Roger Ballen en Camara Oscura

Roger Ballen © Cortesía Galería Camara Oscura Madrid

Roger Ballen (1950, NY) expone en la galería Camara Oscura de Madrid lo que podemos considerar una pequeña restrosceptiva de su trabajoy hasta el 29 de julio podremos disfrutar de esta magnifica exposición; quizás sea una de las más importantes del Festival Off de PHE y candidata a merecer el premio a la mejor exposición de este año. Una expsosición que debemos anotar en nuestra agenda como imprescindible. Hace unos años tuvimos la suerte de recibir una clase magistral de este artista en el Centro de Arte de Alcobendas, tanto los alumnos de PIC.A como las personas que estuvieron presentes recordaran esa conferencia.

“Introspective” será la primera exposición antológica de Roger Ballen en Madrid. En este proyecto hemos querido seleccionar tres de sus series más icónicas -”Outland, “Shadow Chamber” y la más reciente “Boarding House”- para crear un recorrido alucinatorio y enigmático por una de las miradas más personales y singulares de la fotografía contemporánea. Ballen ha planteado a lo largo de su carrera lo que podríamos llamar un viaje de descubrimiento en el que abandonamos nuestro yo más cotidiano para enfrentarnos a con la parte más primitiva de la condición humana y de nuestra psique.

El viaje comienza con “Outland”, la culminación de más de veinte años de trabajo fotográfico. Imágenes pertenecientes al territorio de la ficción donde sus protagonistas son participantes activos del drama de su propia representación.

Este viaje continúa en “Shadow Chamber” por los recovecos de escenas donde la poética, el simbolismo, y la decadencia del objeto se sitúan en el centro de la narración. Ballen busca escenarios inquietantes y claustrofóbicos para acercarnos a su historia. El humor, la intriga, el caos, la suciedad, y la belleza batallan y nos fascinan o nos repugnan en un teatro sin espectadores donde convive el azar y la composición meticulosa de mundos distantes e invisibles.

Por último, nuestro viaje finaliza en “Boarding House” donde tanto los seres humanos como los animales aparecen aislados, extraños y perdidos, pero al mismo tiempo dotados de una gran fuerza. Supervivencia, alienación, y una cierta rendija abierta a la esperanza.

Charo Corrales – Borderline

 

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales (1968, Cádiz) es una artista multidisciplinar formada en Inglaterra y que ha realizado la mayor parte de su obra en Sevilla donde vive. Su trabajo aborda la identidad como mujer y reivindica en su obra el derecho de libertad y expresión personal, y el feminismo forma parte del discurso de su trabajo. Desde hace unos 2 años viene publicando en su blog un retrato cada día, y es este trabajo la base de su último trabajo Borderline.

Representarse a uno mismo, mostrase como forma de expresión para expulsar los fantasmas interiores, materializar en imágenes aquellos momentos en que nuestros sentimientos más íntimos se apoderan de nosotros y nos conducen desbocados como potros salvajes sin rumbo. Es, el todo o la nada de nuestras sensaciones más ocultas, compartir nuestras miradas sin reconocernos a nosotros mismos. Charo Corrales se entrega en estas fotografías, no hay límites porque cuando las pasiones nos atrapan las fronteras no existen. El cuerpo como forma de representación de su ser y la mirada como fuga a ninguna parte. Entregarse a todo aquello que nos produce placer y tratar de sobrevivir al dolor inmenso y profundo que nos provoca el vacío y las huellas del tiempo. Charo no se oculta con máscaras como otros artistas que también son el objeto de su obra, como Cindy Sherman o Jorge Molder. Está más cerca de los diarios personales de Lina Scheynius, ese tipo de fotografía directa sin codificar.

Ella nos mira directamente a los ojos y comparte con nosotros la estela de su sangre, sus lágrimas, su gozo y sus pasiones. Su obra es un acto de inmensa generosidad y entrega. Las metáforas están ausentes, cada imagen es un disparo a quemarropa que el espectador tiene que digerir y encajar. La transgresión se une a su honesta representación de su volcán interior, como forma de expresar la amalgama de sus sensaciones personales. No hay huida sino un duelo personal a la luz de la luna. La obra de Charo Corrales se aleja de todas esas imitaciones de las corrientes comerciales que el mercado absorbe, para hacerlas desaparecer con la misma fugacidad que las produce. Ella siempre llega al límite, camina por escarpados senderos llenos de aristas rocosas, conoce bien todo aquello que comparte en sus imágenes, lo sufre y lo goza, acepta las huellas que el tiempo deja a su paso. No se rinde y sigue avanzando sin detenerse.

Borderline es el último trabajo de Charo Corrales que ha materializado en un libro que se presentará en la 2ª edición de EX, feria de la edición contemporánea y el libro de artista de Sevilla, que se celebrará del 16 al 18 de septiembre en el Espacio Santa Clara.

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Gregory Crewdson, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Hoy he tenido la oportunidad de ver el último libro de Gregory Crewdson Cathedral of The Pines (2013-2014). Dicho trabajo fue expuesto en la la Gagosian Gallery de NY durante el primer trimestre de este año. Este es su nuevo trabajo después de 5 años, que ha realizado en un contexto de rupturas personales y profesionales. La obra se ha realizado en Becket (Massachusetts). La producción se ha realizado en tres tandas de trabajo de cuatro semanas cada una. Hay mucho trabajo de pre-producción y post-producción en sus series que superan ampliamente los periodos de las tomas.

Aislarse para renacer de nuevo es en la mayoría de las ocasiones la mejor forma para poder volver a crear de nuevo. Da igual si este trabajo de Crewdson está influenciado por la pintura europea y americana del siglo XIX, según la critica, es sólo una anécdota del mundo del arte. Lo importante para mi es que sus obras se corresponden con su estilo estético y narrativo que ha hecho de este fotógrafo un artista reconocible a simple vista. Es un trabajo muy poético lleno de soledades y abandono, de huidas y reflexiones interiores, que son acompañados estéticamente por una luz fría de invierno, que transmiten silencios profundos al espectador.

El tamaño de cada imagen enmarcada es de 114,5×146, 2 cm y realiza una serie de 3 obras por imagen más 2 pruebas de autor. El libro tiene un tamaño aproximado de 40x31cm y su precio en librerías es de 70€. Una edición muy cuidada y con una excelente reproducción.

