Clare Strand -PHE19

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Clare Strand (1973, Gran Bretaña) es una artista conceptual, trabaja en equipo con su marido Gordon MacDonald formando el colectivo MacDonaldStrand. Nos presenta en esta exposición su serie The Discrete Channel with Noise que se compone de fotografía, pintura y maquinaria e instalación de sonido.
Clare Strand © The Discrete Channel with Noise: Information Source #7, 2018
En este proyecto, Clare Strand trabajó con Gordon McDonald, aunque estuvieron separados físicamente. Gordon eligió 10 imágenes de un grupo de 36, todas con un tamaño estándar, procedentes de periódicos de su colección. Mediante una comunicación telefónica, los Strand trataron de traducir distintos valores tonales de la fotografía a la pintura. Inspirada en la frase del personaje Mike Teavee: “Usted fotografía algo y luego la fotografía se divide en millones de piezas diminutas y salen volando por el aire, y luego bajan a su televisor cuando se juntan en el orden correcto”, de la película: Charlie and the Chocolate Factory, Roald Dahl, 1971. La experiencia de Mike Teavee es uno de los puntos de partida para la exhibición de Clare Strand. El personaje precoz explica el proceso de transmisión de una fotografía. Sin embargo, lo que Mike no puede prever son las complicaciones y las interrupciones que pueden ocurrir en el acto de transmisión. Cuando Mike se transporta a sí mismo a través de ‘Wonka Vision’, se rompe en un millón de piezas, pero cuando se lo vuelve a armar es una décima parte de su tamaño original.
Clare Strand © The Discrete Channel with Noise

The Discrete Channel with Noise – Centre Photographique dlle- de –France 8th April 2018 – 8th July 2018

Lo que nos queda

Desde un tiempo a esta parte estamos asistiendo a el uso masivo de archivos fotográficos que intervenidos forman una propuesta nueva de cada artista. Es una moda, porque no supone innovación. Lo hemos visto desde los tiempos de Aby Moritz Warburg ( 1866 – 1929), posteriormente con la fotografía dadaísta, o el fotomontaje posterior a la Segunda Guerra Mundial. Personalmente prefiero el desafío de aquellos artistas que intentan crear nuevas estéticas personales para el desarrollo de sus obras. Ahora se realizan proyectos artisticos en los cuales las imágenes no se comprenden por el espectador si no es a tráves de un texto. Las palabras se convierten en la parte principal de la obra, y las imágenes en algo complementario, es decir las fotografías han perdido su narrativa visual y se han vuelto indescifrables . En ocasiones la explicación de la idea no cumple las expectivas de la materialización de las mismas, y por tanto se produce una frustración en los receptores de las obras. La expresión de una obra conceptual no debería necesitar de ningún apoyo teórico, cada espectador realiza su propia interpretación. Los artistas en ocasiones son atrapados sus análisis teóricos y se alejan de las emociones necesarias para crear ese punctum en el espectador, que es necesario para conectar con cualquier obra artística.

Susan Bright

la curadora y escritora británica Susan Bright
En el programa de exposiciones y actividades del festival, PHotoESPAÑA ha invitado a la curadora y escritora británica Susan Bright para que sea la invitada de la edición de 2019 del Festival. Bajo el titulo de ¿Déjà vu? se concentra el grupo de exposiciones comisariadas por la británica Susan Bright en la actual edición de PHE. Se apoya en la tradición y la contemporaneidad. “Para la selección aquí hay un retorno a la relación histórica que la fotografía tiene con la pintura y también un cambio en la forma en que alguna vez se consideraron ciertas fotografías, pero ahora se vuelven a proyectar”, afirma Susan Bright. Podremos visitarlas en tres espacios diferentes. Desde el 5/6 al 21/7 y en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez nos encontraremos con las exposiciones de Elina Brotherus, Clare Strand y Délio Jasse. Sharon Core y Laura Letinsky estarán en el Museo del Romanticismo desde el 4/6 al 22/9, y Patrick Pound en el Museo Lázaro Galdiano.

Ramón Masats en la RSF

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Ramón Masats © 1985, Madrid

Ramón Masats (1931, Barcelona) es un fotógrafo muy importante de la generación que se agrupó en torno a la revista AFAL en 1956. Sus inicios fueron en 1953 con su reportaje sobre las Ramblas. Después se unió a la Agrupación Fotográfica de Cataluña en la cual se encontró con Xavier Miserachs y Ricard Terré con unas sensibilidades estéticas similares con respecto a la fotografía.

A partir de 1957 se instala Madrid, colaborando con la revista Gaceta Ilustrada. Se hace inseparable de Gabriel Cualladó y Paco Gómez, miembros de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. En ese mismo año se integran en el Grupo AFAL.

Con posterioridad combina las exposiciones de su obra personal con colaboraciones editoriales. Colaboró con Miguel Delibes en la publicación de Viejas Historias de Castilla la Vieja en 1964.
Su pasión por el cine le lleva a la realización del documental “El que enseña” en 1964 que fue premiado en el Festival de Cinematografía de Bilbao. Durante un periodo de diez y ocho años se dedica a la realización de documentales para televisión.

Ramón Masats © 2003 Túnez

Desde 1981 vuelve a la fotografía publicando diversos libros y realizando exposiciones. En 2004 recibe el Premio Nacional de Fotografía.
Ramón Masats es uno de los grandes referentes de la fotografía española de esa generación.

Ironia y Color – Festival Off PHE2019

Hasta el 27 de junio expone en la RSF de Madrid una muestra de su trabajo en color, menos conocido para el gran público, en la cual nos muestra su innovación en el manejo de este soporte. Una exposición muy interesante que refleja la extensión y profundidad de la obra de este autor. A veces en este país valoramos más a fotógrafos extranjeros como innovadores de algo que han hecho ya autores españoles con anterioridad y que su obra no ha sido debidamente difundida con la intensidad que hubiese sido necesaria. La exposición bajo en título “Ironía y Color” ha sido comisariada por Angélica Suela de la Llave y Enrique Sanz y forma parte del Festival Off de PHE 2019.

Ramón Masats © 2003

Hoy 20 de junio a las 19,30h, Ramón Masats será nombrado Socio de Honor de la Real Sociedad Fotográfica, en un acto que se celebrará a la 19.30h, en la calle Tres Peces 2, Madrid.

Elina Brotherus – Playground

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PHE – 2019

Elina Brotherus © Flux Harpsichord Concert 2016, 90 x 120 cm After George Maciunas, 12 compositions for piano – for Nam June Paik, Composition no.5: Place a dog or a cat (or both) inside a piano and play Chopin, 1962, and after Flux-Harpsichord Konzert, Akademie der Künste, Berlin, organised by René Block, Sept. 3, 1976

Elina Brotherus (1972, Helsinki) es una prestigiosa fotógrafa que pertenece a la Escuela de Helsinki. Desde hace años viene realizando un trabajo en el que ella se convierte en el sujeto de su obra. Sus series iniciales se podían considerar como relatos íntimos, de sus sensaciones y vida cotidiana, y en algunos casos llenos de dramatismo. Brotherus considera que después de 20 años ya lo ha hecho practicamente todo: se ha fotografiado desde todos los ángulos y posiciones posibles y es el momento de buscar nuevos planteamientos.

Carry a Person to Another Place 2017, 80×106 cm After Merce Cunningham: “Take an object or a person if you want, and transport that object elsewhere, you will see it differently: it’s not the object that changed, it’s the situation.” (From David Vaughan : Merce Cunningham, un demi-siècle de danse, Éditions Plume, 1997)

Bajo Playground como se titula la exposición, se encuenta el cuerpo principal de su serie Règle de jeu (2016-2017), podemos considerar que es un cambio con respecto al trabajo anterior de la artista que se dirige hacia el registro de la performance. Esto supone una liberación, y una ruptura de la artista con respecto a sus trabajos anteriores en los que focalizaba sus obras sobre temas más personales. Trabaja con la bailarina y coreógrafa Vera Nevanlinna. Produce imágenes cómicas, surrealistas y absurdas y se interesa más por el registro del acontecimiento. El nuevo planteamiento parte de la premisa que en el único espacio que adulto puede jugar como un niño es produciendo arte.

Elina Brotherus © Performance Is Cancelled Due To Illness 2017, 90 x 120 cm After Elina Brotherus, Performance is cancelled due to illness, 2017.

En esta serie intenta versionar obras de arte ya realizadas por otros artistas previamente, cuestionando la existencia de la obra única. Considera una nueva forma de abordar el trabajo creativo bajo el planteamiento de convertirse en una estudiante de arte que sigue instrucciones de diversos profesores. De esta forma solo tiene que seguir las sugerencias de otros y realizar los ejercicios. Siguió las instrucciones que John Baldessari dio a sus estudiantes en 1970.

Esta serie fue premiada en la Carte Blanche PMU de 2017. La obra se expuso por primera vez en el Centro Pompidou y, al mismo tiempo, se publicó como monografía en las ediciones Filigranes.

Elina Brotherus ©
Ich male einfach was ich sehe 2017, 60 x 80 cm
After Asta Gröting: Ich male einfach was ich sehe, 1985.

Elina Brotherus es una artista que cuida mucho la realización de sus obras y estas tienen un atractivo estético y narrativo muy evidente para el espectador. Su trabajo es contundente y preciso, y la materialización de sus ideas están a la misma altura que sus planteamientos teóricos. Esto no ocurre con otros artistas que fracasan en ese proceso de materialización. Playground es una de la exposiciones más interesantes de esta edición de PHE. Os dejó el vídeo de su presentación a pesar de la mala calidad del audio por los ruidos de la sala, la calidad no es la adecuada pero merece la pena oír sus explicaciones.

La exposición está comisariada por Susan Bright bajo el título Déjà Vu y también participan los artistas Clare Strand y Délio Jasse. Se expone en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez hasta el 21/7.

Elina Brotherus inauguró ayer la exposición A New Sense of Order en la galería Camara Oscura de Madrid, en la cual presenta algunas obras de sus trabajos anteriores.

Valentín Sama, exposición homenaje organizada por ANEF

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Valentín Sama en su estudio, 1984. Hasselblad 500C (fílmica) Rafael Roa ©

Hablar de Valentín Sama (1946, Madrid) es hacerlo de un gran fotógrafo, multidisciplinar y con grandes conocimientos técnicos; especializado en óptica, coleccionista de cámaras, profesor de la Facultad de Bellas Artes y de la escuela EFTI de Madrid.

Los tres amigos aficionados a la fotografía Álvaro Bergol, Pedro Mari Errazquin, Valentín Sama Autorretrato con autodisparador. Kodak Retina 1b (1954) Zurriola / San Sebastián Circa 1960


Comisario de exposiciones, y periodista especializado en el medio fotográfico desde 1983.
En 2004 creó con su blog ‘Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión‘, siendo fundador del portal de fotografía DSLR Magazine, que actualmente se llama Albedo Media.
Su infancia la vivió en San Sebastián, ciudad en la cual, sus años adolescentes transcurrieron entre experimentos químicos en el laboratorio del colegio Alemán y el aprendizaje de la fotografía. También fue –en su juventud– tirador deportivo de precisión del equipo español y piloto de rallyes.

