes políticos y de pensadores. En los países dominados por un poder religioso, ese fanatismo trata a las mujeres como ciudadanos de segunda clase y somete a todos a una estricta y absurda moral. Mientras el mundo occidental sigue haciendo negocios con ellos mirando hacia otro lado.

Rafael Roa © 1989
de la serie Hidden Desires

Dokoupil nos habla de sus preferencias sexuales, el sexo debe ser espontáneo y alejarse de esos comportamientos pequeño-burgueses europeos, pero sus planteamientos no son tan simples como para resumirlo en un estereotipo sexual.

Donald Kuspit lo analiza en profundidad, lo cuestiona y también lo avala en sus planteamientos. Cada cual debería leer ensayo de Kuspit para sacar sus propias conclusiones.
Lo que es incuestionable es la censura del arte y de las redes sociales sobre el desnudo, el sexo y su representación visual. Hay cada vez una vuelta al oscurantismo y hacia una persecución constante.

Me permito publicar una imagen de mi serie Hidden Desires acompañando este texto.

King Princess, una joven artista refleja en las letras de sus canciones sus deseos sexuales.

Rafael Roa, próximos talleres

por rafaelroa · jueves, 26 septiembre 2019 · leave a comment

Talleres de fotografía en noviembre

Os quiero presentar los dos talleres que voy a organizar este otoño.

El primero será teórico-práctico sobre la puesta en escena en el desnudo titulado “El lenguaje del cuerpo” , al tiempo que el segundo será de carácter teórico –”El retrato contemporáneo” – versará sobre la evolución del retrato hasta las últimas tendencias actuales.

“El lenguaje del cuerpo”
9/11 en Madrid

Conoceremos las tendencias estético-narrativas de esta disciplina, que se complementará con una demostración de como abordo este tipo de fotografía en mi actividad profesional.
Por la tarde los ocho alumnos seleccionados tendrán el tiempo suficiente para desarrollar sus propias ideas.

Es la tercera vez que voy a hacer este taller en Madrid, y he intentado siempre mejorar con respecto al anterior.

Así, he reducido en dos plazas el número de alumnos totales con respecto al taller anterior con el fin de que los participantes en esta nueva edición puedan trabajar más cómodamente en los dos platós que se pondrán a su disposición.
Me interesan alumnos con un interés especial en desarrollar su propio trabajo.
En la última hora del taller comentaremos algunos de los trabajos realizados.

Tenéis toda la información del taller y para realizar la reserva en este link

Taller de Desnudo

El retrato contemporáneo
16/11 en Madrid

Se trata de la primera vez que propongo un taller teórico de estas características, que enlaza con mi práctica habitual como profesor de “Historia y Estética de la Fotografía” en la escuela PIC.A.

En este taller veremos las evoluciones estético-narrativas del retrato desde el siglo XIX hasta las últimas tendencias contemporáneas. El programa se divide en cuatro módulos con un orden temporal y según las diferentes especialidades del retrato.
El máximo de alumnos para este taller será de 25.

Tenéis toda la información del taller y para realizar la reserva en este link:

Taller de retrato

Clare Strand -PHE19

por rafaelroa · jueves, 27 junio 2019 · leave a comment

Clare Strand (1973, Gran Bretaña) es una artista conceptual, trabaja en equipo con su marido Gordon MacDonald formando el colectivo MacDonaldStrand. Nos presenta en esta exposición su serie The Discrete Channel with Noise que se compone de fotografía, pintura y maquinaria e instalación de sonido.

**Clare Strand ©** The Discrete Channel with Noise: Information Source #7, 2018

En este proyecto, Clare Strand trabajó con Gordon McDonald, aunque estuvieron separados físicamente. Gordon eligió 10 imágenes de un grupo de 36, todas con un tamaño estándar, procedentes de periódicos de su colección. Mediante una comunicación telefónica, los Strand trataron de traducir distintos valores tonales de la fotografía a la pintura. Inspirada en la frase del personaje Mike Teavee: “Usted fotografía algo y luego la fotografía se divide en millones de piezas diminutas y salen volando por el aire, y luego bajan a su televisor cuando se juntan en el orden correcto”, de la película: Charlie and the Chocolate Factory, Roald Dahl, 1971. La experiencia de Mike Teavee es uno de los puntos de partida para la exhibición de Clare Strand. El personaje precoz explica el proceso de transmisión de una fotografía. Sin embargo, lo que Mike no puede prever son las complicaciones y las interrupciones que pueden ocurrir en el acto de transmisión. Cuando Mike se transporta a sí mismo a través de ‘Wonka Vision’, se rompe en un millón de piezas, pero cuando se lo vuelve a armar es una décima parte de su tamaño original.