Entrevista con Gregory Crewdson en BLOUINARTINFO

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Nacho Arias “Malgosia”

Nacho Arias © de la serie Malgosia

Nacho Arias © de la serie Malgosia

Nacho Arias (1971, Madrid) es un fotógrafo con amplia experiencia en la fotografía editorial y la publicidad. Al mismo tiempo viene desarrollando desde sus unicios su obra personal. Tuve la suerte de tenerle como ayudante en sus comienzos y de aquella etapa guardo grandes recuerdos. Desde aquellos años de aprendizaje, Nacho Arias se ha convertido en un excelente profesional con un dominio de la escenografía y la iluminación para crear los ambientes que necesita para sus obras. Este mes presentará Malgosia, su último trabajo en una inauguración privada en su estudio. A partir del 9 de mayo y por petición vía email podréis visitar la exposición y conocer su obra. Malgosia es un serie que expresa la búsqueda personal de sus protagonistas. Personas que no se encuentran identificadas con el entorno y la cultura que las vio nacer y buscan algún lugar donde vivir y sentirse parte de su tierra de acogida. No es una huida por motivos políticos o económicos como el drama de los refugiados sirios que estamos viendo cada día cómodamente desde nuestros hogares. Es una búsqueda personal, para encontrar la paz y la identidad cultural que necesita. Es un problema habitual en el mundo de hoy, la diferencia es que muchas personas siguen buscando su salvación personal en la tierra que les vio nacer y otras deciden cortar radicalmente con sus raíces.

Malgosia no es un nombre de ficción, es una mujer eslovena de 23 años que llegó a Madrid buscando una nueva vida. Ella da titulo a la obra de Nacho Arias que ha buscado casos similares al suyo creando esta serie. Excelentemente iluminada y fotografiada, las expresiones de sus protagonistas trasmiten al espectador esa sensación de soledad infinita y del deseo de encontrar su propio Itaca. Una obra consistente, estéticamente sugerente y llena de emociones en las miradas de sus protagonistas. No hay que perderse la posibilidad de ver el trabajo de Nacho Arias.

Nacho Arias © Malgosia

Nacho Arias © Malgosia

Lo Efímero, Ocultarse En Las Sombras

Rafael Roa © 2015 De la serie Dead Skin / Sonya7R

Rafael Roa © 2015
De la serie Dead Skin / Sonya7R

El concepto de efímero se puede aplicar a la propia vida, al último instante vivido, como ese golpe de viento de súbitamente acaricia nuestro rostro. Eternizar lo efímero siempre ha sido un sueño imposible de realizar, porque cada instante se convierte en pasado con una levedad y fugacidad imposible de detener. Es ir contra natura, de nuestra propia medida de la existencia. Me centraré en la definición del efímero melancólico que revive y reactualiza sin fin el pasado y sus huellas en relación con la fotografía, como herramienta que captura instantes y sus funciones, como testigo de la historia, su evocación de la melancolía del recuerdo, que muchas veces nos atormenta por su perdida. Las huellas se reflejan en nuestros cuerpos por el paso del tiempo, de esas sensaciones perdidas de forma continua y que constituyen nuestro viaje imparable hacía la muerte. Lo efímero de la existencia y lo efímero de la representación visual de nuestra vida o de sus interpretaciones de la misma.

Ocultarse en las sombras es inútil, sus huellas dejaran sus marcas en nosotros aunque tratemos de ocultarnos en la penumbra. La nada avanza irremediablemente y nuestros recuerdos se pueden agrupar en dos segundos de imágenes que reflejan un tiempo pasado, o el registro de una vida. La fotografía guarda nuestros recuerdos en pequeñas cajas o en algún tipo de almacenamiento electrónico que tampoco nos asegurará eternamente su existencia. Todo pasa entre estas reflexiones sobre lo efímero y sus huellas, y esa búsqueda incesante de la felicidad inexistente, del paraíso soñado. Y vuelvo obsesivamente a la búsqueda de esas huellas en ese equilibrio inestable de luces y sombras, de falsas esperanzas y refugio de la derrota inevitable. La imitación, las huellas y los significados de todas las imágenes que producimos nos llevaran a una búsqueda eterna en la materialización de nuestro mundo de sueños. La fotografía como refugio personal de nuestra propia existencia.

Rafael Roa © 2015 De la eerie Dead Skin / Sony a7R

Rafael Roa © 2015
De la eerie Dead Skin / Sony a7R

La Belleza De Lo Efímero

Rafael Roa © 2016 De la serie Dead Skin/ Sonya7RII

Rafael Roa © 2016
De la serie Dead Skin/
Sonya7RII

Las huellas van modificando muestro cuerpo, perdemos sensaciones, emociones y deseos que la fugacidad de los instantes entierra para siempre. Lo efímero ha marcado sus huellas en nosotros, dejando surcos profundos en nuestra piel y en nuestra memoria. Elegir el desnudo como lo esencial y sublime donde mostrar los efectos del paso del tiempo. Nacemos desnudos y nos entregaremos a la tierra o al fuego de igual forma, así será el inicio del viaje de la transformación final. El tiempo vivido como inconstancia y pasaje efímero, repitiendo en bucle la perdida dolorosa de cada instante pasado. El tiempo nos afecta a todos como esa espada de Damocles que destruirá la belleza que amamos y la ilusión de la felicidad que queremos conservar. Dead Skin transita sobre estas ideas, se ha movido en estos parámetros con una estética barroca que yacía en mi subconsciente, sin ser un referente básico para el desarrollo de la obra. Porque nuestros conocimientos y nuestras sensaciones más profundas e íntimas se encuentran aletargadas en nuestro interior y afloran cuando nuestro pensamiento tiene necesidad de ellas, igual que los recuerdos se materializan en fotografías que nos permitan volver al pasado y recordar vagamente como fuimos cuando nuestras ilusiones eran el motor de nuestra vida. Quizás la melancolía esté también presente en Dead Skin, como lo está la perdida de los sueños y los surcos de lágrimas que marcaron nuestros rostros, pero de una forma más sutil, sin arrastrarme a un dolor intenso o a una locura del romanticismo. Este proyecto se materializará en tres meses como máximo con la ayuda de todos. Una vez impreso el libro vendrán el resto de proyectos que en torno a este trabajo surgirán. Pero mi cabeza ya la ocupan nuevas ideas que me ilusionaran con un nuevo trabajo, mientras tanto voy a compatibilizar el final de Dead Skin con el nacimiento de lo nuevo.