Valentín Sama © ‘Circo de los Muchachos’, 1978, Original Cibachrome. Copia facsimilar 2019


Para mí ha sido un placer contar con su amistad desde 1981, desde aquellos tiempos en los que la fotografía no era considerada un arte; hemos compartido muchos años desde entonces de colaboraciones, acuerdos, discrepancias, confidencias, experiencias fotográficas, y sobre todo, he disfrutado aprendiendo de su enorme conocimiento sobre el medio fotográfico.

Valentín Sama © “Volkswagen repintado”
1978
Original Cibachrome
Copia facsimilar 2019

Siempre le comento, en nuestros paseos matinales, que es una pena que no se pudiese conectar su cerebro a un ordenador como se hace en “Matrix” para salvaguardar su conocimiento para generaciones venideras.

Valentín Sama © 1996 Campo de amapolas


Sama fue quien me enseñó a revelar Cibachrome, ese sistema de positivado directo de diapositivas a papel en color de calidad de museo, que a comienzo de los años ochenta sólo lo hacía un laboratorio en Barcelona y los hermanos Rosón en Madrid, en “El Ojo”; por eso me escandalizo cuando veo, en algún sitio web, que personas cercanas a él se postulan como precursoras de este proceso, cuando no ha sido así.

Valentín Sama © “Pimiento varado” Investigación personal Efecto de intermitencia sobre película Polaroid 669 Obra única 1985

En aquellos años, expuso en la galería Image que codirigí con Pepe Puga y Rafael Ramírez, así como en la Europalia del 85 en Bruselas en la primera muestra de fotografía española en el exterior más importante después de la dictadura.

Valentin Sama © “Piña naufragando en un mar de gelatina”
Investigación personal
Efecto de intermitencia sobre película Polaroid 669
Obra única
1985

En 1996 realizamos juntos el libro del 150 aniversario de Loewe, en el cual por primera vez se utilizaron transferencias de negativo de Polaroid sobre papel en un libro dedicado a la historia de una marca. Sama fue el responsable de la mayoría de esas tomas, dada su pericia con el medio.

Encargo comercial para el centenario de la firma LOEWE
Transferencia a partir de Polaroid 59 en 4×5″ sobre papel Guarro SuperAlfa
Obra única
1996
© Realizado en equipo, Valentín Sama / Rafael Roa

Desde entonces, medios tales como las revista PHOTO, , FOTO Profesional y FV, de la cual fue socio fundador así como posteriormente en su blog, “Acerca de la Fotografía, DSLR Magazine, y ahora Albedo Media han contado con su participación en artículos y excepcionales y minuciosas pruebas técnicas que han ilustrado a todas las personas interesadas en el medio.

Valentín Sama © Encargo para “Don Quijote: Una nueva mirada” (Quinto centenario del Quijote)
2005
Hasselblad SWC (fílmica)
Iluminado a mano con disparos múltiples de flash

Sus alumnos, tanto de la Facultad de Bellas Artes como de EFTI, o de los innumerables talleres que ha realizado a los largo de estos treinta y nueve años de intensa actividad, guardan un recuerdo imborrable de su forma de enseñar.

Circa 1996 Meses aparte: “El sepelio del perro vagabundo” Cámara Mamiya 645 Super (fílmica

En 1995 comisarió una de las más importantes exposiciones de fotografía española que fue itinerante por 25 países de América Latina durante varios años, “El Ojo Crítico/El Ojo Lírico”.

Circa 1996
Meses aparte: “El sepelio del perro vagabundo”
Cámara Mamiya 645 Super (fílmica

Como autor, fue un pionero del color, con una estética minimalista y vanguardista para esos años, en los cuales todavía se producía en la fotografía española un dominio del blanco y negro y de narrativas de fotografía documental.
Sama con la serie que expuso en la galería Image de naturalezas muertas con un lenguaje conceptual, se posicionó en una vanguardia estética y narrativa. Técnicamente eran efectos de intermitencia sobre película Polaroid 669.

Valentín Sama © Polaroid SX-70

La Asociación Nacional para la Enseñanza de la Fotografía (ANEF) inauguró el pasado 29 de mayo la exposición “Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión”. 

Además de esta exposición el día 7 de junio a las 13h, se realizará una charla en homenaje a Valentín Sama, por toda una vida dedicada a la fotografía, como docente, autor, periodista y estudioso del medio.

Este homenaje forma parte del programa del congreso internacional ‘Programa Aprendiendo el futuro. Jornada de estudio y reflexión sobre el futuro de la enseñanza fotográfica‘ que organiza ANEF. El acceso es gratuito, pero se requiere inscripción a estas jornadas –vía Eventbrite– para poder controlar el aforo.

Acerca de la Fotografía. Estética, Técnica y Opinión.
Una exposición de Valentín Sama, desde 1950′
Organizada por
ANEF
Comisariada por
Manuel San Frutos
Fecha inicio
29 de mayo de 12019
Lugar
Sala ‘La Trasera’.
Facultad de Bellas Artes de Madrid (UCM)
Calle Pintor el Greco 2, Madrid
Precio
Entrada gratuita

Alma Haser

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Transformar el retrato

Alma Haser © de la serie I always have to repeat myself

Alma Haser (1989, Selva Negra, Alemania) es una artista que vive en Londres. Se interesa por la creación de un retrato construido y realizado con diferentes técnicas como el origami o papiroflexia. Su intención en transformar lo que ve y crear para el espectador una nueva interpretación del retrato usando está técnica.

Alma Haser © de la serie I always have to repeat myself

Alma Haser se descompone y transforma a si misma en su serie “I always have to repeat myself” jugando con la relación del tiempo y acto fotográfico en unos casos y en otro una visión poética y misteriosa.

Alma Haser © de la serie I always have to repeat myself

Cosmic Surgery

Sus imágenes se convierten a los personajes que fotografía en objetos únicos que alejan al espectador del habitual tratamiento del retrato. Ella modifica al personaje y luego lo fotografía. Podemos decir que usa una especie de máscaras de construcción propia, y eso aporta a sus obras un tratamiento diferente por el uso del origami. Esto lo realiza de forma magistral en su serie “Cosmic Surgery”.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

Hoy en día han surgido múltiples autores que ocultan el rostro de los sujetos que fotografían, tenemos muchas referencias en la fotografía contemporánea: una de ellas es la finlandesa Anni Leppäla que emplea el cabello de sus modelos como forma sencilla de ocultar su rostro. En Anni Leppäla hay una intención de cambiar el concepto de la imagen y del personaje y provocar en el espectador una reflexión diferente. Aunque la ocultación del rostro se viene haciendo desde los orígenes de la fotografía, hoy en día artistas como Alma Haser lo abordan de forma diferente.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

Otra artista que hace lo mismo con diferentes objetos cotidianos, es la iraní Shadi Ghadirian; aunque en este caso hay una intención crítica para recalcar el papel gregario de la mujer en la vida cotidiana.

Alma Haser © de la serie Cosmic Surgery

The Ventriloquist

Su imagen The Ventriloquist fue seleccionada para el Premio Taylor Wessing Portrait de la National Portrait gallery de Londres en 2012. Es recomendable visitar su web.

Alma Haser © The Ventriloquist

Eugenio Recuenco, 365º

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Arte con mayúsculas

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco (Madrid, 1968) expone sus obras de la serie 365º en el CEART de Fuenlabrada, dicha exposición ha sido prorrogada hasta el 20 de marzo. Quizás esta exposición sea lo mejor que hemos podido ver en mucho tiempo. Recuenco que lleva ya muchos años siendo una referencia muy importante de la nueva fotografía contemporánea, da un salto cualitativo muy grande que lo sitúa al primer nivel de los artistas internacionales que utilizan la puesta en escena como forma de abordar su trabajo creativo.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Eugenio Recuenco presenta su trabajo de forma innovadora, una instalación grandiosa, pirámides de imágenes y muros construidos con cajas de luz sumergen al espectador en un espacio sugerente, evocador, que le provoca una abstracción del mundo real. 365º es una obra compleja en su concepción expositiva, este calendario no lineal de imágenes nos invita a disfrutar de la magia de la imaginación de este artista interpretando los hechos, tendencias, referencias culturales del siglo XX y comienzos del XXI. Estas imágenes creadas en soporte fotográfico del siglo XXI no existen hasta que el artista materializa sus ideas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Cada imagen es un regalo adictivo que empuja al espectador al disfrute de un viaje continuo de metáforas visuales, color y narrativa inapelables. Podemos tomar como referencia conceptual, respecto al espacio en el cual ha creado Recuenco sus obras, esa habitación sin vistas con una ventana en el muro izquierdo por el cual entra la luz, con el espacio usado en la serie de retratos “Corner” de Irving Penn. Los dos artistas encierran a sus personajes en un habitáculo creado para la realización de las obras.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

La puesta en escena

La puesta en escena, esa característica de la fotografía desde sus inicios, vilipendiada por Cartier-Bresson definiéndolo como “teatro escenificado” y quitándole la denominación de fotografías. Y sin saberlo, Cartier-Bresson tenía razón porque igual que no valoró la obra de Oscar Gustav Rejlander “Los dos caminos de la vida” de 1857; la excelente puesta en escena de las obras de Eugenio Recuenco, Erwin Olaf, o Gregory Crewdson son arte contemporáneo con letras mayúsculas.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

Sobre el Premio Nacional de Fotografía

Una última reflexión sobre la lotería que supone el Premio Nacional de Fotografía; es sonrojante ver a algunos de los que tienen este premio, prematuramente y con una trayectoria de escaso y débil recorrido, ver cuales han sido sus trabajos realizados después de que este premio les haya caído del cielo, y comparar la lista de fotógrafos de larga trayectoria y calidad que no lo tienen entre los que incluyo a Eugenio Recuenco.

Eugenio Recuenco © de la serie 365º

A lo mejor están pensando en otorgarle a Eugenio Recuendo el Premio Nacional de Artes Plásticas, nunca se sabe. La buena noticia es que podemos disfrutar de la obra de este artista hasta el 20 de marzo en el CEART de Fuenlabrada.

Imagen de la exposición de Eugenio Recuendo en el CEART de Fuenlabrada.