**Clare Strand ©** The Discrete Channel with Noise

The Discrete Channel with Noise – Centre Photographique dlle- de –France 8th April 2018 – 8th July 2018

Lo que nos queda

Desde un tiempo a esta parte estamos asistiendo a el uso masivo de archivos fotográficos que intervenidos forman una propuesta nueva de cada artista. Es una moda, porque no supone innovación. Lo hemos visto desde los tiempos de Aby Moritz Warburg ( 1866 – 1929), posteriormente con la fotografía dadaísta, o el fotomontaje posterior a la Segunda Guerra Mundial. Personalmente prefiero el desafío de aquellos artistas que intentan crear nuevas estéticas personales para el desarrollo de sus obras. Ahora se realizan proyectos artisticos en los cuales las imágenes no se comprenden por el espectador si no es a tráves de un texto. Las palabras se convierten en la parte principal de la obra, y las imágenes en algo complementario, es decir las fotografías han perdido su narrativa visual y se han vuelto indescifrables . En ocasiones la explicación de la idea no cumple las expectivas de la materialización de las mismas, y por tanto se produce una frustración en los receptores de las obras. La expresión de una obra conceptual no debería necesitar de ningún apoyo teórico, cada espectador realiza su propia interpretación. Los artistas en ocasiones son atrapados sus análisis teóricos y se alejan de las emociones necesarias para crear ese punctum en el espectador, que es necesario para conectar con cualquier obra artística.

Susan Bright

En el programa de exposiciones y actividades del festival, PHotoESPAÑA ha invitado a la curadora y escritora británica Susan Bright para que sea la invitada de la edición de 2019 del Festival. Bajo el titulo de ¿Déjà vu? se concentra el grupo de exposiciones comisariadas por la británica Susan Bright en la actual edición de PHE. Se apoya en la tradición y la contemporaneidad. “Para la selección aquí hay un retorno a la relación histórica que la fotografía tiene con la pintura y también un cambio en la forma en que alguna vez se consideraron ciertas fotografías, pero ahora se vuelven a proyectar”, afirma Susan Bright. Podremos visitarlas en tres espacios diferentes. Desde el 5/6 al 21/7 y en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez nos encontraremos con las exposiciones de Elina Brotherus, Clare Strand y Délio Jasse. Sharon Core y Laura Letinsky estarán en el Museo del Romanticismo desde el 4/6 al 22/9, y Patrick Pound en el Museo Lázaro Galdiano.

Ramón Masats en la RSF

por rafaelroa · jueves, 20 junio 2019 · leave a comment

Ramón Masats (1931, Barcelona) es un fotógrafo muy importante de la generación que se agrupó en torno a la revista AFAL en 1956. Sus inicios fueron en 1953 con su reportaje sobre las Ramblas. Después se unió a la Agrupación Fotográfica de Cataluña en la cual se encontró con Xavier Miserachs y Ricard Terré con unas sensibilidades estéticas similares con respecto a la fotografía.

A partir de 1957 se instala Madrid, colaborando con la revista Gaceta Ilustrada. Se hace inseparable de Gabriel Cualladó y Paco Gómez, miembros de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. En ese mismo año se integran en el Grupo AFAL.

Con posterioridad combina las exposiciones de su obra personal con colaboraciones editoriales. Colaboró con Miguel Delibes en la publicación de Viejas Historias de Castilla la Vieja en 1964.
Su pasión por el cine le lleva a la realización del documental “El que enseña” en 1964 que fue premiado en el Festival de Cinematografía de Bilbao. Durante un periodo de diez y ocho años se dedica a la realización de documentales para televisión.