Link Pre-venta Dead Skin

Rafael Roa © 2014 De la eerie Dead Skin/ Sony a99

Rafael Roa © 2014
De la serie Dead Skin/ Sony a99

Vídeo de la proyección de mis trabajos en la edición de Fotonoche 2015 – Alcobendas

Anja Niemi

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Anja Niemi (1976, Noruega) es una joven artista cuya obra fotográfica transita por una ficción sobrecargada de estética, que supera al contenido narrativo. Escenificaciones muy preparadas que recuerdan a los trabajos de otros autores con una obra más potente en el contenido. Estudio en Londres, París y Nueva York y la revista British Journal of Photography ha elogiado su trabajo. En el 2012 escribí un post en este blog sobre sus similitudes temáticas y estéticas con un trabajo de Mario Sorrenti. Hoy en día existe una retroalimentación entre autores, unos vasos comunicantes que mezclan las ideas llegando a un punto en que el cual es difícil encontrar las originales. La realización de sus obras tienen esa perfección nórdica de cuidar hasta el último detalle, consiguiendo un envoltorio sumamente atractivo para el espectador. The Little Black Gallery de Londres representa su trabajo.

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Anja Niemi ©

Carlos Cánovas

Carlos Cánovas © PLANTAS DOLIENTES / ACHING PLANTS Pamplona, 1981

Carlos Cánovas © PLANTAS DOLIENTES / ACHING PLANTS
Pamplona, 1981

Carlos Cánovas (Hellín, 1951) es uno de los grandes nombres de la fotografía española. Criado en Navarra es allí dónde ha desarrollado su vida y su carrera como fotógrafo. Coetáneo de Pío Guerendiáin y Paco Ocaña formaban parte de ese grupo  de fotógrafos inquietos por desarrollar una nueva fotografía a comienzo de los años ochenta. Junto con el grupo de Barcelona, el Colectivo 28 de Madrid coincidíamos en Arlés y en todos los encuentros que se organizaban en nuestro país en los cuales conocíamos nuestros trabajos e intercambiabamos opiniones en debates interminables.
Carlos Cánovas es un fotógrafo técnicamente perfecto que transita por la poesía visual y ese minimalismo misterioso con el que construye sus obras. Podría perfectamente estar incluido en la estética de los “New Topographics” con Robert Adams y Lewis Baltz o ser uno de los más conocidos internacionalmente si hubiese estudiado con Bernd and Hilla Becher. Pero ni estaba en California ni en Düsseldorf. Desde Pamplona ha ido creando durante todos estos años su visión personal de la realidad que le rodea, ha interpretado el paisaje de forma magistral mostrando detalles y puntos de vista que la mayoría éramos incapaces de ver. Su fotografía fue un soplo de aire fresco en una generación influida por el grupo Afal y todo la tradición documentalista de la fotografía española. Construye su estética y narrativa personal desde el silencio misterioso de sus obras y de esa gama de grises cautivadora. En su web podéis ver sus trabajos, libros y curriculum y profundizar más en su obra.

Hasta el 28 de febrero y en el Polvorín de la Ciudadela de Pamplona expone una selección de sus trabajos, una exposición imprescindible.

Carlos Cánovas © PAISAJE SIN RETORNO / LANDSCAPE OF NO RETURN Zorrotza, 1993

Carlos Cánovas © PAISAJE SIN RETORNO / LANDSCAPE OF NO RETURN
Zorrotza, 1993

Carlos Cánovas © MARIA FUGIT Salou, 1993

Carlos Cánovas © MARIA FUGIT
Salou, 1993

Carlos Cánovas © VIDA SECRETA / SECRET LIFE. Lloret de Mar, 2009

Carlos Cánovas © VIDA SECRETA / SECRET LIFE.
Lloret de Mar, 2009

Mari Katayama, El Cuerpo Amputado

Mari Katayama © 2014 de la eerie you're mine

Mari Katayama © 2014 De la serie You’re mine

Mari Katayama (1987, Saitama, Japón) es una joven artista japonesa que es el sujeto de su obra. Como otros autores entre los que se encuentran Jorge Molder, Cindy Sherman, Francesca Woodman o Yasumasa Morimura, afrontan esta forma de trabajo. Unos se convierten en otros personajes con la máscara que les sirve para ocultarse, otros expresan todos sus fantasmas interiores, reafirmando  sus dudas y compartiendo con el espectador sus deseos, angustias y sensaciones. Katayama sufrió la amputación de sus dos piernas a los 9 años y su mano izquierda sólo tiene dos dedos. Ella se lanza bajo los focos y se ofrece a las miradas de los voyeurs, se viste con diferentes atuendos para mostrarse como es. La ironía se encuentra en algunas de sus obras, como en la serie Ballet y también ese deseo de reafirmarse está siempre presente. La terapia a través de la fotografía, y la valentía para mostrar su belleza limitada por las amputaciones de su cuerpo. El autorretrato y el coraje para estar al otro lado de la cámara y convertirse en el protagonista de la obra.

Mari Takayama ©

Mari Katayama ©

Mari Takayama © Ballet

Mari Katayama © Ballet

Mari Takayama © Veil

Mari Katayama © Veil

Mari Takayama ©

Mari Katayama ©

Jean-Vincent Simonet

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

Jean-Vincent Simonet (1991, Francia) es un joven fotógrafo que se mueve en el ámbito de la fotografía de la moda, editorial, y en la producción de su trabajo personal. Una de las partes más importantes de su obra es la serie Maldoror. Basado en la obra Los Cantos de Maldoror del escritor francés Isidore Ducasse, más conocido por el Conde de Lautréamont, fue publicada en 1869. Maldoror es un arcángel del mal que lucha contra el Creador. Las fotografías de Simonet se basan en la atmósfera de la obra literaria, en el espíritu y el universo personal del escritor: el romanticismo, el caos, la bestialidad, la ciencia, la intimidad y la alfabetización. El fotógrafo interpreta y añade su visión personal utilizando un caos estético y narrativo que encaja perfectamente. Mezcla color con blanco y negro y fotografía analógica con capturas digitales y usando el trabajo de post-producción como una herramienta esencial del proceso creativo. Lo heterogéneo de su trabajo le conduce a la creación de su propio universo paralelo. Expone en el FOAM de Amsterdam hasta el 25 de octubre.

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

Jean-Vincent Simonet © Maldoror

 

El Edén

Rafael Roa © 2015

Rafael Roa © 2015

Siempre soñamos con el paraíso, con el disfrute del placer eterno en un idílico lugar que sea el escenario para el gozo infinito de la vida. La imaginación siempre ha conducido al hombre al sueño de ese deseo irrealizable. En muchas ocasiones buscamos la metáfora de ese anhelo, y cuando fotografiamos proyectamos nuestros deseos en las imágenes que capturamos. Algunas veces somos conscientes de esa búsqueda y en otros casos nuestro subconsciente nos conduce a tener una percepción visual más sensible a nuestros pensamientos más íntimos. Desde el uso de la herramienta de la fotografía hemos pasado de pensar que era un espejo objetivo de la realidad a cuestionar esa verdad empírica, ya que se produce una proyección del mundo interior del fotógrafo, mostrando sus deseos más ocultos y produciendo imágenes que se adentran en su ficción personal. En la historia del arte hay miles de ejemplos de pinturas que mostraban el paraíso, ese jardín del Edén que todos deseamos. En muchas ocasiones fotografiamos lo que sucede delante de nosotros, lo que denominamos instantáneas de nuestra realidad encontrada.