 

Manuel Zambrana, el fin del tiempo

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La muerte de Marat

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Manuel Zambrana (1959, Madrid) nos presenta su nuevo trabajo “La muerte de Marat”, inspirada en el cuadro del mismo titulo que Jean Louis David pintó en 1793 como homenaje a la muerte de su amigo. Marat fue un científico, escritor y poseedor de grandes conocimientos filosóficos, y que abandonó todas estas actividades por su actividad revolucionaria.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Manuel Zambrana © La muerte de Marat (detalle)

Jean-Paul Marat pertenecía al ala más radical de los jacobinos y participó activamente en la Comuna de París solicitando que se juzgase a los monárquicos encarcelados y apoyando después su eliminación. Se vio obligado a esconderse en las catacumbas de París donde contrajo una enfermedad de la piel que lo hizo sufrir hasta que fue asesinado por Carlota Corday en julio de 1793.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Manuel Zambrana interpreta la enfermedad de Marat, en sus fotografías nos habla del tiempo, la decadencia, lo efímero de la existencia y de la muerte. Marat y la pintura de Jean Louis David, son una excusa que Zambrana usa para abordar estos temas universales del arte, y que han inquietado a innumerables artistas a lo largo de los tiempos. Manuel Zambrana representa a  Marat con una copa de la cual el liquido que contiene está a punto de derramarse, es la metáfora perfecta del tiempo que se acaba. El color y la iluminación que Zambrana utiliza en esta serie potencia las ideas y sensaciones descritas anteriormente.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

La mirada del personaje expresa la derrota, el sufrimiento, la perdida de toda esperanza, y la perspectiva de que su final se acerca. Guido Ceronetti es su libro “El silencio del cuerpo” expresa su odio por Marat y lo define como un tipo rencoroso, malvado y demagogo trágico. Los sans-culottes de aquellos tiempos le veneraban por su defensa de los más desfavorecidos y su actividad revolucionaria.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Esta serie de Manuel Zambrana se publica por primera vez en mi blog, espero que muy pronto esté incorporada a su web, donde podáis verla más extensamente que en esta primicia que os presento aquí.

Manuel Zambrana © La muerte de Marat

Jean Louis David, 1793, La muerte de Marat

 

Eduard Olivella

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Eduard Olivella © De la serie Secret Garden

La poesia de las imágenes

Eduard Olivella (1948, Barcelona) es uno de los fotógrafos destacados de esa generación de la fotografía catalana que eclosionó durante la década de los años ochenta, aportando una renovación estética y narrativa con respecto a la generación de Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Catalá-Roca, y Ramón Masats, entre otros.

Eduard Olivella trabajando en su serie Time, fotografía de Mario Vilar.

El trabajo de Eduard Olivella se ha desarrollado en diferentes facetas del medio fotográfico, no sólo la de autor, sino también la de investigador y crítico del medio. Domina la herramienta con maestría trabajando en todos los formatos, con un dominio técnico del cual se sirve para narrar sus historias.

Eduard Olivella © de la serie Secret Garden

La primera vez que me encontré con Olivella si la memoria no falla, fue en la Fotomostra de LLeida de 1982, en la cual conocí su trabajo de Interiores. Posteriormente en 1983 Eduard tuvo la amabilidad de llevarme de Arlés a Barcelona. En aquellos años Olivella estaba desarrollando su serie de la Alhambra.

Eduard Olivella © de la serie Time

Hay una conexión entre la obra fotográfica de Olivella y la literatura, en ocasiones materializa las palabras en imágenes, las llena de sus sensaciones y reflexiones personales. La arquitectura, el paisaje, las naturalezas muertas, e incluso la fotografía conceptual que aborda en la serie Time, realizada en gran formato y Polaroid 55, están presente en su obra, que lo convierten en un buscador infatigable de nuevas formas de expresar en imágenes todo aquello que le inquieta. Cada fotografía siempre se convierte en un retrato del alma del fotógrafo.

Eduard Olivella © de la serie Winter Trip

Eduard Olivella inaugurará su próxima exposición “Eduard Olivella, fotografías, 1970-1985”, en la Galería de Arte & Documentos que se celebrará el día 16 de enero a las 20 h, en la calle Casanova, 136-138, B-3, 08036 Barcelona. Una gran ocasión para acercarse a conocer la interesante obra de este autor. Os recomiendo que visitéis su web.

Lu Guang

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El fotógrafo está detenido en paradero desconocido por el régimen de Pekín.

Lu Guang ©

Lu Guang (1961, YongKang, China) es uno de los fotógrafos documentalistas más relevantes de China. Ha recibido múltiples galardones por su trabajo como: el World Press Photo, Henri Hannen, Eugene Smith, National Geographic y el Principe Claus.

Lu Guang ©

Lu Guang ha reflejado en su trabajo el impacto que sufre la población por el desarrollismo salvaje de la industria china, así como los efectos contaminantes sobre el medio ambiente que no tienen ningún tipo de control.

Lu Guang ©

Sus imágenes representan la dureza del problema, y las miradas de los afectados expresan su angustia y desesperación. Esta explotación salvaje de los recursos naturales sin ningún tipo de límites nos llevan a un callejón sin salida de problema medioambiental.

Lu Guang ©

El gobierno chino ha confirmado su detención, la familia no sabe que acusación pesa sobre él, y se encuentra en paradero desconocido desde primeros de noviembre.

Lu Guang ©

Esta detención se suma a otras anteriores producidas por el régimen chino como la del artista Ai Weiwei, que fue detenido durante varios meses y este año ha sufrido la demolición de su estudio en Pekin. El joven fotógrafo Ren Hang se suicidó en 2017 a la edad de 30 años, también había sido hostigado por las autoridades chinas por sus fotografías de desnudos.

Lu Guang ©
The Tianjin Steel Plant, She County, Hebei Province, China. March 18, 2008

El incontrolado liberalismo económico imperante produce efectos devastadores no sólo sobre el medio ambiente, sino sobre la calidad de la vida de las personas. No podemos olvidar que la detención de Lu Guang es un atentado contra su libertad individual y contra la libertad de información.

Lu Guang ©

Si esto es lo que hacen las autoridades chinas con su país y sus ciudadanos que podemos esperar de los medicamentos genéricos que la industria farmacéutica produce en ese país y que sufrimos los consumidores occidentales, porque en ocasiones tienen componentes cancerígenos, y el gobierno se ve obligado a retirar de las farmacias sin ningún tipo de información masiva a los consumidores.

Es necesario que la detención de este fotógrafo no caiga en el olvido hasta su liberación.

Lu Guang ©

Evelyn Bencicova

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La inquietante belleza de la pulcritud.

Evelyn Bencicova ©

Evelyn Bencicova (Bratislava, 1992) es una fotógrafa y directora de arte. Sus obras están realizadas con una estética pulcra, inquietante, que se completa en su mayoría con un tratamiento de luces planas, carentes de sombras, contrastes, y con un suave color pastel. La estética de su trabajo es muy reconocible, pero a su vez no podemos evitar comparar la similitud visual con su compatriota Maria Svarboba. Casualmente las dos tienen una web similar, que coinciden incluso en la maquetación y el estilo en la página de su presentación personal.

Evelyn Bencicova ©

Aunque la obra de Evelyn Bencicova me resulta mucho más inquietante y misteriosa; incluso algunos de sus trabajos tienen un punto de sofisticada transgresión, con imagénes tratadas con una perfección técnica y estética. Bencicova estudió en la Universidad de Artes Aplicadas en Viena, y su formación se hace visible en las estructuras de sus obras.

Evelyn Bencicova ©

Sus obras son puestas en escena, cuidadas hasta el mínimo detalle y con un excelente trabajo de post-producción. Se produce un idilio inmediato entre sus imágenes y el espectador, y es difícil no dejarse atrapar por el misterio de las mismas.

Evelyn Bencicova ©

En su web no hay una separación entre la obra personal y los trabajos comerciales o de fotografía de moda, y en su última publicación para el VOGUE CS, sus imágenes me recuerdan al trabajo de Eugenio Recuenco. No hay un tratamiento creativo diferente entre su trabajo personal y los encargos comerciales.

Evelyn Bencicova ©

De todas formas, su trabajo resulta increíblemente atractivo, conoce perfectamente los secretos de la dirección de arte y consigue unas imágenes libres de grietas o errores. Son obras compactas, que destacan por esa perfección insultante en la materialización de las ideas. Su trabajo comercial, reconocimientos, y exposiciones de sus obras es bastante extenso pese a su juventud. (1)

Visitar su web es de obligada visita.

Evelyn Bencicova ©

Trayectoria

(1) El trabajo comercial y artístico de Evelyn ha aparecido en artistas como Vogue Portugal, Vogue Czechoslovakia, Vogue Korea, ZEIT Magazine, The Gentlewoman, ELLE, Dazed & Confused, GUP, HANT y Metal Magazine. Su trabajo ha sido publicado en prestigiosos libros internacionales de fotografía y en varias plataformas en línea (Juxtapoz, iGNANT.com, Fubiz media) y ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Estocolmo, Londres, París, Berlín, Viena, Milán, Ámsterdam, Praga y Roma.

Evelyn Bencicova ©

(1) En 2016, Bencicova recibió los prestigiosos premios Hasselblad Masters y Broncolor GenNext. También fue seleccionada y premiada por LensCulture, fotógrafo independiente, Gomma Grant, Life Framer y OFF Festival. Su película de moda “Asymptote” (2016), creada conjuntamente con Adam Csoka Keller, recibió el premio “Mejor Nueva Película de Moda” en el Fashion Film Festival Milano 2017, y se presentó en SHOWstudio Fashion Film Awards, el Festival de cortometrajes austriaco-estadounidense. y en A Shaded View on Fashion de Diane Pernet.

Evelyn Bencicova ©

 

Antonio Pérez Río, Obras Maestras

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Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio Pérez Río (Madrid, 1972) es licenciado en Derecho y diplomado en Educación Social. Tras trabajar más de 10 años como educador y formarse en escritura y fotografía, fundó LENS Escuela de Artes Visuales, escuela que dirige desde entonces. También viene realizando su obra personal como artista.

Con su maqueta Louvre – Art Guide for Cyborgs fue finalista del premio Kassel Fotobookfestival Dummy Award. Seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2016 y en el Primer Encuentro de Artistas de Castilla y León con el mismo proyecto, que fue expuesto por primera vez en el Albert Hall Museum de Jaipur (India, 2017), en el marco del festival Jaipur Photo.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio acaba de publicar Obras Maestras, es una serie en la cual nos muestra el comportamiento de las personas en los museos, cuya adicción y dependencia de los smarthphones, les impide disfrutar de las obras de arte, limitándose a realizar unas capturas de forma compulsiva.

Poseer imágenes en vez de disfrutar de la contemplación de las mismas, y en definitiva de la propia vida. Es una serie muy complicada de realizar por las circunstancias del entorno, el museo, donde la masa se aglomera ante las obras de arte, con el único afán de obtener una buena captura digital de la misma. No ver con sus ojos, sólo capturar. La cámara nos separa de la vivencia.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

La cita de José Saramago de su Ensayo sobre la ceguera que Antonio incluye en su libro es muy acertada para definir estos comportamientos:

<<Creo que nos quedamos ciegos,
creo que estamos ciegos, ciegos que ven,
ciegos que, viendo, no ven.>>

Obras Maestras es un libro que explora, a través de fotografías y textos, la transformación de la mirada humana sobre el arte. Se desarrolla en el Museo del Louvre y propone una nueva versión del canon del arte occidental, a través de su plasmación en las pantallas de los visitantes, que se convierten en un campo de juego simbólico que muestra las tensiones existentes entre las obras, los dispositivos digitales y las personas que miran a través de ellos.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

En palabras de su autor:

“El Museo del Louvre me fascina y aterra a partes iguales. Desde el año 2014 he pasado muchas jornadas en el interior del museo, con mi cámara de fotos y un bloc de notas, intentando reflexionar sobre la experiencia real de los visitantes de uno de los espacios de arte más visitados del mundo, un lugar recorrido por rutas de turismo masivo que se acercan a algunas de las obras más importantes de la historia. Pinturas y esculturas que han sobrevivido varios siglos se enfrentan a personas que visitan el museo por una vez en su vida y renuncian a mirarlas directamente.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

La contemplación ha dejado paso a la captación realizada por todo tipo de dispositivos digitales, auténticos cíclopes que recorren los pasillos del museo almacenando todo lo que ven en su inagotable memoria, generando una nueva manera de ser y estar en el mundo, una transformación de la experiencia del arte que apunta hacia una profunda modificación de la naturaleza humana. El resultado de estos cuatro años de trabajo y más de 500 kilómetros recorridos en las galerías del museo es un libro titulado Obras Maestras: un ensayo sobre los restos de un mundo devorado por sus imágenes.”