Desde 1981 vuelve a la fotografía publicando diversos libros y realizando exposiciones. En 2004 recibe el Premio Nacional de Fotografía.
Ramón Masats es uno de los grandes referentes de la fotografía española de esa generación.

Ironia y Color – Festival Off PHE2019

Hasta el 27 de junio expone en la RSF de Madrid una muestra de su trabajo en color, menos conocido para el gran público, en la cual nos muestra su innovación en el manejo de este soporte. Una exposición muy interesante que refleja la extensión y profundidad de la obra de este autor. A veces en este país valoramos más a fotógrafos extranjeros como innovadores de algo que han hecho ya autores españoles con anterioridad y que su obra no ha sido debidamente difundida con la intensidad que hubiese sido necesaria. La exposición bajo en título “Ironía y Color” ha sido comisariada por Angélica Suela de la Llave y Enrique Sanz y forma parte del Festival Off de PHE 2019.

Hoy 20 de junio a las 19,30h, Ramón Masats será nombrado Socio de Honor de la Real Sociedad Fotográfica, en un acto que se celebrará a la 19.30h, en la calle Tres Peces 2, Madrid.

Elina Brotherus – Playground

por rafaelroa · jueves, 6 junio 2019 · leave a comment

PHE – 2019

Elina Brotherus © Flux Harpsichord Concert 2016, 90 x 120 cm After George Maciunas, 12 compositions for piano – for Nam June Paik, Composition no.5: Place a dog or a cat (or both) inside a piano and play Chopin, 1962, and after Flux-Harpsichord Konzert, Akademie der Künste, Berlin, organised by René Block, Sept. 3, 1976

Elina Brotherus (1972, Helsinki) es una prestigiosa fotógrafa que pertenece a la Escuela de Helsinki. Desde hace años viene realizando un trabajo en el que ella se convierte en el sujeto de su obra. Sus series iniciales se podían considerar como relatos íntimos, de sus sensaciones y vida cotidiana, y en algunos casos llenos de dramatismo. Brotherus considera que después de 20 años ya lo ha hecho practicamente todo: se ha fotografiado desde todos los ángulos y posiciones posibles y es el momento de buscar nuevos planteamientos.

Carry a Person to Another Place 2017, 80×106 cm After Merce Cunningham: “Take an object or a person if you want, and transport that object elsewhere, you will see it differently: it’s not the object that changed, it’s the situation.” (From David Vaughan : Merce Cunningham, un demi-siècle de danse, Éditions Plume, 1997)

Bajo Playground como se titula la exposición, se encuenta el cuerpo principal de su serie Règle de jeu (2016-2017), podemos considerar que es un cambio con respecto al trabajo anterior de la artista que se dirige hacia el registro de la performance. Esto supone una liberación, y una ruptura de la artista con respecto a sus trabajos anteriores en los que focalizaba sus obras sobre temas más personales. Trabaja con la bailarina y coreógrafa Vera Nevanlinna. Produce imágenes cómicas, surrealistas y absurdas y se interesa más por el registro del acontecimiento. El nuevo planteamiento parte de la premisa que en el único espacio que adulto puede jugar como un niño es produciendo arte.

Elina Brotherus © Performance Is Cancelled Due To Illness 2017, 90 x 120 cm After Elina Brotherus, Performance is cancelled due to illness, 2017.

En esta serie intenta versionar obras de arte ya realizadas por otros artistas previamente, cuestionando la existencia de la obra única. Considera una nueva forma de abordar el trabajo creativo bajo el planteamiento de convertirse en una estudiante de arte que sigue instrucciones de diversos profesores. De esta forma solo tiene que seguir las sugerencias de otros y realizar los ejercicios. Siguió las instrucciones que John Baldessari dio a sus estudiantes en 1970.

Esta serie fue premiada en la Carte Blanche PMU de 2017. La obra se expuso por primera vez en el Centro Pompidou y, al mismo tiempo, se publicó como monografía en las ediciones Filigranes.

**Elina Brotherus ©**
**Ich male einfach was ich sehe** 2017, 60 x 80 cm
After Asta Gröting: Ich male einfach was ich sehe, 1985.