Diane Arbus en contraposición a la imagen robada planteaba la realización de una imagen construida, y adopta el uso de la pose en sus fotografías, la elección personal como herramienta para la construcción de sus imágenes. Lo más importante es ser capaz de materializar esas ideas transmitiendo a los modelos lo que se espera de ellos. Las miradas naturales no existen en el retrato, siempre el personaje intenta ocultar su naturaleza real y ofrecer aquella imagen pública por la cual desea ser visto, y es trabajo del fotógrafo desnudar al personaje, quitarle la máscara. Nuestras ideas como premisa inicial y la dificultad de saber materializarlas en imágenes, y el azar que nos asalta sin permiso y en ocasiones nos provoca un cambio de rumbo, son las variables que tendremos que manejar para la búsqueda de nuestra expresión personal como fotógrafos.

Alec Dawson

Alec Dawson © Nobody claps anymore

Alec Dawson ©
Nobody claps anymore

Alec Dawson (1975, México DF) es un fotógrafo autodidacta que con claras influencias de Gregory Crewdson nos muestra imágenes escenificadas con una estética cruda similar al realismo sucio en la literatura. No tiene mucho cuidado en los aspectos de composición o de interposición de planos y da más importancia en su obra a esa cruda realidad que quiere escenificar. Lleva realizando este trabajo desde el año 2007 y sus últimas exposiciones han sido en Australia.

Alec Dawson © Nobody claps anymore

Alec Dawson ©
Nobody claps anymore

Alec Dawson © Nobody claps anymore

Alec Dawson ©
Nobody claps anymore

Alec Dawson © Nobody claps anymore

Alec Dawson ©
Nobody claps anymore

Alec Dawson © Nobody claps anymore

Alec Dawson ©
Nobody claps anymore

Alec Dawson © Nobody claps anymore

Alec Dawson ©
Nobody claps anymore

Erwin Olaf en la Galería Espacio Mínimo

ERWIN OLAF © 1986 RONALD, de la serie Ladies Hats

ERWIN OLAF © 1986
RONALD, de la serie Ladies Hats

Erwin Olaf (1959, Hilversum, Holanda) es sin lugar a dudas el fotógrafo holandés más importante de los últimos cuarenta años a pesar de que algunos nos intenten convencer con un marketing bien estructurado para consumidores fáciles, de que hay otras reinas que llenan sus obras de parámetros importantísimos. Olaf ha demostrado desde comienzos de los años ochenta su creatividad y talento con una serie de obras en las que hemos visto su evolución estética y narrativa. La Galería Espacio Mínimo ha esta exponiendo desde noviembre y hasta el 17 de enero una serie de los primeros trabajos de este autor. Esta galería lleva más de 15 años exponiendo a este importantísimo autor en Madrid. Podemos ver algunos de sus trabajos entre los años 1985-1992 aproximadamente incluyendo uno de los autorretratos más importantes y valiente de este autor. Estas obras se venden en series de 100cmx100cm encapsuladas en silicona a unos precios entre 6000 y 7000€.

En la planta de abajo de la galería y a modo de capilla íntima podemos apreciar la serie Ladies Hats (1985-1992) positivas en papel baritado a tamaños de 37,5×37,5cm y a unos precios muy tentadores de 2500€. Es una exposición que no nos debemos perder pues es una ocasión de ver los primeros trabajos de este importante artista.

Erwin Olaf © Pearls

Erwin Olaf © Pearls

Aino Kannisto

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto (1973, Helsinki) es una importante representante de la Escuela de Helsinki. Su obra se centra en “autorretratos” en los que ella representa un personaje de ficción que forma parte de sus sueños y emociones. Para nada son reconstrucciones de  situaciones vividas. Como Jorge Molder, Cindy Sherman y otros autores, en ella se da esa dualidad, la del artista que crea una escena y que al mismo tiempo es el personaje principal de la misma. Sus imágenes están cuidadas al máximo desde el punto de vista estético, técnico y narrativo y están en las antípodas de muchos “fakes” que vemos a diario en la red.

Como no puede ser de otra manera este tipo de artistas crean su obra a partir de todo su bagaje cultural y las influencias de otras artes como la literatura, el cine, el vídeo que aumentan la capacidad de creación del sujeto. Hemos visto en nuestro país la obra de Aino Kanisto desde el 2004 en diferentes exposiciones realizadas en Bilbao, Madrid y Gijón. La Escuela de Helsinki representa el espejo en el que hay que fijarse para la enseñanza y el aprendizaje de la fotografía, un sistema educativo claro y una selección de alumnos dispuestos al aprendizaje técnico, estético, y a explorar hasta sus propios limites sus capacidades creativas. Hasta el 10 de Enero podéis ver su serie Hotel Bogota en la Taik Gallery de Helsinki.

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Ellen Kooi Con Los Alumnos Del PIC.A En Alcobendas

Ellen Kooi en el Centro de las Artes de Alcobendas. rafaelroa©2014 Sony a7R

Ellen Kooi en el Centro de las Artes de Alcobendas.
rafaelroa©2014
Sony a7R

Ellen Kooi dio una charla sobre su trabajo a los alumnos del PIC.A y del Master de PHE en el Centro De Arte de Alcobendas el pasado jueves día 16. El acto fue presentado por Belén Poole directora del Centro De Arte. Emily Adams, directora del Master de PHE tradujo las intervenciones entre los alumnos y la artista holandesa. Fernando Herráez director de la escuela PIC.A, mis compañeros Javier Arcenillas y Susana Lorenzo profesores de la escuela también estuvieron presentes en esta interesante charla. Ellen Kooi aportó algunas de las claves de su trabajo y nos contó cual es su sistema de producción de las fotografías.

“Undertones” es el titulo de la exposición de esta artista holandesa, y hablamos del significado de algunas de sus imágenes. Ella prefiere que sus obras sean preguntas para el espectador con diferentes respuestas a que el espectador tenga sólo una lectura sobre las mismas. Antes de final de año los alumnos de la escuela PIC.A y del Master de PHE podrán disfrutar de una clase magistral de Rineke Dijkstra a la cual dedicaremos un post próximamente.