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.

Sobre el libro:
Obras Maestras adopta un formato clásico: el catálogo de grandes obras de un museo. Así, la cubierta y el diseño interior del libro están inspirados en un libro de 1951: Art Treasures of the Louvre. Pero el contenido es muy diferente: las obras se contemplan únicamente a través de las pantallas de todo tipo de dispositivos digitales, una experiencia mediada que convierte a lo que se sitúa fuera de ellas en mera periferia, en un escenario desenfocado.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras
Imagenes del libro

Es un libro bilingüe, inglés-español, en el cual el autor nos ofrece un texto titulado <<Un sueño>> en el cual nos cuenta sus impresiones, vivencias y reflexiones al realizar este trabajo. También incluye un guia de las obras maestras que aparecen en las fotografías.
La campaña de difusión del libro ha sido muy creativa e ingeniosa, realizada a través de unos vídeos llenos de humor que podéis ver en el siguiente link.

En definitiva, un trabajo muy interesante que a muchos les servirá de espejo de sus propios comportamientos, y un libro que deberemos tener en nuestra biblioteca.
Es un libro muy interesante y muy cuidado en cuanto a diseño, impresión y encuadernación, y lo podéis adquirir en la web de Obras Maestras.

Luigi Ghirri en el MNACRS

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Luigi Ghirri, 1977 Salzburg
© Legado de Luigi Ghirri
Colección Particular, cortesia de Matthew Marks Gallery

Luigi Ghirri (1943-1992, Italia) es uno de los grandes artistas que han usado la fotografía como medio para cuestionar la realidad, a través de imágenes que puedan producir una reflexión en el espectador, entre lo que vemos, lo que representan y su significado.

Luigi Ghirri nació en Scandiano, cerca de Modena en la región de Emilia Romagna. Su campo de trabajo se encontraba en un radio de tres kilómetros cerca de su casa. Utilizaba esta zona para la captura de gran parte de sus fotografías. Trabajó como aparejador y hasta 1973 no se dedicó a la fotografía a tiempo completo.

 <<hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía ; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo>>

Luigi Ghirri (1)

Luigi Ghirri, 1972, Pescara
© Legado de Luigi Ghirri

Fue también un ensayista, pensador, conservador y editor. Amigo del cantante Lucio Dalla colaboró con él en algunas de sus canciones. Era un intelectual y para él la fotografía era una activación del pensamiento. La frase de Giordano Bruno << Pensar es especular con imágenes >> , fue siempre para él una referencia. En 1971 conoce al artista Franco Vaccari y con él explora y debate sobre el papel de la fotografía en el arte contemporáneo.

Criticó el uso masivo de las imágenes en el medio audiovisual como forma de alienación y agresión al espectador defendiendo el uso reflexivo de la fotografía:

<<la fotografia como una imagen necesaria, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes>> (2)

Luigi Ghirri, 1972. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Influenciado por el arte conceptual y experto en fotografía de arquitectura, en contraposición a sus intenciones sobre un estilo propio, ha conseguido que sus obras sean perfectamente reconocibles.

El uso de la sobrexposición, los colores pasteles, el minimalismo narrativo y el lenguaje conceptual constituyen las referencias básicas con las que podemos definir su obra. Usaba el color <<porque el mundo es en color>> en contraposición a los planteamientos de Cartier-Bresson que afirmaba que la fotografía era en blanco y negro y el color estaba destinado a la pintura y a la naturaleza.

En sus reflexiones sobre su serie Fotografie del periodo iniziale. 1970 -1973 Luigi Ghirri afirma lo siguente:

<<Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mi la fotografía es un lenguaje sin código alguno…
El encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la escena de una manera directa…
me he situado ante aquello que quiero representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotografías a laboratorios convencionales. Nunca me han interesado los procesos de maquillaje de la imagen. Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean al mismo tiempo, fotografías>> (3)

Luigi Ghirri, 1973. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Kodachrome 1970 -1978 es su primer trabajo, con una estructura concreta y articulada. Realizaba diversos proyectos a la vez y muchas de las series que veremos en la exposición coinciden en el tiempo. La década de los setenta es una época muy prolífica en el trabajo de Ghirri.

En 1978 se publica Kodachrome, y en 1979 en Parma realiza la exposición Vera Fotografía. En esta exposición se muestran todos los proyectos realizados hasta la fecha: Fotografie del periodo iniziale (1970); Kodachrome (1970-78); Colazione sull’erba(1972-74); Catalogo (1970-79); Km 0.250 (1973); Diaframma 11, 1/125, luce naturale(1970-79); Atlante (1973); Italia ailati (1971-79); Il paese dei balocchi (1972-79); Vedute (1970-79); Infinito (1974); In scala (1977-78); Identikit (1976-79); Still-Life (1975-79).

Luigi Ghirri nos da algunas de sus reflexiones sobre este trabajo, que constituyen una referencia dentro del cuerpo de su obra.

<<Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace de estas fotografías, que no quieren hablarnos de como las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratar de relacionar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad>> (4)

Luigi Ghirri, 1972, Marina di Ravenna. ©Legado de Luigi Ghirri

En el año 2000, se expuso en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid su serie <<Il profilo delle nuvole>>. Este trabajo recoge la interpretación del artista sobre el paisaje. Un interesante texto de Giani Celati titulado <<Comentarios sobre un teatro natural de las imágenes>> , nos ayuda a conocer los pensamientos de Ghirri sobre esta obra. El catálogo se publicó en 1989, tres años antes de la muerte de Ghirri.

En 2015 pudimos ver la obra de Luigi Ghirri en la exposición Construyendo Mundos, en la Fundación ICO de Madrid.

Luigi Ghirri murió prematuramente en 1992, pero su legado es indudable y su obra forma parte del arte europeo contemporáneo, investigar su obra nos da una perspectiva diferente sobre lo que esta ocurriendo hoy con otros autores; y nos demuestra su clara influencia en muchas de las obras que vemos en la actualidad.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Venecia de 2009 el documental <<Deserto Rosa>> basada en la obra de Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, 1972, París. Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

La Exposición

La exposición El mapa y el territorio de Luigi Ghirri se podrá visitar en el MNACRS (Museo Reina Sofía) desde el 25 de septiembre hasta el 7 de enero de 2019. Ha sido comisariada por James Lingwood.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta.
Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color “sin paralelo en la Europa de la época”, según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado. (5)

Luigi Ghirri, 1974, Orbetello
©Legado de Luigi Ghirri

Podemos decir que la exposición que vamos a ver en el MNACRS es una versión de la exposición Vera fotografia que se presentó 1979 en Parma. En el catálogo aparecen los mismos textos de Luigi Ghirri y el mismo orden que acompañaban a las series presentadas en la exposición de Parma. Nos encontramos ante la mayor retrospectiva de este periodo de la obra de Ghirri que se ha hecho con anterioridad en España.
El catálogo es una pieza fundamental para que el espectador conozca con profundidad la obra de este artista tan importante en la última parte del siglo XX.

Luigi Ghirri, 1972, Brest
© Legado de Luigi Ghirri

 

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Citas

(1) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(2) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(3) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 58. editor: MACK. organizador: MNACRS

(4) El mapa y el territorio. Pag 76. Kodachome, Luigi Ghirri.
editor: MACK. organizador: MNACRS (1)

(5) Resumen de la información en la web del MNACRS.

Humberto Rivas, ahora en Mapfre

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HUMBERTO RIVAS © 1983, Carlos Pazos

Humberto Rivas (1937 Buenos Aires – 2009 Barcelona) fue un fotógrafo de origen argentino que se afincó en Barcelona desde 1976, donde se instaló para huir del golpe de estado genocida que se produjo en Argentina.

Centraré este post en su etapa española ya que fue la que conocí. Si mal no recuerdo me encontré con él por primera vez en 1982. Con posterioridad, le invitamos a exponer en la Galería Image (1) de Madrid; no recuerdo la fecha exacta pero debió ser en 1984.

Su obra se centra fundamentalmente en el retrato, el cual era muy directo, logrando una perfecta complicidad con los personajes que fotografiaba, dotando a sus imágenes de una gran autenticidad y fuerza expresiva.

Su obra, como él mismo reconocía tenía influencias de Richard Avedon y Diane Arbus, era difícil en esa época aislarse de estéticas tan poderosas como la de estos autores; a pesar de todo Rivas consiguió hacer una obra de autor y reconocible por todos. En 1999 fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía.

El 21 de septiembre se inaugura en la sala de Mapfre de Barbara de Braganza (Madrid) una exposición retrospectiva que podrá visitarse hasta el próximo 5 de enero. Con más de 180 obras y material de archivo, suponemos que será una exposición muy interesante para poder conocer la obra de Rivas con una cierta profundidad.

HUMBERTO RIVAS © 1979 Maria

Opiniones Exageradas

En la nota de prensa de la Fundación Mapfre y en su web se dice textualmente: <<Humberto Rivas (1937-2009) fue un autor fundamental para el desarrollo de la fotografía en España a partir de la primera mitad de los años setenta, cuando llegó a Barcelona procedente de Argentina. Con él se produjo una renovación del medio, contribuyendo a su consideración como un lenguaje artístico de pleno de derecho.>>

Honestamente creo que es una exageración considerar que Humberto Rivas fue un autor fundamental para el desarrollo de la fotografía en España. Fue un autor importante como otros muchos de esa generación tan rica y creativa de los años ochenta.

Tampoco con su obra se produjo esa renovación, ni fue fundamental para que la fotografía fuese reconocida como arte en este país. Puedo citar una amplia lista de autores de esa generación con una obra al menos tan importante como la de Humberto Rivas.

No es necesario exagerar ni afirmar cosas que no se ajustan a lo que realmente sucedió en aquellos años. El reconocimiento de la fotografía como arte en este país se debe al trabajo de generaciones de fotógrafos, galeristas, editores, responsables de instituciones culturales, etc., que han luchado para que nadie cuestione hoy que la fotografía es una herramienta más del arte contemporáneo.