Elina Brotherus es una artista que cuida mucho la realización de sus obras y estas tienen un atractivo estético y narrativo muy evidente para el espectador. Su trabajo es contundente y preciso, y la materialización de sus ideas están a la misma altura que sus planteamientos teóricos. Esto no ocurre con otros artistas que fracasan en ese proceso de materialización. Playground es una de la exposiciones más interesantes de esta edición de PHE. Os dejó el vídeo de su presentación a pesar de la mala calidad del audio por los ruidos de la sala, la calidad no es la adecuada pero merece la pena oír sus explicaciones.

La exposición está comisariada por Susan Bright bajo el título Déjà Vu y también participan los artistas Clare Strand y Délio Jasse. Se expone en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez hasta el 21/7.

Elina Brotherus inauguró ayer la exposición A New Sense of Order en la galería Camara Oscura de Madrid, en la cual presenta algunas obras de sus trabajos anteriores.

Valentín Sama, exposición homenaje organizada por ANEF

por rafaelroa · lunes, 3 junio 2019 · leave a comment

Valentín Sama en su estudio, 1984. Hasselblad 500C (fílmica) Rafael Roa ©

Hablar de Valentín Sama (1946, Madrid) es hacerlo de un gran fotógrafo, multidisciplinar y con grandes conocimientos técnicos; especializado en óptica, coleccionista de cámaras, profesor de la Facultad de Bellas Artes y de la escuela EFTI de Madrid.

Los tres amigos aficionados a la fotografía Álvaro Bergol, Pedro Mari Errazquin, Valentín Sama Autorretrato con autodisparador. Kodak Retina 1b (1954) Zurriola / San Sebastián Circa 1960

Comisario de exposiciones, y periodista especializado en el medio fotográfico desde 1983.
En 2004 creó con su blog ‘Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión‘, siendo fundador del portal de fotografía DSLR Magazine, que actualmente se llama Albedo Media.
Su infancia la vivió en San Sebastián, ciudad en la cual, sus años adolescentes transcurrieron entre experimentos químicos en el laboratorio del colegio Alemán y el aprendizaje de la fotografía. También fue –en su juventud– tirador deportivo de precisión del equipo español y piloto de rallyes.

Valentín Sama © ‘Circo de los Muchachos’, 1978, Original Cibachrome. Copia facsimilar 2019

Para mí ha sido un placer contar con su amistad desde 1981, desde aquellos tiempos en los que la fotografía no era considerada un arte; hemos compartido muchos años desde entonces de colaboraciones, acuerdos, discrepancias, confidencias, experiencias fotográficas, y sobre todo, he disfrutado aprendiendo de su enorme conocimiento sobre el medio fotográfico.

Valentín Sama © “Volkswagen repintado”
1978
Original Cibachrome
Copia facsimilar 2019

Siempre le comento, en nuestros paseos matinales, que es una pena que no se pudiese conectar su cerebro a un ordenador como se hace en “Matrix” para salvaguardar su conocimiento para generaciones venideras.

Sama fue quien me enseñó a revelar Cibachrome, ese sistema de positivado directo de diapositivas a papel en color de calidad de museo, que a comienzo de los años ochenta sólo lo hacía un laboratorio en Barcelona y los hermanos Rosón en Madrid, en “El Ojo”; por eso me escandalizo cuando veo, en algún sitio web, que personas cercanas a él se postulan como precursoras de este proceso, cuando no ha sido así.

Valentín Sama © “Pimiento varado” Investigación personal Efecto de intermitencia sobre película Polaroid 669 Obra única 1985

En aquellos años, expuso en la galería Image que codirigí con Pepe Puga y Rafael Ramírez, así como en la Europalia del 85 en Bruselas en la primera muestra de fotografía española en el exterior más importante después de la dictadura.

Valentin Sama © “Piña naufragando en un mar de gelatina”
Investigación personal
Efecto de intermitencia sobre película Polaroid 669
Obra única
1985

En 1996 realizamos juntos el libro del 150 aniversario de Loewe, en el cual por primera vez se utilizaron transferencias de negativo de Polaroid sobre papel en un libro dedicado a la historia de una marca. Sama fue el responsable de la mayoría de esas tomas, dada su pericia con el medio.