Belén Poole en la presentación del acto con Emily Adams y Fernando Herráez. rafaelroa©2014 Sony a7R

Belén Poole en la presentación del acto con Emily Adams y Fernando Herráez.
rafaelroa©2014
Sony a7R

Susana Lorenzo y Javier Arcenillas charlan con los alumnos del PIC.A. rafaelroa©2014 Sony a7R

Susana Lorenzo y Javier Arcenillas charlan con los alumnos del PIC.A.
rafaelroa©2014
Sony a7R

Ellen Kooi en una de sus explicaciones. rafaelroa ©2014 Sony a7R

Ellen Kooi en una de sus explicaciones.
rafaelroa ©2014
Sony a7R

Juliette Bates

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Juliette Bates (1983, París) es una joven fotógrafa que esta exponiendo ahora con Duane Michals y Arthur Tress en la galería Esther Woerdehoff de París hasta el 12 de julio. Su obra se basa en la metáfora visual para crear unas imágenes pulcras, misteriosas y con una estética que potencia la historia que plantea al espectador.
En su serie “Historias Naturales”, con un personaje anónimo y misterioso cuestiona la condición humana e intenta entender y desafiar el paso del tiempo en la vida. Paisajes, pequeños objetos que podemos coleccionar y los paisajes y acantilados de Normandía son parte de las imágenes que nos muestra para darnos pistas sobre la intencionalidad de ese personaje misterioso que busca en los objetos que colecciona las respuestas a las grandes preguntas sobre la vida. En su web podéis ver otras facetas de su trabajo.

Juliette Bates © Histoires Naturelles

Juliette Bates © Histoires Naturelles

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Johann Ryno de Wet En Alcobendas

Johann Ryno de Wet © 2011 Hill, de la serie Underland

Johann Ryno de Wet © 2011
Hill, de la serie Underland

Johann Ryno de Wet (Johannesburgo, 1982) expondrá en en El Centro De Las Artes de Alcobendas desde el 3 de julio al 2 de septiembre. Su obra está marcada por un exceso de dramatismo y el uso de unas nubes radioactivas y tenebrosas que sugieren una fuerte influencia del cine del caballero negro. Gotham city está presente como referencia visual. Su serie No Man’s Land mezcla imágenes perfectamente resueltas con otras que son un canto al exceso de lo kitsch en el tratamiento digital. No hay más discurso que un exceso de sobredosis de la Apocalipsis en unos parajes solitarios amenazados por esas nubes negras que emergen del horizonte.

Esto se repite en su serie Shadow Valley y nos sorprende con su trabajo Underland, para mi con diferencia su mejor trabajo, que está a años luz de las series comentadas anteriormente. Ese dramatismo de esos paisajes en blanco y negro tratados en clave baja, nos introduce en un mundo que pudiese ser real. La homogeneidad estética de este trabajo y sus precisos encuadres forman una serie potente y compacta que sumerge al espectador en un mundo de soledad y que nos provoca esa reflexión sobre un posible día después, en el cual nos muestra los restos de un naufragio colectivo.

Johann Ryno de Wet © SCYSCRAPERS, 2008 de la serie Shadow Valley

Johann Ryno de Wet © SCYSCRAPERS, 2008 de la serie Shadow Valley

Johann Ryno de Wet © THE MAGNETIC FIELDS, 2006 de su serie No Man's Land

Johann Ryno de Wet © THE MAGNETIC FIELDS, 2006 de su serie No Man’s Land

Johann Ryno de Wet © SYREN, 2006, de sus serie No Man's Land

Johann Ryno de Wet © SYREN, 2006, de sus serie No Man’s Land

Cecilia de Val – Festival Off PHE

Cecilia de Val © 2014 La pensateur

Cecilia de Val © 2014
De la serie “La pensateur”

Cecilia de Val (Zaragoza,1975) inaugura esta noche su exposición “La pensateur” en la galería Camara Oscura de Madrid dentro de la programación del Festival Off de PHE2014. Las galerías del barrio de Las Letras celebran hoy una “Opening Night” que dará comienzo a las 19:00.

Utiliza la metáfora como parte de su narrativa. Navega en esas realidades de ficción y propone una serie de interrogantes al espectador, finales abiertos a la interpretación de los mismos. El peso de las escuelas de Vancouver y Helsinki se encuentra reflejado en muchos autores emergentes que han adoptado esa forma de narrativas visuales. Las fotografías de moda de Peter Lindbergh y sus historias de alienigenas enanos en el desierto y esas fotografías de espacios abiertos con personajes fuera de contexto, han ayudado a la inspiración de otros artistas más jóvenes que se han educado visualmente con esas formas de expresión que se han convertido en un lenguaje cotidiano. No nos debemos perder la posibilidad de ver el trabajo de Cecilia de Val.

Cecilia de Val © 2014 De la serie "La pensateur"

Cecilia de Val © 2014
De la serie “La pensateur”

Philip-Lorca diCorcia, Exposición En Alcobendas

Philip-Lorca diCorcia ©

Philip-Lorca diCorcia ©

Philip-Lorca DiCorcia (1951,Hartford, Connecticut) uno de los fotógrafos más prestigiosos del momento actual que fue galardonado en la III edición del PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA ALCOBENDAS, expondrá en el Centro de Las Artes de Alcobendas. La exposición que lleva como titulo “El Lenguaje Del Narrador” se inaugurará el martes 29 de Abril a las 19:30h. Es una ocasión para poder disfrutar de la obra de este artista. Podremos disfrutar de su trabajo desde el 29 de Abril hasta el 5 de Julio.

El día 8 de Mayo como ya sabéis tendrá lugar la inauguración de la exposición del Rafael Sanz Lobato, esta coincidencia de las obras de estos grandes fotógrafos representan la importancia que tiene Alcobendas en la difusión de la fotografía de grandes autores.

El Laberinto Interior

Jason Langer ©

Jason Langer ©

El tiempo borra las miradas de aquellas fotografías en las cuales dejamos gran parte de nuestras emociones. Se convierten en miradas muertas, desconocidas, vacías de contenido. Aquello que sentimos cuando a través del visor tomamos la decisión de disparar ya no es reconocible. Las fotografías que guardamos están llenas de trampas ocultas. A veces somos capaces de detectarlas y en otras ocasiones explotan sin avisar a su paso. En este último caso siempre acabas herido.