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(1)
Galería Image de Madrid. Fundada por José Puga, José Mª Castillo, Rafael Ramírez, y Rafael Roa.
Periodo de actividad: 1983-1985.
Exposiciones de la galería:
Gabriel Cualladó, Ángel Sanz, Eva Rubinstein, Jim Bensgton, Miguel Oriola, América Sánchez, Valentín Sama, Humberto Rivas, Manolo Laguillo, Tony Catany, Klaus Frahm entre otros.

Ricard Terré, Exposición Retrospectiva.

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Ricard Terré © 1956

La Sala Canal de Isabel II presenta esta exposición dedicada a Ricard Terré, (1928, Sant Boi de Llobregat – 2009, Vigo), es uno de los grandes nombres de la fotografía española; miembro del Grupo AFAL cuyo trabajo contribuyó a la renovación de la fotografía española de mediados del siglo XX.

La exposición que se inaugura el viernes 7 de septiembre sigue la senda de las exposiciones realizadas con anterioridad a miembros del Grupo AFAL como Gabriel Cualladó y Paco Ontañón, que pudimos ver también en esta misma sala.

Toda su obra se concentra en unos 300 rollos de 35mm, reflexivo en la selección de los instantes, ha sabido reflejar momentos llenos de poesía, magia, fuerza y sentimientos. Ricard Terré afirmaba que: “La fuerza de la fotografía está en reflejar un acontecimiento irrepetible”. Saber capturar lo efímero de la vida desde un punto de vista poético y alejado de la crónica diaria.

Ricard Terré ©

La exposición

La muestra, comisariada por la historiadora Laura Terré, recorre la trayectoria del fotógrafo, cuya producción puede dividirse en dos periodos diferenciados: de 1955 a 1969 y de 1982 a 2005. 

Sin embargo ni su estilo ni sus motivaciones sufrieron variación en el lapso de tiempo que abandonó la fotografía. En el segundo periodo Galicia es el territorio de su búsqueda: las romerías ancestrales, las fiestas paganas y las procesiones de Semana Santa que le llevaron a cruzar la raya de Portugal en pos de su autenticidad.

Esos lugares y esas gentes le animaron a seguir experimentando la plástica rotunda del blanco y negro así como la expresión de lo humano a través de los seres que le salían al paso: niños de todas las clases sociales, gente de las aldeas, jóvenes embriagados en las fiestas, mujeres poderosas en el trabajo.

Hay tres elementos que se imponen como categorías para agrupar sus imágenes, aparentemente tan dispares y distantes.

Tres caminos que se trenzan en la obra de Terré como en una encrucijada, saliendo y entrando de sus series y atravesando los territorios fotografiados: el reinado de los niños, la celebración de los días que corren cada uno con su afán, y la muerte, esa presencia sombría que es preciso conocer.

La exposición se podrá visitar del 8 de septiembre al 11 de noviembre en Sala Canal Isabel II Madrid. Podéis ver un vídeo muy interesante en el que Ricard Terré nos habla de su trabajo en el siguiente link.

La exaltación de lo vacuo

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Martin Parr © Magnum GB. Scotland. Glasgow. Fairy cakes. 1999.

Estamos viviendo una época en la cual para poder establecer un análisis profundo sobre lo que está sucediendo en la relación entre el uso las imágenes y los espectadores tenemos que recurrir irremediablemente a los textos de Jean Baudrillard. Todo es visible, consumimos imágenes velozmente y de igual forma las olvidamos.

Estamos atrapados por los dispositivos smartphones que se han convertido en el becerro de oro al que adoramos y damos culto cada día. Estar comunicados, informados, ver a través del dispositivo todo aquello que consideramos una información necesaria para seguir viviendo, producir imágenes para compartir nuestras vidas con el mundo, si no somos visibles no existimos.

Las exposiciones de arte deben establecer una relación con el espectador, el cual puede conectar o no con la obra expuesta. Hasta aquí todo es normal. Lo que es curioso es la forma en la cual se presentan las obras en algunos espacios expositivos. Diseñar y maquetar una exposición es similar a la maquetación de un libro.

Se trata de ordenar el contenido para que los espectadores tengan una lectura coherente con la intención del artista y la obra expuesta. Ahora bien, cuando se trata de una exposición colectiva, los comisarios son los responsables de dar forma a la exposición desde el punto de vista narrativo y conceptual. Hoy en día se han convertido en “los intocables” del mundo del arte, los sumos sacerdotes que se encargan de dirigir el ritual.

Apostar por el caos puede ser muy valido cuando se tiene una intención rupturista y de transgresión, algo ya en desuso en el arte actual dominado por el mercado, que dirige el espectáculo según sus intereses.

El caos como ocultación de la falta de contenido, el uso de las imágenes como si se tratase de un revoltijo de productos en rebajas, esperando que los espectadores se avalanchen sobre ellas con las misma voracidad y entusiasmo que en unos grandes almacenes.

Es evidente que se idolatra la forma en que se consumen las imágenes en las redes sociales y se imita y su forma de exhibición.

Duchamp y el arte contemporáneo

Esta reflexión no es nueva ya que Duchamp afirmaba lo siguiente en relación con el arte contemporáneo: “La totalidad del mundo del arte ha alcanzado un nivel tan bajo, ha sido comercializado hasta un grado tal, que el arte y todo lo que tenga que ver con él se ha convertido en una de las actividades más triviales de nuestro tiempo.

El arte en estos tiempos se ha hundido hasta uno de sus más bajos niveles en la historia, seguramente incluso inferior al de finales del XVIII, cuando ya no había gran arte, sino pura frivolidad. En el siglo XX el arte está jugando un papel de puro entretenimiento, como si viviéramos una época divertida, ignorando todas las guerras que experimentamos como parte de lo que somos”. (1)

¿Alguien se acuerda hoy en día del significado de tomar partido, comprometerse o ser fiel a unas ideas?

Y los comportamientos de los artistas en el proceso creativo, podemos empezar a analizar lo que hacen unos y otros y comprobar que ya “el plagio” no produce ningún rubor en quién lo práctica.

Es simplemente un reflejo de la falta de ética política y social, de los usos y costumbres que se producen desde la pirámide del poder hasta su base.

Si el poder se apodera del dinero público como nos vamos a escandalizar por unos cortas y pegas en tesis doctorales, libros o plagios en las obras de arte. Al fin del al cabo hay que estar a la última y se trata de buscarse un hueco en el templo de lo “cool”.

Se ve claramente quienes son los imitadores y de que teta han mamado, sólo tienes que tener un mínimo de cultura visual para darte cuenta, pero la mayoría lo digiere como si de algo novedoso de tratase. En este país los imitadores de Martín Parr surgen como setas en otoño.

En definitiva, no sirve de nada los textos que se han escrito, ni las reflexiones que se han hecho con anterioridad, de hacía dónde debe dirigirse el arte como expresión individual y representación colectiva de una sociedad, como forma de participación de los productores y receptores de las obras, y como forma de compromiso colectivo. La exaltación de lo vacuo está en su edad de oro, aunque toda situación es susceptible de empeorar.

Acabo este post con una reflexión de Jose Luis Brea:

Es en última instancia tarea del arte iluminar el lugar -el espacio de la representación- desde el que podría realizarse ese trabajo de fundación de las nuevas formas de cultura que permitirían al hombre, a la humanidad, reconciliarse con su existencia.

Esto significa: acertar a darse una adecuada auto representación -como precisamente aquel ser que tiene esa tarea por misión. El conocer-se y saber algo de sí; merecer ostentar con dignidad el inalcanzable pero irrenunciable rango de verdadera humanidad. (1)

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(1) José Luis Brea: Un ruido secreto.
El arte en la era póstuma de la cultura. Murcia: Mestizo, 1996

Javier Viver en Camara Oscura

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Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris

Javier Viver (Madrid, 1971) es escultor, fotógrafo y autor de fotolibros. Su trabajo se debate entre el documental y la ficción como medios de aparición de lo invisible. De esta forma se define este artista que nos presenta en la galería Camara Oscura de Madrid su visión del famoso archivo fotográfico del hospital parisino La Salpêtrière.

Su construcción se debe a Luis XIV que le encargó el proyecto al artquitecto Liberal Bruant en 1656. Durante el siglo XIX y bajo la dirección del neurólogo Jean Martin Charcot convirtieron este hospital en uno de los más reconocidos en salud mental. Bajo su dirección se realizó este archivo fotográfico de los pacientes entre 1875 y 1918.

Javier Viver / Instalación
Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

La Salpêtrière

“Pero en esta operación, el uso de la fotografía propició la incorporación del espectáculo y con el toda una trama de complicidades entre los pacientes y sus fotógrafos.

El espectáculo de La Salpêtrière se hizo teatro de variedades en las sesiones de los martes, ante una concurrida representación de las élites culturales y científicas, mediante la inducción por hipnosis de contorsiones, crisis epilépticas y ataques de histeria, el registro y exposición de gabinetes de curiosidades y rarezas biológicas, fenómenos y monstruos.

El resultado fue un archivo fotográfico sin precedentes, testigo de la época colonial, realizado con la intención “panóptica” del régimen disciplinario y documento sistematizado de los límites del alma humana.”

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver reinterpreta el archivo, agrupando las imágenes en una clasificación fotográfica de desnudos, retratos, fotografías de detalle de los cuerpos de los pacientes, y nos sumerge en un viaje al pasado, en el cual nos podemos imaginar las sesiones fotográficas o las relaciones entre los pacientes y aquellos fotógrafos que captaban sus miradas perdidas o sus cuerpos deformes.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Este  fotolibro fue premiado en 2016 por el Ministerio de Cultura como el Mejor Libro de Arte. Ahora bajo el titulo de “Archivo de lo Inclasificable” presenta su trabajo en la galería Camara Oscura, en una pieza que es un “archivador de artista” en el cual se encuentran esas miradas perdidas de los pacientes de ese hospital. Reinventar las historia, alejarse del uso puramente científico que tuvieron en su día esas imágenes, y enfrentarlas con el espectador; que de forma aleatoria va abriendo esos cajones.

Las imágenes siempre nos transmiten emociones, las sensaciones que nos pueden producir estas fotografías sacadas del aquel contexto para el que fueron realizadas, y con miradas del siglo XXI, les otorgan frente a nuestros ojos un nuevo significado ciento cuarenta y tres años después.

En la web de Javier Viver tenéis toda la información del fotolibro y también podéis descargar el pdf del mismo. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de julio, y está incluida en el Festival OFF de PHE 2018.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Graciela Iturbide en Alcobendas

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Graciela Iturbide © 1969

Graciela Iturbide (México, 1942) es uno de los grandes nombres de la fotografía mejicana. Ha realizado un trabajo de carácter documental pero con grandes dosis de poesía. Sus imágenes son evocadoras, llenas de una belleza plástica y emocional que impactan profundamente con el receptor de las mismas. Alumna de Manuel Álvarez Bravo moduló su forma de fotografiar alargando el tiempo en su forma de plantear su acto fotográfico.