Encargo comercial para el centenario de la firma LOEWE
Transferencia a partir de Polaroid 59 en 4×5″ sobre papel Guarro SuperAlfa
Obra única
1996
© Realizado en equipo, Valentín Sama / Rafael Roa

Desde entonces, medios tales como las revista PHOTO, , FOTO Profesional y FV, de la cual fue socio fundador así como posteriormente en su blog, “Acerca de la Fotografía, DSLR Magazine, y ahora Albedo Media han contado con su participación en artículos y excepcionales y minuciosas pruebas técnicas que han ilustrado a todas las personas interesadas en el medio.

Valentín Sama © Encargo para “Don Quijote: Una nueva mirada” (Quinto centenario del Quijote)
2005
Hasselblad SWC (fílmica)
Iluminado a mano con disparos múltiples de flash

Sus alumnos, tanto de la Facultad de Bellas Artes como de EFTI, o de los innumerables talleres que ha realizado a los largo de estos treinta y nueve años de intensa actividad, guardan un recuerdo imborrable de su forma de enseñar.

Circa 1996 Meses aparte: “El sepelio del perro vagabundo” Cámara Mamiya 645 Super (fílmica

En 1995 comisarió una de las más importantes exposiciones de fotografía española que fue itinerante por 25 países de América Latina durante varios años, “El Ojo Crítico/El Ojo Lírico”.

Como autor, fue un pionero del color, con una estética minimalista y vanguardista para esos años, en los cuales todavía se producía en la fotografía española un dominio del blanco y negro y de narrativas de fotografía documental.
Sama con la serie que expuso en la galería Image de naturalezas muertas con un lenguaje conceptual, se posicionó en una vanguardia estética y narrativa. Técnicamente eran efectos de intermitencia sobre película Polaroid 669.

La Asociación Nacional para la Enseñanza de la Fotografía (ANEF) inauguró el pasado 29 de mayo la exposición “Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión”. 

Además de esta exposición el día 7 de junio a las 13h, se realizará una charla en homenaje a Valentín Sama, por toda una vida dedicada a la fotografía, como docente, autor, periodista y estudioso del medio.

Este homenaje forma parte del programa del congreso internacional ‘Programa Aprendiendo el futuro. Jornada de estudio y reflexión sobre el futuro de la enseñanza fotográfica‘ que organiza ANEF. El acceso es gratuito, pero se requiere inscripción a estas jornadas –vía Eventbrite– para poder controlar el aforo.

Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión.
Una exposición de Valentín Sama, desde 1950′
Organizada por
ANEF
Comisariada por
Manuel San Frutos
Fecha inicio
29 de mayo de 12019
Lugar
Sala ‘La Trasera’.
Facultad de Bellas Artes de Madrid (UCM)
Calle Pintor el Greco 2, Madrid
Precio
Entrada gratuita

Alma Haser

por rafaelroa · lunes, 4 marzo 2019 · leave a comment

Transformar el retrato

Alma Haser © de la serie I always have to repeat myself

Alma Haser (1989, Selva Negra, Alemania) es una artista que vive en Londres. Se interesa por la creación de un retrato construido y realizado con diferentes técnicas como el origami o papiroflexia. Su intención en transformar lo que ve y crear para el espectador una nueva interpretación del retrato usando está técnica.

Alma Haser © de la serie I always have to repeat myself

Alma Haser se descompone y transforma a si misma en su serie “I always have to repeat myself” jugando con la relación del tiempo y acto fotográfico en unos casos y en otro una visión poética y misteriosa.