Guardar nuestros secretos en imágenes es como coleccionar cadáveres que nos van a arrastrar de nuevo al abismo. Protegernos igual que lo hacemos de los asesinos que nos mandan a sus secuaces para hacer el trabajo sucio. Esos que toman notas precisas para sus amos. Borrar las huellas y caminar por un laberinto deseando no encontrar la salida como ejercicio para el olvido. Fotografiar aquello que necesitamos para ocultar los restos del naufragio y no regresar a los caminos sin retorno. Al final sólo nos queda la fotografía.

Rafal Milach © Seven Rooms - Sasha and Nastya, Novosibirsk

Rafal Milach © Seven Rooms – Sasha and Nastya, Novosibirsk

Lina Scheynius © 2010 diary autumn

Lina Scheynius © 2010
diary autumn

Rinko Kawauchi © Utatane

Rinko Kawauchi © Utatane

Begoña Rivas

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas (1958) expone su último trabajo “Marea Baja” en la galería Montsequi de Madrid desde el 18 de diciembre hasta el 7 de enero.

Begoña Rivas ha estado vinculada al diario El Mundo, en su última etapa como jefa de fotografía. Es una excelente profesional de domina el retrato y es indispensable visitar  su web para ver los matices que ofrece en su obra. Este trabajo de Begoña Rivas se encuentra situado entre las referencias de la pintura de Sorolla y la fotografía de la finlandesa Susanna Majuri. Begoña Rivas explora en ese mundo de los reflejos que distorsionan la realidad cotidiana de aquellos que disfrutan de las playas.

Distorsiones ópticas que se producen en los reflejos del agua sobre la arena y crean un mundo abstracto de colores y formas. Una exposición que es una referencia fotográfica para las próximas semanas.

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Begoña Rivas ©

Viviane Sassen

Viviane Sassen © De la serie Various

Viviane Sassen (1972, Amsterdam) es una fotógrafa que realiza una obra personal desde una perspectiva conceptual. Tanto su obra personal como sus trabajos comerciales de moda y publicidad está realizados utilizando esta estética. En muchos casos nos muestra la parte por el todo, y en otros como las series realizadas en África saca de contexto a las personas que fotografía. Vivió en Kenia en su niñez y más tarde regresó para realizar sus series africanas. En Parasomnia muestra estas alteraciones del sueño, y ofrece un recorrido surrealista al espectador entre los restos de sus recuerdos.
Fue incluida en la exposición “New Photography” que se realizó en 2011 en el MOMA.
Tiene cinco series realizadas en África y su último trabajo es un cuaderno de notas que resume los anteriores.
Viviane Sassen se ha separado de ciertas modas temáticas empleadas hasta la saciedad por muchos fotógrafos en la actualidad y ofrece su propia visión sobre todo aquello que la inquieta o perturba. Mezcla el misterio en algunos de sus desnudos con tomas muy clásicas que recuerdan el trabajo de otros fotógrafos.
Consigue con sus series atrapar al espectador y provocarle para que explore hasta el limite sus imágenes. Es una fotógrafa muy interesante, os sugiero que exploréis su web.

Viviane Sassen © Heliotrope

Viviane Sassen © Heliotrope

Viviane Sassen © Parasomnia

Viviane Sassen © Parasomnia

Viviane Sassen © Ultra Violet

Viviane Sassen © Realm

Viviane Sassen ©

Viviane Sassen © Fotografía de la moda

Anni Leppälä

Anni Leppälä ©  1013, Hand

Anni Leppälä ©
1013, Hand

Anni Leppälä (1981, Helsinki) es una de las representantes de la Escuela de Helsinki.
Su obra refleja las huellas, los recuerdos, y lo efímero de los instantes que fugazmente se convierten en el pasado. Nos habla de la paradoja que sucede cuando queremos fotografiar un instante que queríamos conservar y lo perdemos en el intento de la toma.
Nos muestra las huellas de lo cotidiano y reflexiona sobre el tiempo y los sentimientos que le producen sentirse viva. Es una fotógrafa que la podemos clasificar como buscadora de recuerdos íntimos . Sus fotografías son simples, directas y misteriosas. Esa mezcla es la que finalmente nos atrapa, y nos dedicamos a la contemplación de sus historias esperando que nunca tengan fin.

Un fotógrafo afirmaba que no podemos fotografiar si no hemos leído antes y convertido esas ideas en imágenes. No es del todo cierto, se puede fotografiar por la necesidad de expresar nuestras propias emociones. Alguien puede tener la urgencia de fotografiar como forma de huida de su propia existencia, o movido por la intensidad de algo que sucede delante de sus ojos. Podemos tener lenguajes fotográficos más elaborados o simplemente más instintivos. Cada cual se expresa en función de su propia evolución personal, emocional e intelectual.
Anni Leppälä construye su propio mundo de emociones y recuerdos y lo comparte con nosotros.

En nuestro país hemos visto sus obras en la edición de 2009 de ARCO y en el 2011 formando parte de la exposición Heroines producida por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid.

Anni Leppälä © 2007, Garden

Anni Leppälä © 2007, Garden

Anni Leppälä © 2010 Reading

Anni Leppälä © 2010
Reading

Anni Leppälä © Shirt (Hand)

Anni Leppälä ©
Shirt (Hand)

Anni Leppälä © 2011Mirror (blanket)

Anni Leppälä © 2011Mirror (blanket)

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Room), 2004

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Room), 2004

Anni Leppälä © Shadow II, 2010

Anni Leppälä © Shadow II, 2010

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Door), 2004

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Door), 2004

Troya No Será la De Antes

Rafael Roa © 2013

Rafael Roa © 2013

Recurro a la Ilíada y me encuentro con esta frase: “Para mí, eres mi todo, pues si tu no estás todo será más difícil y Troya no será la de antes”Homero, Brodsky y Mayakovski me acompañan a lo largo de mis últimos trayectos diarios en tren.
Estos textos e imágenes como la cama deshecha de Imogen Cunningham, algunas de Emmet Gowin y los tormentos personales de la finlandesa Anni Leppälä son las referencias que se incorporan a mis últimas reflexiones.

Quizás una parte de la fotografía que estamos viendo se centre en la narración del vacío, las ausencias y las huellas invisibles que habitan en el recuerdo.
Es como si intentásemos recuperar la estela de los momentos vividos que ya forman parte del pasado. Habitar los espacios vacíos para buscar los restos de los naufragios personales y colectivos.
Podemos clasificar a los fotógrafos entre aquellos que fotografían lo que sucede y los que fotografían los restos del pasado, las huellas y las estelas de las sombras que ya no existen.
Toda la “Escuela de Helsinki” se posiciona en ese tipo de narración frente a lo real que esta representado por el nuevo fotoperiodismo que vemos ahora.
Al final siempre queda espacio, sensaciones y momentos para documentar el nuevo “orden” que sufre la sociedad europea y capturar después esos espacios más íntimos, en los cuales nuestras propias heridas se mezclan con las huellas de otros que nos precedieron. Refugiarse en la piel, las sensaciones y el viento es siempre otro punto de partida.

Anni Leppälä © From the series Seedlings, (Buttons), 2004

Anni Leppälä ©
From the series Seedlings, (Buttons), 2004

Imogen Cunningham © The Unmade Bed, 1957

Imogen Cunningham © The Unmade Bed, 1957

Emmet Gowin ©

Emmet Gowin ©

Anni Leppälä © From the series Possibility of Constancy, (Old Shadow), 2007

Anni Leppälä ©
From the series Possibility of Constancy, (Old Shadow), 2007

Leigh Ledare / La Vida Sexual De Su Madre

Leigh Ledare ©  Mom with Hand on Bed, 2006

Leigh Ledare ©
Mom with Hand on Bed, 2006

Leigh Ledare (1976, Seatle, WW, USA) es un fotógrafo que se inició siendo asistente de Larry Clark. Una de sus series más importantes es la titulada “Pretend You’re Actually  Alive” en la cual refleja las relaciones sexuales de su madre, sus amantes jóvenes, y transmite la compleja relación que mantiene con ella.
En el año 2009 Nan Goldin presentó el trabajo de Ledare en el Festival de Fotografía de  Arles provocando una gran conmoción. Con anterioridad en 2008 Ledare publicó este trabajo en un libro recogiendo como se inició en la realización de este proyecto y todos los detalles que rodean al mismo. Hasta el 5 de enero próximo esta serie de Ledare forma parte de una exposición titulada Photography, Motherhood & Identity, que se celebra en la Photographer’s Gallery de Londres.

Lo que yo me cuestiono es si esta serie de Leigh Ledare hubiese tenido la misma transcendencia y el mismo revuelo mediático si en vez de tratarse de la madre el autor, fuese la vecina del tercer piso. Lo que me gustaría es que los espectadores valorasen las imágenes de este fotógrafo solamente desde el punto de vista fotográfico y aislándose de  la relación madre/hijo que ha provocado ese escándalo que habitualmente se produce en nuestra sociedad.
¿La fuerza de la historia supera a las propias imágenes?
¿Hubiese tenido este trabajo la misma repercusión si la mujer de las fotos fuese una persona sin una relación familiar con el autor?
Para mi esa es la gran pregunta, pienso que a veces el escándalo supera a la calidad del trabajo y produce el éxito. Los ejemplares que están en el mercado de la primera edición del libro llegan a cifras muy altas como podéis ver en este link.
Creo que este tipo de obras deben de ser valoradas sin tener en cuenta todo aquello que escandaliza a nuestra sociedad. Todo los relacionado con el sexo levanta siempre una gran polvareda y si embargo la violencia, la corrupción política o las injusticias mueven a muy poca gente de sus cálidos hogares en una tarde de invierno.

Leigh Ledare © Mom in New Home, 2007

Leigh Ledare ©
Mom in New Home, 2007

Leigh Ledare © Mom Spread with Tiara, 2001

Leigh Ledare ©
Mom Spread with Tiara, 2001

Leigh Ledare © Untitled (Fucker), 2003 gelatin silver print

Leigh Ledare ©
Untitled (Fucker), 2003
gelatin silver print

Leigh Ledare Mom Spread with Red Heels, 2003

Leigh Ledare
Mom Spread with Red Heels, 2003

 

Leigh Ledare © Mom and Catch 22, 2002 c-print

Leigh Ledare ©
Mom and Catch 22, 2002
c-print

Leigh Ledare © Mom Fucking in Mirror, 2002

Leigh Ledare ©
Mom Fucking in Mirror, 2002

Julio López Saguar

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Julio López Saguar, (1954, Madrid) es un realizador de spots publicitarios que se inició en la profesión a los 20 años y al mismo tiempo con la fotografía. Como realizador sigue trabajando en una de las compañías más importantes del país, y hemos visto su trabajo sin saber que detrás de esos anuncios que sobresalen del resto se encuentra el talento creativo de López Saguar. Como fotógrafo tiene una mirada privilegiada que le permite seleccionar una pequeña parte de la realidad para transmitirnos una idea. Su obra es irónica, directa, conceptual y utiliza las metáforas con maestría. Sus ensayos sobre Las Vegas se integran en la estética del New Color, pero con el acento en el caos del paisaje y en la crítica a una sociedad orientada al consumo. No manipula la realidad, sólo nos muestra aquello que se ajusta a la idea que quiere transmitir.

Como todos los fotógrafos de esa generación y madrileños, se inició en los 70 y bajo el ámbito de la RSF de Madrid. Su formación como la de la mayoría se los fotógrafos de nuestra generación es autodidacta, se apoyaba en el concurso y en la fotografía de reportaje que desarrollo con tanto talento la generación del grupo AFAL.
Julio ha tenido una trayectoria muy exitosa en el concurso. También ha realizado exposiciones en nuestro país y en el extranjero y sus obras se encuentran en colecciones importantes como: IVAM, La Colección Cualladó o el Museo de la ciudad de Brescia.
Es un maestro en el uso del color, podéis explorar su web para conocer la dimensión de su obra.

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Julio López Saguar © de la serie "Conversaciones en silencio"

Julio López Saguar ©
de la serie “Conversaciones en silencio”

Alex Prager

Axel Prager © Face in The Crowd

Axel Prager © Face in The Crowd

Alex Prager (1979, LA, USA) es una de las fotógrafas mas creativas del momento. No hay una diferencia estética entre su obra personal y sus trabajos comerciales, ha creado una estética propia que está siendo imitada por otros.
En su trabajo podemos encontrar guiños con el cine de Alfred Hitchcock y con la estética de los años ´50. Imaginativa y reflexiva en sus obras provoca una atracción en el espectador que siempre desea ver más, en definitiva provoca adicción.
Prager como la mayoría de fotógrafos norteamericanos contemporáneos no puede evitar esa influencia de Edward Hopper en su obra, pero ella la asimila y la modifica dotándola de una ficción mágica y envolvente. Tiene un gran manejo del color y de los personajes de sus fotografías.
Desde el próximo 23 de noviembre al 9 de marzo de 2014 expondrá su nuevo trabajo “Face in the Crowd” en The Corcoran Gallery of Art de Washington.

Alex Prager © 2010 Week End

Alex Prager © 2010
Week End

Alex Prager © 2008 The Big Valley

Alex Prager © 2008
The Big Valley

Axel Prager © 2008 The Big Valley

Alex Prager © 2008
The Big Valley

Axel Prager © 2008 The Big Valley

Alex Prager © 2008
The Big Valley

Axel Prager © 2008 The Big Valley

Alex Prager © 2010
Week End

Axel Prager © 2010 Week End

Alex Prager © 2008
The Big Valley

Jeff Wall en Munich

Jeff Wall © The Smoker, 1986

Jeff Wall © The Smoker, 1986

Jeff Wall (1946, Vancouver, Canadá) es uno de los máximos representantes de la corriente del fotoconceptualismo, expondrá en la Pinakothek der Moderne de Munich desde el 7 de noviembre al 9 de marzo de 2014. Será una gran retrospectiva que ha sido creada por los responsables del museo en estrecha colaboración con el artista y que por primera vez reunirá diversas series de los años ochenta y noventa. Se podrán contemplar en dicha exposición junto a las obras más conocidas de Wall, otras prácticamente inéditas para el gran público.

La exposición ha sido comisariada por Inka Graeve Ingelmann y la editorial Schimer/Mosel realizará el catálogo de la misma. Para todos aquellos que visiten Munich entre esas fechas y les interese la obra de este autor contemporáneo será un aliciente más para visitar esta ciudad alemana.

Jeff Wall © 1986 The Thinker

Jeff Wall © 1986
The Thinker

Jeff Wall © Insomnia,1994

Jeff Wall © Insomnia,1994

Jeff Wall © In front of a nightclub, 2006

Jeff Wall © In front of a nightclub, 2006

Jeff Wall ©

Jeff Wall ©

Jeff Wall ©

Jeff Wall ©

Maleonn

Maleonn © 2013 The shadow is my lover, the heart is the enemy

Maleonn © 2013
The shadow is my lover, the heart is the enemy

Ma Liang (1972) es el verdadero nombre de Maleonn, este fotógrafo de Shangai que se inició como realizador de anuncios para la televisión, profesión en la cual cosechó muchos éxitos.
Su trabajo contiene una cierta estética surrealista, pero se puede considerar que en parte esta ligado al realismo mágico de algunos autores europeos como la holandesa Ellen Kooi, y el vídeo creador danés Jesper Just.
Indudablemente, su obra tiene una personalidad propia y cada imagen es una historia diferente que ofrece a un espectador que espera sorprenderse aún más con las siguientes.

Maleonn fotografía con precisión sus sueños, sus imágenes salen de su interior y primero las dibuja con todo tipo de detalles para luego fotografiarlas. Se inicio en la fotografía en el año 2005 y en tan poco años ha conseguido que su obra sea un referente dentro de la fotografía contemporánea.
Es de esos chinos que han sufrido una infancia apartados de sus padres que permanecieron en prisión por el régimen de Mao. Su padre director de la opera de Shangai y su madre una conocida actriz pasaron por esa represión.

Su serie “King od Ridiculous” esta realizada en Madrid, y consiste en un personaje vestido con ropas tradicionales chinas y un tomate gigante que oculta su rostro, lo sitúa en diferentes localizaciones de la ciudad.
La metáfora y la cuidadosa escenografía son partes esenciales de las características estéticas de su trabajo. Cada imagen es un sorpresa cuidadosamente elaborada, nada es casual, y hasta el más mínimo detalle ha sido previsto con anterioridad.

Maleonn @ 2012

Maleonn @ 2012

Maleonn © 2012

Maleonn © 2012

Maleonn © 2012

Maleonn © 2012

Maleonn © 2012

Maleonn © 2012

Maleonn © King of Ridiculous

Maleonn © King of Ridiculous

Imaginar, Fotografiar

Paola Pivi ©

Paola Pivi ©

Imaginar, soñar y luego materializarlos en imágenes. Crear fotografías, vídeo o películas de todo aquello que pasa por nuestra mente. Reflexionar por qué tenemos la necesidad de reflejar nuestros pensamientos e inquietudes de esta forma.
Algunos necesitamos construir un diario visual de todo aquello que nos produce cualquier tipo de sensaciones, otros se expresan de otras formas, literatura, música…
Las metáforas son las herramientas que algunos usamos para poder establecer nuestras narraciones visuales, otros esperan a que sucedan los hechos de la vida cotidiana y establecen las suyas.
Al final estamos saturados de todas esas imágenes que producimos y consumimos, nos encontramos frente a un empacho diario de todo tipo de informaciones visuales.
Cerrar los ojos y vaciar la mente es a veces una liberación necesaria.
La huida y el aislamiento es lo único que nos permitirá recuperar la perspectiva y el criterio, pero sólo temporalmente. Nos pasamos el día frente a múltiples pantallas o viendo la realidad seleccionada a través del pequeño visor de la cámara. El tiempo pasa, y nuestro bucle de producción-consumo no se detiene.

La masificación y la globalización de las estéticas y narrativas visuales se produce por el exceso de información que recibimos y la presión para entrar en el mercado a poner nuestro tenderete listo para la venta.
Hoy he visto ese comportamiento en una escena de la naturaleza, las carpas de un gran estanque se pelean por las algas y plantas que crecen en los bordes junto a las rocas.
Se empujan unas otras. Esos son nuestros comportamientos en todas las facetas de la vida, hacerse hueco como sea para sacar la tajada mayor. En todas las actividades se producen estas situaciones.
Cerrar los ojos, desintoxicarse de todo, abandonarse y no pensar en nada. Pensar es peligroso porque siempre nos sugiere una imagen. Y los que estamos atrapados por esa obsesión, empezamos de nuevo. Un pensamiento y una idea, se convierten en imágenes. Otros buscan entre las calles las miradas perdidas de quienes les rodean, se mueven silenciosos y cautos, siendo voyeurs y testigos de todo aquello que sucede. Atrapan la luz, el gesto, la mirada, el frescor de la mañana, la dureza de la muerte, o su deseo en la mirada de otros.
No hay solución a este problema, porque lo que hagamos siempre será una síntesis y un resumen de lo que somos.

Chen Chieh-Jen© – Self – Destruction, 1996

Haley Jane Samuelson ©

Tracey Moffatt ©  ‘Something More (no. 5)’ from the series of 9 photographs ‘Something More’ 1989

Tracey Moffatt ©
‘Something More (no. 5)’
from the series of 9 photographs ‘Something More’
1989

Yasumasa Morimura ©

Yasumasa Morimura ©

Petrina Hicks © Deb, 2006 Lightjet print 90 x 117cm, edition of 8

Petrina Hicks ©
Deb, 2006
Lightjet print
90 x 117cm, edition of 8

Joakim Eskildsen ©

Joakim Eskildsen ©