La calma, la pausa, la contemplación y las metáforas aparecen en su extensa obra que ido paralela a su vida. Su obra ha sido expuesta en los museos más importantes del mundo, obteniendo grandes premios entre los que destaca el Premio Hasselblad en 2008.

Estará en Alcobendas en miércoles 23 de mayo para dar una clase magistral en el Centro de las Artes, y con posterioridad inaugurar su exposición con motivo del Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas que le fue otorgado en 2017. Por motivos de agenda se ha retrasado su presencia en Alcobendas hasta hoy.

Graciela Iturbide © de la serie Seris

El Premio

El jurado reconoció de manera especial la forma de abordar con firmeza y claridad los sistemas socioculturales de la cultura mexicana en toda su dimensión. En cada uno de sus trabajos encontraron narración, intimidad, magia y sobre todo franqueza, experiencias únicas e irrepetibles a través de sus complicidad en sus propuestas visuales.

Por todos estos valores y de forma unánime el jurado, compuesto por:

Pablo Juliá (Editor gráfico y exdirector del CAF Centro Andaluz de la fotografía), Margarita Sánchez (Coleccionista), Juan Manuel Castro Prieto (Fotógrafo, Premio Nacional de fotografía 2015), Laura Revuelta (Redactora Jefe de ABC Cultural), Belén Poole (Coordinadora del Centro de Arte Alcobendas), José Mª Díaz-Maroto (Conservador de la Colección de Fotografía Alcobendas) e Ignacio García de Vinuesa (Alcalde de Alcobendas) y actuando como secretaria del Mismo Yolanda Sanchís (Gerente del Patronato Socio Cultural del Ayuntamiento de Alcobendas), determinó otorgar el Premio Internacional de Fotografía Alcobendas en esta quinta edición a Graciela Iturbide.

Graciela Iturbide © La señora de las iguanas

La exposición

La exposición recorrerá su extensa trayectoria. Setenta fotografías nos mostrarán sus imágenes más icónicas. Tendremos una completa visión de los trabajos del desierto de Sonora, Juchitán, las matanzas, de cabras, los pájaros, el baño de Frida, sus viajes y autorretratos.

Esta exposición ha sido comisariada por José María Díaz-Maroto y Belén Poole. Es una ocasión para ver y oír a esta autora imprescindible de la historia de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

Graciela Iturbide © Autorretrato 1979

Graciela Iturbide © Carnaval

Lo Irreversible

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Rafael Roa © 2018, Off Limits

Lo efímero, ese concepto inasible siempre me ha obsesionado en relación con la vida y la fotografía. Es imposible detener el tiempo y por tanto el acto fotográfico captura el pasado inmediato. La fotografía está ligada al pasado, a los recuerdos, y a la huella. El tiempo nos hace sentir la fugacidad de la vida, y hemos tenido la necesidad de que la fotografía nos permita ver quienes ya no somos y la transformación de los lugares que conocimos.

Igual que la memoria va borrando con el paso del tiempo los rostros de aquellos a los que amamos, hemos perdido la nitidez del recuerdo, la memoria del tacto de su piel, y el sonido de su voz, Sólo la fotografía nos recuerda como eran, porque con total seguridad el tiempo habrá dejado en sus rostros una huella equivalente al paso de los años.

La fotografía reflejo del tiempo y el pasado inmediato nos ayudan a gestionar nuestros recuerdos, sacando de las cajas, esas imágenes antiguas que nos mostrarán a alguien que ya no existe. Ese encuentro entre la imagen del pasado y nosotros mismos es un choque emocionalmente fuerte. La imagen de la fotografía ya no nos representa, las huellas de nuestra decadencia nos han transformado en otra persona completamente diferente.

El proceso es irreversible, igual que el acto fotográfico que no consigue materializar la imagen latente en un negativo.
Lo efímero define la imposibilidad de detener el tiempo para poder disfrutar de los instantes felices que desearíamos convertir en eternos. La fotografía sólo nos muestra el pasado, por eso nos cautiva y nos seduce, es la única forma que tenemos de materializar lo vivido.

Rafael Roa © 1994, Polaroid 50×60

Gabriel Cualladó

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Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó (Massanassa, 1925 – Madrid, 2003) es uno de lo los fotógrafos más importantes de la fotografía española que pertenece a la generación de la posguerra. Miembro de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid desde 1956, y del Grupo La Palangana y AFAL.

Podemos considerar que fue autor destacado de esa generación de artistas que formaron los cimientos del desarrollo de la fotografía española en la segunda mitad del siglo XX. Gran amigo de Paco Gómez, ejerció de fotógrafo aficionado durante toda su vida, teniendo una mirada privilegiada para reflejar todo aquello que quería retener con su cámara. Retratos, instantes efímeros de la vida, su entorno familiar y los viajes fueron entre otros los temas que desarrolló.

Fue un fotógrafo con una gran cultura visual, compraba revistas en el extranjero, y procuraba estar informado de las tendencias de la fotografía, investigaba y trabajaba con pasión. En 1962, viaja a París con un grupo de fotógrafos españoles invitados por el Ministerio de Cultura Francés para hacer un reportaje de la ciudad. Allí surge la mirada moderna del artista realizando un reportaje que supuso una ruptura estética y narrativa con la forma en la cual se fotografiaba en este país.

Su mirada está a la altura de los trabajos que William Klein realizaba en aquellos años. Tuve la suerte de ver parte de aquellas fotografías en 1980, en el estudio de Pepe Puga. Con posterioridad, Pepe Puga, Rafael Ramírez, y yo fundamos la Galería Image en Madrid e inauguramos con una exposición de Gabriel. Era un hombre cercano que como otro grande de esa generación Paco Gómez influenciaron de forma decisiva a mi generación.

En sus imágenes podías percibir esas sensaciones intensas que recibes cuando un fotógrafo lo entrega todo en el acto fotográfico. Eso es recibido por el espectador, y ese es el Punctum del que nos hablaba Roland Barthes. Gabriel Cualladó comentaba que sus negativos cabrían en una caja de zapatos, muchos creemos que es una exageración.

Exposición

En la excelente retrospectiva de su obra, comisariada por Antonio Tabernero, sitúa este periodo de su obra entre los años 1956-1994.

Podemos ver a un Gabriel Cualladó en plenitud creativa con imágenes directas, intimistas, que inmediatamente producen esa relación emocional intensa, y a la que se vuelve con calma y reposo para disfrutar de la composición, el claro oscuro y las miradas de sus personajes. Hay melancolía y desesperanza, las calles destruidas, los rostros desgastados por el tiempo y una falta de futuro subyacen en el ambiente.

En los años 1980-81 realiza su serie del Rastro madrileño, un trabajo lleno de silencios y fuerza narrativa. El claroscuro sustenta la base estética de las obras. En 1994 se le otorga el Premio Nacional de Fotografía. Ahora tenemos la oportunidad de ver una excelente retrospectiva de su obra en la sala del Canal de Isabel II en Madrid hasta el próximo 29 de abril. El catálogo es imprescindible.

Gabriel Cualladó, 1968, El Fitu

Gabriel Cualladó, 1958, Clemente

Autorretrato, 1956

Ellen Kooi, Elements

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Ellen Kooi © Wijk – mountains 2018

Ellen Kooi ( 1962 Leeuwarden, NL) es uno de los talentos de la fotografía holandesa y su obra se encuadra dentro de la corriente del realismo mágico. Hemos tenido la ocasión de ver su obra en múltiples ocasiones en nuestro país. En octubre de 2014 los alumnos de PIC.A pudieron asistir a una visita guiada de la autora en su exposición retrospectiva que se celebró en el Centro de Arte de Alcobendas.

De nuevo en Madrid, inaugurará su exposición “Elements” el próximo viernes día 9, en la galería Camara Oscura. En esta nueva serie sigue utilizando a los niños como personajes de sus fotografías, con una puesta en escena magistral ofreciendo al espectador que encuentre su propia interpretación a sus obras. Sus imágenes son misteriosas, estéticamente bellas y poseen una seducción a la cual es imposible resistirse. Por lo tanto debemos anotar en nuestra agenda esta exposición como imprescindible.

Ellen Kooi nos habla de sus obras en los siguientes términos: “Se pueden ver mis imágenes como enigmas sin resolver pero eso sería una forma de pensar demasiado ‘lógica’, como si tuviera que haber una respuesta para todo. No existe una única respuesta a una narración.

Lo que a mí de verdad me importa es que las historias que cuento sobre el cuerpo, su fuerza y vulnerabilidad, encuentren eco en las experiencias personales del espectador. Mis narraciones tienen finales abiertos y yo las presento de manera que cada uno pueda imaginar sus propias historias y encuentre sus propias respuestas.”

Ellen Kooi © 2016 Haarlem – Wies

Ellen Kooi © 2018 Boskoop – dome 2018

Ellen Kooi © 2017 Nieuwe Meer – surfplank

El ritual y la fotografía

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Kevin Carter © 1993. Fotografía realizada en Sudán y publicada en el NY Times. Ganó el premio Pulitzer. Un año más tarde Carter se suicidó. Esta imagen jamás será olvidada, es un ejemplo brutal de las desigualdades, la miseria y la violencia que el sistema produce en los seres humanos.

Fotografiar lo exótico, documentar el ritual, las costumbres, y retener el tiempo han sido siempre una de las aspiraciones de muchos fotógrafos desde los orígenes de la fotografía. El reportaje fotográfico ha dominado las narrativas de la fotografía durante un largo periodo de la corta vida de la herramienta.

Fotografiar todo aquello que se encuentra alejado de nuestro hábitat cotidiano y capturar la escena con ese equilibrio teatral del momento decisivo, ha sido, es y sigue siendo la máxima aspiración de muchos fotógrafos que quieren emular al gran Cartier Bresson.

“La fotografía debe captar en el movimiento el equilibrio expresivo”. “La fotografía debe apoderarse del instante”.

Estas frases extraídas del texto de François Soulages sobre la Estética de la fotografía son un buen punto de partida para profundizar sobre la fotografía documental que registra los ritos, y lo exótico que se encuentran alejados de nuestra cultura.

Efectivamente la fotografía debe apoderarse del instante, del ritual, de las miradas tribales, y de aquellos espectáculos que tanto seducen al receptor, porque si los rituales se apoderan de la fotografía, esta pierde todo su significado sirviendo sólo al ritual como propaganda del mismo. Como ejemplo, esto sucede siempre en actos de sectas que habitualmente vemos en documentales.

Devorar las imágenes para asimilar de inmediato el rito como algo incuestionable que viene de la tradición, creer y justificar esas creencias que dejan anulada la inteligencia de los seres humanos. El dogma hecho imagen. El triunfo de la propaganda que Goebbels hizo efectiva en el régimen nazi. La derrota de la mirada crítica.

Por lo tanto, si planteamos nuestro trabajo, con la creencia que fotografiando lo exótico, la miseria lejana, las miradas profundas de los niños que pasan hambre, sin profundizar en la esencia del problema, estaremos haciendo lo mismo que hacen los turistas adinerados en los safaris fotográficos: coleccionar imágenes inservibles que sólo alimentaran nuestro ego.