Alma Haser © de la serie I always have to repeat myself

Cosmic Surgery

Sus imágenes se convierten a los personajes que fotografía en objetos únicos que alejan al espectador del habitual tratamiento del retrato. Ella modifica al personaje y luego lo fotografía. Podemos decir que usa una especie de máscaras de construcción propia, y eso aporta a sus obras un tratamiento diferente por el uso del origami. Esto lo realiza de forma magistral en su serie “Cosmic Surgery”.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

Hoy en día han surgido múltiples autores que ocultan el rostro de los sujetos que fotografían, tenemos muchas referencias en la fotografía contemporánea: una de ellas es la finlandesa Anni Leppäla que emplea el cabello de sus modelos como forma sencilla de ocultar su rostro. En Anni Leppäla hay una intención de cambiar el concepto de la imagen y del personaje y provocar en el espectador una reflexión diferente. Aunque la ocultación del rostro se viene haciendo desde los orígenes de la fotografía, hoy en día artistas como Alma Haser lo abordan de forma diferente.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

Otra artista que hace lo mismo con diferentes objetos cotidianos, es la iraní Shadi Ghadirian; aunque en este caso hay una intención crítica para recalcar el papel gregario de la mujer en la vida cotidiana.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

The Ventriloquist

Su imagen The Ventriloquist fue seleccionada para el Premio Taylor Wessing Portrait de la National Portrait gallery de Londres en 2012. Es recomendable visitar su web.

Alma Haser © The Ventriloquist

Eugenio Recuenco, 365º

por rafaelroa · sábado, 26 enero 2019 · leave a comment

Arte con mayúsculas

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco (Madrid, 1968) expone sus obras de la serie 365º en el CEART de Fuenlabrada, dicha exposición ha sido prorrogada hasta el 20 de marzo. Quizás esta exposición sea lo mejor que hemos podido ver en mucho tiempo. Recuenco que lleva ya muchos años siendo una referencia muy importante de la nueva fotografía contemporánea, da un salto cualitativo muy grande que lo sitúa al primer nivel de los artistas internacionales que utilizan la puesta en escena como forma de abordar su trabajo creativo.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco presenta su trabajo de forma innovadora, una instalación grandiosa, pirámides de imágenes y muros construidos con cajas de luz sumergen al espectador en un espacio sugerente, evocador, que le provoca una abstracción del mundo real. 365º es una obra compleja en su concepción expositiva, este calendario no lineal de imágenes nos invita a disfrutar de la magia de la imaginación de este artista interpretando los hechos, tendencias, referencias culturales del siglo XX y comienzos del XXI. Estas imágenes creadas en soporte fotográfico del siglo XXI no existen hasta que el artista materializa sus ideas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Cada imagen es un regalo adictivo que empuja al espectador al disfrute de un viaje continuo de metáforas visuales, color y narrativa inapelables. Podemos tomar como referencia conceptual, respecto al espacio en el cual ha creado Recuenco sus obras, esa habitación sin vistas con una ventana en el muro izquierdo por el cual entra la luz, con el espacio usado en la serie de retratos “Corner” de Irving Penn. Los dos artistas encierran a sus personajes en un habitáculo creado para la realización de las obras.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

La puesta en escena

La puesta en escena, esa característica de la fotografía desde sus inicios, vilipendiada por Cartier-Bresson definiéndolo como “teatro escenificado” y quitándole la denominación de fotografías. Y sin saberlo, Cartier-Bresson tenía razón porque igual que no valoró la obra de Oscar Gustav Rejlander “Los dos caminos de la vida” de 1857; la excelente puesta en escena de las obras de Eugenio Recuenco, Erwin Olaf, o Gregory Crewdson son arte contemporáneo con letras mayúsculas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Sobre el Premio Nacional de Fotografía

Una última reflexión sobre la lotería que supone el Premio Nacional de Fotografía; es sonrojante ver a algunos de los que tienen este premio, prematuramente y con una trayectoria de escaso y débil recorrido, ver cuales han sido sus trabajos realizados después de que este premio les haya caído del cielo, y comparar la lista de fotógrafos de larga trayectoria y calidad que no lo tienen entre los que incluyo a Eugenio Recuenco.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

A lo mejor están pensando en otorgarle a Eugenio Recuendo el Premio Nacional de Artes Plásticas, nunca se sabe. La buena noticia es que podemos disfrutar de la obra de este artista hasta el 20 de marzo en el CEART de Fuenlabrada.

Imagen de la exposición de Eugenio Recuendo en el CEART de Fuenlabrada.

Manuel Zambrana, el fin del tiempo

por rafaelroa · jueves, 17 enero 2019 · 1 comment