La fotografía debe de ser valorada por lo que expresa y por las preguntas que lanza al receptor de las mismas, el ritual nunca debe apoderarse de la imagen, y si las imágenes no nos sugieren cuestionarnos sobre su significado, no sirven para nada, pasaran al olvido de forma inmediata, no habrán existido jamás.

Désirée Dolron, Exaltation series, 1991-1999

Chou Ching Hui

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Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

Chou Ching Hui (Taiwan, 1965) es un artista chino que desarrolla un trabajo de fabricación de imágenes en el cual las tecnologías de post-producción digital son imprescindibles para su realización. Se licenció en periodismo y en 1988 comenzó su interés por la fotografía.

Después de trabajar durante unos años como fotoperiodista en medios locales de Taiwan, fundó en 2004 su propia compañía de tratamiento y diseño de imágenes.

Animal Farm es uno de sus trabajos más importantes y lleva el mismo titulo que la novela de George Orwell. Para la realización de este trabajo el proceso de producción se extendió durante cinco años.

Se utilizaron dos parques zoológicos que fueron visitados por el artista y su equipo de producción para la selección de las localizaciones.

Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

Se trataba de sustituir a los animales en el zoológico por humanos. Escenas domésticas, juegos infantiles, actos cotidianos son representados en los espacios que habitualmente ocupan los diversos animales del zoo.

Esta puesta en escena intenta provocar reflexiones en el espectador sobre la estructura de la conciencia del propio cuerpo, la estructura de la conciencia de la supervivencia y la estructura de la conciencia colectiva.

Chou Ching Hui pretende algo más que sus obras sean vistas como una representación barroca de una ficción, con una excelente puesta en escena.

La intención de cuestionar al espectador ha sido siempre una constante en la historia de muchos artistas que se han alejado de la representación banal y literal de la belleza.

Sus símbolos culturales están presentes y los utiliza como metáforas para expresar sus propios planteamientos sobre la vida y el arte. Es una forma de tomar partido.

Podéis profundizar en la obra de este interesante artista en su web.

Límites

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Rafael Roa © 2018 / De la serie Off Limits

El tiempo se suspende en el final de la vida entre el ser y dejar de ser, ese límite no visible entre dos mundos irreconciliables, como la luz y la oscuridad. El límite como frontera, como paso a otro estado físico y también el límite de la prohibición, la barrera que impide el paso y protege posesiones o estados.
Lo efímero, como concepto de pérdida eterna en la vida, todos los actos que realizamos dejan de ser no visibles.

Ese sueño imposible de eternizar lo efímero, de retener el tiempo de felicidad y pasar a la velocidad de la luz los instantes de pesar que oscurecen nuestra vida.

El límite como sinónimo de prohibición continua, de represión individual o colectiva en beneficio del poder que nos controla y dirige. Pero a pesar de todo no hay límites en el pensamiento propio, en la producción de esas imágenes no visibles que sólo nosotros somos capaces de ver y modificar a nuestro antojo. Ese es el único espacio de libertad que nos queda, nadie puede controlar nuestra capacidad de imaginar, de pensar y de reflexionar íntimamente alejados de todo y de todos.

Y vuelvo a darle vueltas a la cita de Paul Klee sobre los diferentes estados no visibles que nos encontramos en nuestro recorrido por la existencia y no-existencia. Algo similar ocurre con las imágenes, son visibles aquellas que materializamos, ese instante de tiempo retenido que la fotografía captura, ya está enterrado en el pasado.

Esa fascinación que nos seduce de esta herramienta, de eternizar los recuerdos, ese fugaz acto en el cual la luz atrapa el instante y nos deja un objeto dispuesto a ser manipulado e interpretado por el autor. Jugar con esa imagen latente o con ese archivo digital y proceder a nuestro antojo.

El resultado final se alejará infinitamente del momento vivido, ya imposible de volver a ver. Todo lo que nos queda es una captura que sólo imitará lo vivido y nos lo acercará vagamente.

Los límites vuelven a actuar para impedirnos recrearnos en las imágenes del pasado, igual que jamás volveremos a sentir el tacto de la piel que amamos en nuestra juventud.

Bill Henson – Kindertotenlieder

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Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Bill Henson (1955, Melbourne,  Australia) ha publicado con la editorial Stanley / Barker su obra Kindertotenlieder basada en la obra musical de Gustav Mahler. En 1833-34 el poeta alemán Friedrich Rückert (1788-1866), perdió a su hija Louise y al mes siguiente a su hijo Ernst por escarlatina. Como consecuencia de este doloroso hecho Friedrich Rückert escribió el poemario Kindertotenlieder en memoria de sus hijos.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Setenta años más tardes el compositor Gustav Mahler y en contra de la opinión de su esposa Alma compuso la obra musical que contenía los 5 poemas de Friedrich Rückert. Como si se tratase de una maldición la hija mayor de Gustav Mahler, María murió de escarlatina a los 4 años en su casa de veraneo de Maiernigg. La casa fue cerrada y la familia Mahler nunca regresó.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Bill Henson se enamoró de la obra musical de Mahler con 19 años y pensó que en algún momento de su vida produciría imágenes de esta historia. El proyecto de Bill Henson ha durado 40 años, realizado durante múltiples viajes realizados a Austria, fotografiando la casa del lago donde murió la hija de Mahler, los paisajes y la cabaña del bosque donde compuso la obra.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Las fotografías de Henson son el complemento idóneo a los poemas de Friedrich Rückert y la música de Gustav Mahler. Las fotografías de Henson alcanzan el clima dramático de estas obras, sumergiendo al espectador en ese tiempo pasado que nunca vimos. Las luces de esos atardeceres melancólicos, el color especial de los retratos y los paisajes realizados con la estética inconfundible de Henson que sabe transitar en la penumbra de una forma magistral.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

La edición muy cuidada por Stanley / Barker contiene también los poemas de Friedrich Rückert y la música de Gustav Mahler lo que convierten en este libro en un objeto de coleccionista. Podéis visitar la web de Stanley / Barker para mayor información.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Ron Jude

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Ron Jude © 2011-2015, de la serie Lago

Ron Jude (1952, Los Ángeles, USA) es un fotógrafo de mirada sutil y minimalista que construye sus obras a base de ese tipo de imágenes que podríamos definir como restos del naufragio. Es un fotógrafo para espectadores que sepan interpretar el silencio, la pausa y la calma. Crece en una zona rural de Idaho entre paisajes inmensos, cazadores de pieles y chicos con coches que buscan su propia autoafirmación.

Ron Jude © 2011-2015, de la serie Lago

En su última serie Lago Ron Jude regresa al desierto de California intentando buscar pistas sobre su propia identidad.

Este trabajo realizado entre los años 2011- 2014 se expresa entre la búsqueda de recuerdos borrosos y el capricho de la mirada atraída por los golpes de vista que surgen en su camino.

Ron Jude © 2011, de la serie Lick Creek Line

Lost Home es un proyecto en el que colaboran 10 fotógrafos que tienen que dar respuesta a poemas del guionista japonés Nobuyiki Ishiki. Ron Jude participa en este proyecto con unas fotografías fechadas entre 1997 y 2005.

Entre los participantes en este proyecto se encuentran Daido Moriyama, Christian Patterson, Roe Ethridge, Slavica Perkovic, entre otros. El conjunto de libros Super Labo se publicó en 2013.

Ron Jude © 1997-2005, de la serie Lost Home publicado en Super Labo Book

Sus series surgen entre los recuerdos y las pistas que el sigue para configurar una narración de imágenes que una a una no tendrían ningún sentido narrativo. No muestra el todo de algo sino pequeños detalles o pistas que el espectador debe seguir.

Sus obras se encuentran entre un documentalismo de ficción y unas fotografías llenas de sensaciones ocultas que pueden ser interpretadas de formas divergentes. En su web podéis analizar y disfrutar con calma su obra y encontrar su mirada personal.

Ron Jude © 1996, de la serie Vitreous China

 

Ron Jude © 1990-92, de la serie Nausea

Sascha Weidner

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The Estate of Artist Sascha Weidner © – Approved Print No 1, 2017

Sascha Weidner (1974-2015, Alemania) es una de las grandes pérdidas de la fotografía alemana contemporánea. Su prematura muerte nos deja una obra llena de poesía, silencios y preguntas continuas que lanza al espectador. Se aleja del gigantismo especulativo de la Escuela de Düsseldoff que ha machacado el mercado de las bienales de arte con ese vacío narrativo y su gigantismo excesivo.

The Estate of Artist Sascha Weidner ©
Trial II 2008 de la serie Am Wasser Gebaut


Sascha Weidner nos regala generosamente evocadoras imágenes que nos alejan de esa marabunta sin principios que produce “arte” como el que come comida basura. Toma partido a sabiendas que la estética y la narrativa de sus imágenes no está hecha para la masa que llena de oropeles inunda las moquetas de las más famosas bienales de arte.

Su trabajo busca espectadores cómplices que sepan apreciar las sutilezas del lenguaje, los silencios y la serena contemplación. La obra de este fotógrafo te seduce inmediatamente, te conquista con un flechazo y después no puedes abandonarle. La poesía nunca abandona a los espíritus libres que no se someten a ninguna moda comercial.

Podemos disfrutar de la obra de este autor en Clervaux Cité de l´Image (Luxemburgo) hasta el 13 de Abril de 2018, en el Sprengel Museum Hannover que tiene su legado, y en la galería Dorothée Nilsson de Berlin hasta el próximo 25 de noviembre.
Podéis ver su obra en la siguiente web.

The Estate of Artist Sascha Weidner © Flooding II, 2011 de la serie Am Wasser Gebaut

Bea Rivas

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Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Bea Rivas (1976, Madrid), economista de profesión. aborda la fotografía como una herramienta de comunicación y expresión artística. Desde 2015 se forma en PIC.A en los cursos superiores.

Acaba de ganar hace unos días el Primer Premio de ONPhoto Soria y la Beca amateur del Seminario de Fotografía y Periodismo Fundación Santa María de Albarracín, del cual el año pasado también fue finalista. Bea Rivas viene realizando exposiciones y cosechando premios desde el 2010. Su último trabajo Rezoorts es por el cual ha obtenido los galardones mencionados y es el que voy a mostrar en este post.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Sus imágenes están llenas de metáforas visuales, y de preguntas que envía al espectador para provocar una cierta reflexión sobre los temas que plantea. Se alejan del concepto de instantánea y construye con sus fotografías una narración que nos hace cuestionarnos la realidad, la ficción y las causas de todo aquello que nos muestra.

Alejarse de esa forma instintiva de atrapar el momento para establecer una opinión sobre todo aquello de uso cotidiano, que disfrutamos sin cuestionarnos porque se ha convertido en un espacio de ocio y los visitantes en consumidores irreflexivos. La fotografía de Bea Rivas tiene esa belleza sugerente de la poesía visual, sutil y llena de matices que nos cautiva y nos provoca esa sensación que no querer que la contemplación de su obra llegue a sus fin.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

También nos hace cómplices de su ironía que utiliza como arma para establecer una crítica a esos negocios que obtienen grandes beneficios con la excusa de la conservación de las especies. La contemplación de los animales como actividad de ocio y consumo que atrae a grandes masas a esos parques temáticos del cautiverio, dónde los animales se muestran como mercancía.

Este concepto de coleccionismo especulativo se aleja de las opiniones vertidas por Walter Benjamin en su obra de los Pasajes. “El conjuro que intenta el coleccionista busca encerrar en un círculo mágico lo que es el objeto individual, uno que se congela en tanto que un final escalofrío (el de ser adquirido) lo recorre. […] Coleccionar es una forma del recuerdo remitida a la praxis, y es la más terminante entre las distintas manifestaciones profanas de la ‘cercanía’.”

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

La forma de trabajo de Bea Rivas se basa en la planiificación con vista a la elaboración de unas fotografías que expresen el significado que la autora quiere transmitir. No hay nada al azar, tiene muy claro lo que quiere hacer y como lo quiere hacer. Nos encontramos ante una artista que va a dejar su huella dentro de la historia de las artes visuales, ella no lo sabe pero yo si. Os dejo en enlace a su web.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Bea Rivas sobre su obra Rezoorts:

En el siglo XXI los zoológicos se han convertido en grandes estaciones turísticas.
Situados geográficamente en ciudades donde el turismo o las vacaciones representan la mayor parte de la actividad local son gestionados por sólidos grupos empresariales, generalmente de carácter privado, con importantes inversiones económicas y con una intencionalidad lucrativa que funciona en base al modelo capitalista.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Diseñados como parques temáticos a modo de “family entertainments centers” disponen de una linea argumental  claramente definida que les sirve de inspiración; los animales exóticos y en peligro de extinción.

Bea Rivas © 2017 Portada de la maqueta de Rezoorts

Los animales se exhiben mimetizados en paisajes artificiales y ambientes que recrean el hábitat natural de cada especie, unos decorados más propios de la industria del cine, que se sitúan en las antípodas del verdadero que se les niega con el cautiverio.

Bea Rivas © 2017 Interior de la maqueta de Rezoorts

Ire Lenes

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Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes (Madrid, 1981), es una joven fotógrafa que empieza a destacar con sus obras. Su formación realizada en la escuela PIC.A y su pasión por la fotografía la han conducido a la realización de diferentes tipos de trabajos, desde la fotografía conceptual a la documental. Desde hace un par de años ha comenzado a obtener premios y el último ha sido el premio Ciudad de Alcalá de fotografía documental por su ensayo “Archipiélagos”.

Un trabajo en la linea del estudio de las identidades de algunas comunidades en el norte de Europa y que sigue la estela de ensayos realizados en esa dirección por autores como Rafal Milach, Alexander Gronsky o Ville Lenkkeri. Archipiélagos es un trabajo muy cuidado y realizado con la minuciosidad y dedicación de su autora, realizando diversos viajes para lograr penetrar en esa población que vive en un gueto y se resiste a perder su idioma, cultura y tradiciones. Las fotografías de Ire Lenes nos atrapan y nos producen el deseo de querer ver más cuando hemos acabado de verlas. El compromiso con el trabajo propio se siente en cada fotografía. Ire Lenes esta explorando con la herramienta y eso se nota en la diversidad de temás y géneros fotográficos que constituyen su trayectoria. Esperamos que esta joven autora nos siga sorprendiendo en un futuro cercano.

Ire Lenes nos habla de Archipiélagos: Naujoji Vilna es un barrio ubicado al este de Vilnius, capital de Lituania y subsiste a modo de archipiélago, les une lo que les separa, el idioma ruso.
Lituania fue la primera república soviética en independizarse y dicho proceso no fue transitorio sino radical, todos los símbolos soviéticos se eliminaron, las fábricas soviéticas se cerraron y el idioma ruso paso a ser un idioma de segunda clase.
A día de hoy en Lituana todo lo referente a aquellos tiempos se mira con recelo a la par que con miedo, pero Naujoji Vilna tiene una realidad completamente distinta. Por su situación geográfica muy próxima a las fronteras de Polonia y Bielorrusia y potenciado por su carácter industrial presenció un gran proceso de inmigración de trabajadores de otras repúblicas, polacos, rusos y bielorrusos. En aquellos tiempos el ruso era el nexo de unión, tras la caída del comunismo sus habitantes no emigraron, permanecieron en el barrio y a día de hoy en sus calles se escucha el ruso, persiste un colegio en dicho idioma, bibliotecas con literatura rusa, supermercados con productos en cirílico, un cementerio ruso e incluso los adornos navideños aguantan hasta la celebración del año nuevo viejo, lo que es curioso en un país de mayoría católica.
El caso de este barrio es algo excepcional, ya que en el resto de la república, rehuyen del idioma ruso, lo que a priori parece un modelo de integración tiene un trasfondo de gueto.

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Rafael Navarro en la Foundation Auer Ory

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Rafael Navarro © 1976
Involución #1

Rafael Navarro (1940, Zaragoza) está exponiendo en la Fondation Auer Ory una retrospectiva de su obra, la cual podremos disfrutar hasta el próximo 25 de noviembre si viajamos hasta Ginebra. Rafael Navarro es uno de los fotógrafos que usaba narrarativas diferentes a lo que estábamos acostumbrados a ver en los años ’80. Cuando conocí su obra él exponía en Madrid su serie Dípticos de 1983. Utilizaba un lenguaje diferente al resto de los fotógrafos de esa época, alejado de la fotografía documental que marcó a la generación del Grupo Afal. La reflexión y el uso de las metáforas visuales formaban parte de su forma de contar historias. Podemos decir que Rafael Navarro es un fotógrafo conceptual. Fue un innovador en aquellos años.
Rafael Navarro es un autor que tiene un largo recorrido internacional y que es más habitual tener noticias de sus exposiciones en el exterior que su presencia en nuestro país. Otro fotógrafo que debería haber sido galardonado hace ya tiempo con el Premio Nacional de Fotografía. Un autor imprescindible que las jóvenes generaciones deben conocer.

Rafael Navarro © 1978-1985

Miguel Oriola, ACTUS

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Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola (1943, Alcoy) es uno de los fotógrafos españoles más importantes, con una obra extensa e intensa que deja una huella profunda en el espectador. Desde su trabajo Pensat i fet (1975) hasta hoy nos ha venido sorprendiendo con trabajos cada vez más interesantes. Esta serie fue un adelanto estético y narrativo en un país inundado por la fotografía documental de la generación anterior. En Pensat i fet nos muestra una obra realizada bajo la mirada de la parte por el todo y llena de provocación, en una época miserable y triste que auguraba el fin de la dictadura.

A este trabajo le han seguido muchos otros, cada vez más innovadores y con ese punto de transgresión que caracteriza la obra de este artista. Sus fotografías no dejan indiferente a nadie, son impactos visuales que provocan en el espectador todo tipo de sensaciones. Oriola acaba de publicar su último libro ACTUS (2017), una obra con imágenes que acorralan al espectador y lo dejan sin salida. El caos del mundo es reflejado en sus libros desde ALPHAVILLE, SKETCH 5, SKETCH 7, con una estética de un claro oscuro extremo y que sumergen al espectador en una experiencia trepidante.

Sobre la belleza estética, el orden y desorden podemos recurrir a estas palabras de Alvarado-Planás: Nuestro sentido de la belleza, y nuestra estética por tanto, nos lo inspira la coexistencia armónica del orden y del desorden, tal como existe en los objetos físicos: en las nubes, en los árboles, en las montañas y en los cristales de nieve. Las formas de todas estas cosas son procesos dinámicos que se han realizado en formas físicas, donde coexisten de modo inmanente, combinaciones concretas de orden y desorden. Así, apreciamos y sentimos un mundo gobernado por el caos, y nuestros sentidos se inundan con el desorden que nos rodea.(1)

Es imprescindible este último libro de Oriola, ACTUS que como los citados anteriormente forman el cuerpo de trabajo de su obra en los últimos años. Una obra realizada desde la libertad y el compromiso del autor que nos llenará de sensaciones intensas. El 22 de septiembre Miguel Oriola expondrá ACTUS en Bilbao en la escuela CFC, un evento que no nos podemos perder. A continuación y como primicia os adjunto el manifiesto de Miguel Oriola sobre su este trabajo:

Habitamos el caos, ese lugar donde los hechos y las cosas devienen en su extraño orden, y sin embargo, un lugar propicio para la creación, lleno de resonancias, de sorpresas y lejos de certezas. Me pregunto qué es la fotografía, mientras siento que en mi interior se desencadenan estímulos e impulsos que me hacen actuar cada día en este entorno.

Ando por el mismo cauce donde suceden las cosas, un glorioso torbellino que es la vida, donde lo inesperado y el estupor son elementos esenciales para la acción y la vivencia que se convierte en imagen. Nada mas lejos que el deseo de ordenar ese caos, germen de todas las cosas, con estéticas complacientes, significados forzados, o conceptos rebuscados. Cuando el fotógrafo señala a algo, y no a otra cosa, infiere en el mismo acto fotográfico la intención que conceptuará su expresión.

Para ello es necesario el talento y la memoria inconsciente enriquecida, el mayor caudal de información de todos los tiempos que posee el ser humano a través del instinto. Percibo mi trabajo como una cualidad alucinatoria, que emana de una visión scópica constante, un flujo de emociones que genera imágenes nacidas de la intuición en un acto instintivo que me fusiona al sujeto para siempre.

El fotógrafo debería barrer de la mente los pensamientos racionales, para actuar libre de prejuicios, para poder adoptar una percepción sistémica, que le permita conocer la atmósfera que le envuelve en su entorno y fundirse en ella, convertirse en aquello que va a captar, ser él mismo, el sujeto de su imagen antes de accionar su cámara. Mas aún, debería crear en su interior un lugar de ausencias, un vacío que contuviera todas las posibilidades de infinitas imágenes de perfectas armonías las cuales te buscaran a ti. Mi trabajo está condicionado sobre todo por el grado de relación con el ser humano, individuos que como yo mismo, vivimos almacenando preguntas sin recibir respuestas. Y la fotografía cada día, sólo te proporciona más preguntas. Uno deambula en el lado de la incertidumbre a la espera de una revelación que esperas en cada imagen. Como negar la atracción incontenible de esta dudosa realidad que percibo y que me impulsa a exorcizar en cada imagen lo desconocido y lo profano. Solo soy un viajero en un transito incierto que sigo a la búsqueda de mi mismo en cada fotografía que hago. Miguel Oriola, 2017 ©

Miguel Oriola es una referencia muy importante en la fotografía española, sin embargo no ha sido todavía galardonado con el Premio Nacional de Fotografía que por su trayectoria merece. Esperemos que eso suceda muy pronto. En los siguientes enlaces podréis ver la obra de Miguel Oriola y comprar sus libros y fotografías.

ACTUS

Libros Miguel Oriola

(1)  http://reflexionesmarginales.com/3.0/21-de-la-teoria-del-caos-y-del-desorden-a-la-estetica/

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS