Miguel Oriola, ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola (1943, Alcoy) es uno de los fotógrafos españoles más importantes, con una obra extensa e intensa que deja una huella profunda en el espectador. Desde su trabajo Pensat i fet (1975) hasta hoy nos ha venido sorprendiendo con trabajos cada vez más interesantes. Esta serie fue un adelanto estético y narrativo en un país inundado por la fotografía documental de la generación anterior. En Pensat i fet nos muestra una obra realizada bajo la mirada de la parte por el todo y llena de provocación, en una época miserable y triste que auguraba el fin de la dictadura.

A este trabajo le han seguido muchos otros, cada vez más innovadores y con ese punto de transgresión que caracteriza la obra de este artista. Sus fotografías no dejan indiferente a nadie, son impactos visuales que provocan en el espectador todo tipo de sensaciones. Oriola acaba de publicar su último libro ACTUS (2017), una obra con imágenes que acorralan al espectador y lo dejan sin salida. El caos del mundo es reflejado en sus libros desde ALPHAVILLE, SKETCH 5, SKETCH 7, con una estética de un claro oscuro extremo y que sumergen al espectador en una experiencia trepidante.

Sobre la belleza estética, el orden y desorden podemos recurrir a estas palabras de Alvarado-Planás: Nuestro sentido de la belleza, y nuestra estética por tanto, nos lo inspira la coexistencia armónica del orden y del desorden, tal como existe en los objetos físicos: en las nubes, en los árboles, en las montañas y en los cristales de nieve. Las formas de todas estas cosas son procesos dinámicos que se han realizado en formas físicas, donde coexisten de modo inmanente, combinaciones concretas de orden y desorden. Así, apreciamos y sentimos un mundo gobernado por el caos, y nuestros sentidos se inundan con el desorden que nos rodea.(1)

Es imprescindible este último libro de Oriola, ACTUS que como los citados anteriormente forman el cuerpo de trabajo de su obra en los últimos años. Una obra realizada desde la libertad y el compromiso del autor que nos llenará de sensaciones intensas. El 22 de septiembre Miguel Oriola expondrá ACTUS en Bilbao en la escuela CFC, un evento que no nos podemos perder. A continuación y como primicia os adjunto el manifiesto de Miguel Oriola sobre su este trabajo:

Habitamos el caos, ese lugar donde los hechos y las cosas devienen en su extraño orden, y sin embargo, un lugar propicio para la creación, lleno de resonancias, de sorpresas y lejos de certezas. Me pregunto qué es la fotografía, mientras siento que en mi interior se desencadenan estímulos e impulsos que me hacen actuar cada día en este entorno.

Ando por el mismo cauce donde suceden las cosas, un glorioso torbellino que es la vida, donde lo inesperado y el estupor son elementos esenciales para la acción y la vivencia que se convierte en imagen. Nada mas lejos que el deseo de ordenar ese caos, germen de todas las cosas, con estéticas complacientes, significados forzados, o conceptos rebuscados. Cuando el fotógrafo señala a algo, y no a otra cosa, infiere en el mismo acto fotográfico la intención que conceptuará su expresión.

Para ello es necesario el talento y la memoria inconsciente enriquecida, el mayor caudal de información de todos los tiempos que posee el ser humano a través del instinto. Percibo mi trabajo como una cualidad alucinatoria, que emana de una visión scópica constante, un flujo de emociones que genera imágenes nacidas de la intuición en un acto instintivo que me fusiona al sujeto para siempre.

El fotógrafo debería barrer de la mente los pensamientos racionales, para actuar libre de prejuicios, para poder adoptar una percepción sistémica, que le permita conocer la atmósfera que le envuelve en su entorno y fundirse en ella, convertirse en aquello que va a captar, ser él mismo, el sujeto de su imagen antes de accionar su cámara. Mas aún, debería crear en su interior un lugar de ausencias, un vacío que contuviera todas las posibilidades de infinitas imágenes de perfectas armonías las cuales te buscaran a ti. Mi trabajo está condicionado sobre todo por el grado de relación con el ser humano, individuos que como yo mismo, vivimos almacenando preguntas sin recibir respuestas. Y la fotografía cada día, sólo te proporciona más preguntas. Uno deambula en el lado de la incertidumbre a la espera de una revelación que esperas en cada imagen. Como negar la atracción incontenible de esta dudosa realidad que percibo y que me impulsa a exorcizar en cada imagen lo desconocido y lo profano. Solo soy un viajero en un transito incierto que sigo a la búsqueda de mi mismo en cada fotografía que hago. Miguel Oriola, 2017 ©

Miguel Oriola es una referencia muy importante en la fotografía española, sin embargo no ha sido todavía galardonado con el Premio Nacional de Fotografía que por su trayectoria merece. Esperemos que eso suceda muy pronto. En los siguientes enlaces podréis ver la obra de Miguel Oriola y comprar sus libros y fotografías.

ACTUS

Libros Miguel Oriola

(1)  http://reflexionesmarginales.com/3.0/21-de-la-teoria-del-caos-y-del-desorden-a-la-estetica/

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

 

 

El Triunfo Del Mercado

Alekséi Gan, 1922

Cuando Alekséi Gan escribió el Manifiesto Constructivista en 1922 creía firmemente en que la revolución del arte debería ir en paralelo a los cambios sociales y económicos de la revolución de 1917. Criticaba con dureza a los miembros del partido comunista por su falta de preparación para abordar estos cambios. En 1941 acabó en una campo de concentración en Siberia donde supuestamente murió. Stalin, unos de los grandes asesinos de la historia acabó con todo aquello que no entendía y que posibilitase cualquier florecimiento del pensamiento crítico que pudiera poner en peligro su liderazgo. Todos los movimientos sociales del siglo XX han sido aplastados de igual forma, se hayan producido en Europa o en cualquier otro lugar del planeta.

Quizás las vanguardias fueron el último soplo de libertad  y de crítica al sistema. Después de todo aquello lo único que se ha producido es un control del capitalismo que ha amansado cualquier expresión artística integrándola en el mercado. El arte en occidente se ha ido convirtiendo en el refugio de inversores dudosos y en una producción de objetos meramente inofensivos. En el antiguo telón de acero se resumía en el culto al líder y al sistema dictatorial de una cúpula que su único interés era mantener el poder como fuese. En ambos bandos la actitud del poder fue la de eliminar cualquier pensamiento crítico. Hablar de lo banal en el arte contemporáneo es hablar de una generalidad de la producción artística.

En el mercado del arte, el filtro es atroz para que nada se les cuele bajo los focos, por lo tanto el poder como siempre ha hecho, ha sometido a las supuestas elites culturales a aceptar sus normas. Podemos sugerir que la ideología triunfante es la estupidez, a la que prestigiosos pensadores le dedican reflexiones sobre la misma y el arte contemporáneo. La estupidez como forma de vivir aletargado.

Uno de los aspectos más enigmáticos del arte contemporáneo es su estupidez. Un punto de partida, sugerido por los análisis de Foucault, Deleuze, Barthes, Bataille, Rosset y Baudrillard, consiste en evitar oponer la estupidez a la inteligencia. La inteligencia no puede dar cuenta de la estupidez. (1)

La estupidez es la expresión simple del idiota que se ha instalado en la masa como la adoración diaria de todo aquello que llaman cool. Es cool todo lo que se incita a poseer o imitar para tener el éxito social, que nos haga entrar en el bienestar económico y nos aleje de un origen humilde que queremos borrar.

La estupidez, la necedad, son lo no-pensado del pensamiento, su parte maldita, su dimensión heterológica. La palabra idiota recoge este sentido, es, al decir de Rosset, aquello “simple, particular, único”, incapaz de reflejarse en el espejo de la inteligencia, de duplicarse en el espacio de lo categorial. La estupidez carece de doble en el espacio especulativo, como un vampiro, no conoce el estadio del espejo. Impotencia de la inteligencia, en un gesto desesperado, no hará más que reducir, tramposamente, la idiocia  de la estupidez al error, a la falsedad, condenándola sin siquiera haberla visto directamente a los ojos. (2)

Por lo tanto es fácil que triunfe la estupidez, en una sociedad en la cual se oculta el conocimiento y que los contenidos televisivos sirven para alienar a las masas. De nada ha servido la crítica de Nam June Paik al medio televisivo, de la misma forma que de nada sirvió el diario de la guerra (Kriegsfibel, 1955) de Bertolt Brecht para concienciar de los horrores de la Segunda Guerra Mundial. La poca visibilidad de ambos mensajes y lo alejados que se encontraban del interés de la población por sobrevivir día a día los han hecho invisibles. Por lo tanto el triunfo del mercado de las artes decorativas y la eliminación de cualquier tipo de pensamiento crítico son las características principales del mercado del arte en la actualidad. Todo se puede vender e integrar en el sistema, sólo hay que convertirlo en un objeto de consumo.

(1) – (2) http://www.henciclopedia.org.uy/autores/FGimenez/EroticaBanalidad.htm

Gabriele Basilico

Gabriele Basilico ©, Milan, 1978

Gabrielle Basilico (Milán, 1944-2013) es uno de los fotógrafos más importantes y que mejor interpreta la iconografía de las ciudades y la narrativa de los espacios. Muy conocido en nuestro país debido a su abundante actividad expositiva, su trabajo representa su visión personal sobre los espacios construidos, habitados y destruidos por el hombre.
Es el Atget de finales de siglo XX y comienzos del siglo XXI. Tenemos la suerte de disfrutar de una gran retrospectiva de su obra en la Fundación ICO. Como viene siendo habitual las exposiciones de esta fundación suelen ser una referencia muy importante del festival PHE, desde la última década viendo siendo así y esperemos que continue.
Esta exposición comisariada por Ramón Esparza, nos permite disfrutar de la obra de Basilico en su conjunto. Hay un interesante extracto del documental realizado por Amos Guitai en el que Gabriele Basilico nos habla de su forma de trabajar, de su obra, de su relación con la luz y el entorno que dificulta siempre obtener un punto de vista preciso.
Sus explicaciones sobre la interpretación de los grabados de Giovanni Battista Piranesi y el contraste de estos con sus fotografías contribuyen a entender la obra del gran arquitecto y arqueólogo italiano del siglo XVIII.
Su trabajo técnicamente perfecto y rico en el uso magistral de la perspectiva, refleja en ocasiones la arquitectura olvidada de las ciudades, y a través de sus fotografías adquieren un valor arqueológico incrementado. Esas huellas que el hombre va marginando por la costumbre y el uso cotidiano de los espacios, y que han perdido importancia con el tiempo, resucitan y adquieren un nuevo interés gracias a la mirada de Basilico.
La exposición transita por los grandes proyectos de Basilico, desde los Ritratti di Fabbriche, Beirut, la Mission Datar y su visión diversas ciudades. El trabajo sobre los restos de la guerra en Beirut en el año 1991 reflejan el silencio y las huellas de la destrucción de la ciudad. Sus imágenes son gritos silenciosos que expresan todo ese horror sufrido por una ciudad maravillosa que mira al Mediterráneo, y destruida por los intereses de todos aquellos que les incomodaba un Libano tolerante y próspero.
Hay que ser muy técnico para fotografiar la arquitectura, pero Basilico sabe descubrir el alma de los edificios, las ausencias, y el punto exacto, en el cual una perspectiva concreta dota de un nuevo significado a esas moles de cemento, cristal y acero, que conforman la piel de las ciudades y su definición colectiva.
El catálogo de la exposición cuidadosamente editado es una publicación que debemos tener como una referencia importante de este autor. Podemos disfrutar de esta exposición hasta el próximo 10 de septiembre.

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

Antoine D’ Agata, la bestialidad

Antoine D’ Agata ©

En este mundo sólo la mentira es obscena. La bestialidad como último espacio de libertad, último baluarte contra la virtualidad creciente de lo real. La anestesia de los sentidos, la lógica de una sociedad que designa los objetos y los seres como consumibles, la gestión brutal y la eliminación continua de amplias capas de poblaciones marginalizadas que llevan a las comunidades no productivas al rango de desecho social. Mecanismos invisibles de una crueldad endémica, innombrable, que devora el mundo y elimina sistemáticamente a los individuos identificados como excedentarios por las lógicas que ordenan los flujos del beneficio. Tabú consensual del genocidio económico contemporáneo, invisibilidad de la organización de producción y consumo sobre la que descansa la democracia liberal. Formas crueles de alienación social y económica: los individuos se exponen a aceptar que su existencia no tiene ningún valor, que ya no están enfrentados al orden de las cosas sino identificados con él. Reinvención continua de nuevas formas de esclavitud y supervivencia a través de la liquidación de la propia vida. Coreografía incestuosa y asesina de la locura geométrica del mundo, que atestigua la determinación con que los hombres emprenden la aniquilación de los hombres. Ya no hay espíritu, ni alma, ni lógica, ni sueño, vigilia, sueños, fe o sentimientos. Ni comienzo ni fin, ni causa ni efecto, tan sólo la ausencia y la exposición en un exterior sobre el que pensamiento no puede tener incidencia. Disolución del contacto, del consenso, fin del hastío en el vértigo epidémico del vicio como principio de vida, de conocimiento y resistencia. Imágenes virales matriz del caos que hace de mi devenir un devenir común, reproduzco el mal, lo propago, lo figuro de anonimato en anonimato, de un cuerpo a otro, para sobrevivir al desastre de la vida.
Antoine D’ Agata

Este es unos de los textos que podemos ver en la exposición de Antoine D’ Agata, está impreso en el poster que los visitantes se pueden llevar. Es una declaración de intenciones por la cual pone en contexto su trabajo y ese cabalgar sin rumbo hacia ninguna parte. Vivimos en sociedades injustas en las cuales las vidas de las personas no valen nada. Se altera el precio de los alimentos creando hambrunas y la industria de la guerra obtiene grandes beneficios gracias a los conflictos que provocan las grandes potencias. Pero nos escandalizamos con escenas de sexo explícito sin preguntarnos por qué el autor ha elegido ese camino. Las censuramos y salimos escandalizados de la exposición. Esa es la forma de actuar de una gran mayoría. No miramos a los que nos rodea ni nos inmutamos por las injusticias cotidianas que suceden a escasos metros de distancia. El mundo está dominado por la codicia y la vida no vale nada, el poder se sustenta en una base amplia de sumisos y difamadores dispuestos a todo.

Allí donde otros proponen obras yo no pretendo
otra cosa que mostrar mi espíritu.
La vida es un consumirse en preguntas.
No concibo la obra como separada de la vida.
No amo la creación separada. No concibo tampoco
el espíritu separado de sí mismo. Cada una
de mis obras, cada uno de los planes de mí mismo,
cada una de las floraciones heladas de mi
vida interior echa su baba sobre mí.

Antonin Artaud
El ombligo de los limbos

Laura Carrascosa

Laura Carrascosa Recuero © De la serie Vacío

Laura Carrascosa (1978, Guadalajara) es una artista multidisciplinar que emplea la fotografía, el vídeo y la performance para la realización de sus obras. Su trabajo se puede definir como conceptual y se presenta a través de la realización de unas imágenes muy atractivas que rápidamente captan al atención del espectador. Tanto las imágenes como los vídeos nos seducen y siempre nos quedamos con el deseo de ver más. Sus obras hacen reconocible su trabajo muy fácilmente, con suma facilidad Laura Carrascosa ha creado un estilo propio. Su primer proyecto “Vacío / Void” (2014) se expuso en Madrid en 2015 y se compone de 35 fotografías y una vídeo performance.
Laura nos habla sus obras en los siguientes términos:
Vacío, actualmente figura, entre otras definiciones, como “Falto de contenido físico o mental “en el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, pero en la actualidad están surgiendo otras descripciones entorno a ella vinculadas al consumismo, perfección, placer y  anulación del esfuerzo valor de lo inmediato. Del mismo modo, según algunos investigadores, está relacionada con fobias y enfermedades como los trastornos de alimentación presentes en nuestra sociedad. El proyecto “Vacío” nace a partir de una experiencia vinculada a diversos de estos roles/factores sociales existentes, teniendo la necesidad de crear este proyecto en un lavadero, lugar donde las mujeres podían hablar con libertad y manifestarse como eran realmente. La finalidad de “Vacío” es generar en el espectador lo que es, un sentimiento de perdida, desorientación, caos, desequilibrio, equilibrio y finalmente de superación.
La primera exposición de Vacío se hizo en el lavadero público de Val de San García (Guadalajara). Para la artista es importante haber realizado la primera exposición en el lugar donde se gestó el proyecto.

El proyecto “¿Qué lugar ocupo yo?” (2015) lo he querido basar en el poema: “Un señor maduro, con una oreja verde”. Gianni Rodari. En él hago referencia al sistema educativo actual, sistema que no trata la individualidad, sino la masa, olvidando el cultivo y desarrollo de la creatividad, de la curiosidad y valores tan importantes como la empatía, el trabajo en equipo ..etc, en definitiva, el respeto a las diferencias individuales como factor enriquecedor de la sociedad.
El niño/a continua, en hogares y escuelas, siendo un sujeto pasivo, que debe alcanzar de igual manera, unos conocimientos, que no son fundamentados desde su investigación y descubrimiento, sino que son dados magistralmente para una memorización que quedará en el olvido, al no ser aprendizaje significativo. La educación es un reflejo de la sociedad actual, una sociedad mayoritariamente competitiva, egoísta, que no tiene en cuenta los sentimientos ni emociones que los actos producen sobre los demás.
La serie ¿Qué lugar ocupo yo? se compone de 11 fotografías de color y una vídeo performance.

Rumores (2016) es una obra que nos habla de la difamación y de las etiquetas que nos ponen en el ámbito social. Se compone de 20 fotografías de color y una vídeo performance. Es una artista que tendremos que tener muy en cuenta en los próximos años. En este enlace podréis ver vídeos de estos trabajos.

Laura Carrascosa Recuero © de la serie ¿Qué lugar ocupo yo?

Laura Carrascosa Recuero © 2016, de la serie Rumores

Huir De La Farsa

Rafael Roa © 1990 Polaroid SX-70, Dino

Rafael Roa © 1990 Polaroid SX-70, Dino

Huir de la mediocre bacanal de las apariencias a la velocidad del rayo, como si se tratase de la llegada inminente de la peste bubónica. Alejarse de ese festín exhibicionista de los diletantes y defender a toda costa tu espacio y tu tiempo. El tiempo, ese gran tesoro fungible e irreversible, como el acto fotográfico que los autómatas realizan sin pensar. Lo efímero como gran tesoro y el silencio en contraposición a las estupideces.

Alejarse de esa fauna tóxica de delatores, cobardes y mediocres que se ocultan en la difamación de la denuncia anónima. La selva de las redes sociales en la cual todos estos sujetos intentar obtener la atención que su escasa capacidad intelectual merece. La ausencia de noticias es una bendición para el disfrute intenso del día. Sumergirse en los libros y en el desarrollo de las ideas y disfrutar de aquellas personas que me estimulan y me enriquecen. No tengo tiempo que perder y tengo muy claro qué hacer con mi tiempo. El poeta Caballero Bonald me indica el camino <<somos el tiempo que nos queda>>. No quiero sentir miradas que no quiera ver, ni palabras que no quiera oír o leer. Entiendo perfectamente a aquellos que pueden alejarse del circo de las relaciones y las grandes ciudades, y observo la mirada llena de paz de Robert Frank en su casa de campo; la expresión en sus ojos se debe adquirir cuando uno deja de estar hostigado por ese infinito ejército de histriones. Liberarse de servidumbres inservibles y disfrutar de todo aquello que me enriquece y me hace feliz. Ese es el camino.

La Egolatría Y La Ética Del Trabajo

Lewis Baltz ©

Lewis Baltz ©

Vivimos unos tiempos en que los que quieren tener éxito o creen haberlo alcanzado proclaman a los cuatro vientos que ellos emplean un 70% de su tiempo en vender lo que hacen y un 30% a producirlo. Todo se basa en el marketing salvaje del humo que venden y tiene esa inspiración del nazismo con esa frase de Göbbels: <<una mentira repetida mil veces se convierte en verdad>>.

Venderse al precio que sea, ocultar nuestra ignorancia y aparentar que lo sabemos todo y que cualquier cosa que producimos es tendencia y vanguardia. No hay espíritu de autocrítica, todo lo que hacen vale, y generalmente este tipo de sujetos se toman cualquier crítica ya sea en un periodo de aprendizaje o posterior como una afrenta personal. Sobre todo lo importante es ocultar sus carencias, seguir aparentando que son expertos en aquello que desconocen y mantener su comportamiento ególatra como escudo para ocultar su ignorancia. Estas actitudes de las masas posmodernas que se agrupan en torno a las modas imperantes y a las etiquetas del momento tienen éxito en todos aquellos individuos que aspiran a conseguir un cierto status en la actividad a la que se dediquen con la ausencia del esfuerzo y la ética del trabajo. El peligro de estas actitudes es el contagio masivo que producen, cuyo dios se encuentra en ese rincón del vago, del cual extraer cuatro frases de moda para aparentar que saben algo. Si esto les falla les queda el plagio, buscar algún autor que pudo haber hecho algo rompedor hace cuarenta años y con un par de retoques adaptarlo como si fuese una idea original. Todos estos comportamientos son consecuencia directa de la corrupción generalizada existente en el planeta, la economía de la especulación que altera el precio de las cosas sin haberse producido transacciones reales. Se premia el pillaje, a los impostores y los asaltantes que se ocultan sigilosamente en cualquier lugar. Los ególatras se pasean con la altivez que oculta su ignorancia, como modelos efímeros en una pasarela de patéticos personajes.

He elegido para ilustrar este post dos imágenes de Lewis Baltz, un gran artista del cual podréis disfrutar en la Fundación Mapfre de Madrid hasta el mes de junio.

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust

Roger Ballen – The Theatre of Apparitions

Roger Ballen © Face Off, 2010, archival pigment print

Roger Ballen © Face Off, 2010, archival pigment print

Roger Ballen (1950, NY) expone en la galería londinense Hamiltons su trabajo The Theatre of Apparitions desde el 17 de marzo al 21 de abril. Hace unos años tuvimos la suerte de recibir una clase magistral de este artista en el Centro de Arte de Alcobendas, tanto los alumnos de PIC.A como las personas que estuvieron presentes recordaran esa conferencia. En esté trabajo las imágenes que parecen venir del subconsciente estan inspiradas en los dibujos tallados a mano sobre los cristales oscuros de una prisión abandonada de mujeres. Ballen experimentó con pinturas de aerosol sobre vidrio produciendo estas imágenes que pueden asemejar pinturas rupestres que nos transportan a un mundo onírico lleno de misterio, angustias y oscuridad.

Emma Calder y Ged Haney han dirigido una animación en 2D de este trabajo de Ballen que podemos ver en la web del artista. Este nuevo trabajo se ha materializado en un libro que podemos adquirir desde este link. Como siempre Ballen no nos deja indiferentes, este trabajo es soplo de aire fresco entre tantas imágenes repetitivas que nos encontramos en las galerías y publicaciones que se nos ofrecen a diario y se aleja de esa estética oficial de la mayoría de “artistas” que inundan las ferias de arte contemporáneo.

Roger Ballen © Feeding, 2012, archival pigment print

Roger Ballen © Feeding, 2012, archival pigment print

Roger Ballen ©Waif, 2012, archival pigment print

Roger Ballen ©Waif, 2012, archival pigment print

Roger Ballen © Ghostriding, 2011, archival pigment print

Roger Ballen © Ghostriding, 2011, archival pigment print

Vista de la exposición en la galería Hamiltons de Londres.

Vista de la exposición en la galería Hamiltons de Londres.

Hendrik Kerstens

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens, (1956, La Haya, Holanda) es un fotógrafo que lleva fotografiando a su hija desde 1995. Inicialmente quería captar el cambio de la niñez a la adolescencia. Posteriormente inició una serie inspirada en la pintura holandesa del siglo XVIII, de una forma casual al ver a su hija quitarse un sombrero. Con elementos cotidianos recrea personajes que pueden salir de las pinturas de los grandes maestros holandeses. Sus obras han servido de inspiración a creadores como Elton John y Alexander McQueen. La iluminación de sus imágenes es un claroscuro clásico que potencia al personaje, y el minimalismo de los complementos cotidianos nos evocan a personajes de otras épocas. Varios retratos de su hija Paula recuerdan claramente a la pintura de Johannes Vermeer. Su obra se encuadra en la corriente del Pictorialismo Contemporáneo. Podéis ver algunas de sus obras en el siguiente link.

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

Hendrik Kerstens ©

 

Charo Corrales, Dos Horas Bordando Arte

Charo Corrales© - Dos Horas Bordando Con Arte

Charo Corrales© – Dos Horas Bordando Con Arte

Charo Corrales (1968, Cádiz) es una artista multidisciplinar formada en Inglaterra y que ha realizado la mayor parte de su obra en Sevilla donde vive. Su trabajo aborda la identidad como mujer y reivindica en su obra el derecho de libertad y expresión personal, y el feminismo forma parte del discurso de su trabajo. Todo tipo de lucha por unos derechos irrenunciables están presentes en sus obras. La fotografía, el vídeo, la instalación y la performance  son los medios por los que expresa sus ideas. Charo Corrales lleva trabajando un tiempo en una serie “Cada Día Un Retrato” que aborda todos los temas sobre la identidad individual.

Ha presentado en Madrid los días 17 y 18 de Febrero en La Juana Gallery su performance “Dos horas bordando Arte”. El trabajo performativo es un arte efímero que se viene desarrollando desde el famoso Café Voltaire de Hugo Ball en 1916 y que dio origen al movimiento dadaísta. Como todo arte de escena si no se registra mediante procedimientos audiovisuales sólo quedará en la memoria de los espectadores que han asistido a la representación. En las performances de Charo Corrales siempre está presente la defensa de la igualdad de género, la crítica política y social, y también la expresión de su mundo interior. Sus performances en muchas ocasiones son el medio para expresar ideas y conceptos, y su cuerpo es el medio mediante el cual los lleva a cabo. Muy pronto tendremos el vídeo de está actuación grabado por Chema Sanmorán y que estará disponible en su canal de Vimeo y se incorporará a este post.

“Dos horas bordando Arte”

Charo llevará una camiseta serigrafiada con la frase “Soy una puta del arte”, bordará en silencio la palabra Arte nueve veces en un trozo de tela rectangular con un bastidor con pie. En esta tela previamente estarán bordadas palabras que el publico podrá ver individualmente, sólo cuando la obra esté concluida después de las dos horas se podrá leer la frase completa. Charo se la pondrá sobre los hombros a modo de chal y mostrará de espaldas al público el resultado final. La performance está inspirada en un juego‐broma de niños, que consistía en hacer escribir a alguien palabras que se iban tapando una vez escritas para luego pedirle que leyera el resultado final.

Hace mucho tiempo que te estoy tomando el pelo

Frío  Frío      Frío   Frío Frío Frío  Frío    Frío  Frío

El resultado final de la performance sustituirá la palabra frío por arte.

Charo Corrales © - Dos Horas Bordando con arte.

Charo Corrales © – Dos Horas Bordando con arte

La Memoria Se Desvanece

Rafael Roa © 2015

Rafael Roa © 2015

Los recuerdos vuelven de vez en cuando en forma de imágenes no visibles, sólo yo soy capaz de recrearlas vagamente en mi interior. Son las sensaciones vividas las que me transportan mentalmente a esos lugares invisibles y me provocan la búsqueda infructuosa de aquellos instantes. Ya no hay texturas, ni olores, ni sonidos, ni imágenes, sólo intentos vanos de recrear lo imposible. Todo se ha desvanecido, y nuestros cuerpos reflejan las huellas del tiempo, la perdida de la fortaleza y de esa energía vital que creíamos que sería eterna. El amor, como las esperanzas de los valores que creíamos importantes y eternos se han perdido en una especie de agujero negro. La memoria se desvanece y las imágenes que poseemos de aquellos instantes sólo transmiten una referencia lejana en un objeto plano. No hay nada que podamos rescatar de aquello. Las imágenes son sólo un recordatorio de algo inexistente. El tiempo no tiene tecla de rebobinado como apuntaba Nam June Paik. Sus obras de vídeo eran una rebelión frente al alienante medio de la televisión. Las imágenes se producen, se usan y se olvidan, y muy pocas forma parte de las referencias históricas o culturales. El arte es un mercado de productos decorativos, usado por una parte de poderosos delincuentes para blanquear el dinero negro de sus turbios negocios. Casualmente son estos los que influyen en las tendencias especulativas del mercado del arte.

Las imágenes se usan como sustitutivos de las palabras, nos sirven para comunicar que hacemos, donde estamos y que queremos comprar. Compartimos esas imágenes con celeridad y una vez recibido el mensaje dejan de tener utilidad. No hay ninguna intencionalidad intelectual en su producción, es un acto mecánico y las personas se han convertidos en capadores involuntarios, con una adicción imparable a la producción y distribución de esas capturas cotidianas. Vivimos tiempos diferentes y la estética de las capturas digitales no tiene nada que ver con la estética de la fotografía que hemos estudiado. La fotografía como herramienta de expresión artística también sufre un cambio continuo que está condicionado con las nuevas tecnologías y los factores del mercado del arte.

Rafael Roa © 2012 Still de Vídeo -Last Dance

Rafael Roa © 2012
Still de Vídeo -Last Dance

El Dominio De La Técnica

Piero Manzoni © 1961 Merda d' artista

Piero Manzoni © 1961 Merda d’ artista

Se supone que el artista debe dominar las herramientas que decide utilizar en la materialización de sus ideas para producir una obra de arte. Se debe conocer la técnica de la herramienta para que el espectador no se lleve una impresión de que aquello que le están mostrando en la galería carece de la calidad mínima, y que no está a la altura del artista que expone dicha obra. Igual que cuando acudimos a la representación de una ópera no damos por bueno que la orquesta vaya desacompasada o que la soprano desafine. En fotografía o en vídeo podemos transgredir con el uso de la herramienta, desenfocar imágenes, manipularlas, y todo aquello que se nos ocurra, pero el todo final tiene que tener esa calidad por la cual el espectador se ve seducido y el coleccionista dispuesto a comprar esa pieza. Habitualmente yo publico en mi blog todo aquello que considero interesante, no tengo ninguna obligación de hacer una crítica positiva de aquello que no me convence, y lo que no considero adecuado no hablo de ello. No tiene ningún sentido para mi hacerlo, mi tiempo es oro, y no consigo nada con ello. Es responsabilidad del artista producir obras de calidad que no parezcan un mal ejercicio de una escuela de fotografía. Al final mi opinión es mía y puede no ser convergente con otras que yo considero respetables, se puede discrepar perfectamente sobre cualquier tema. Considero que una obra de arte debe de tener esa calidad que ayude a potenciar el concepto y seduzca al espectador. Mi blog es libre, está sujeto a mi derecho de publicar lo que quiera y cuando quiera, nadie me paga por lo que hago y eso me hace completamente independiente.

Santiago Sierra, 25 Veteranos, 2205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra (Madrid, 1966) expone su obra 25 Veteranos, 2205 Crímenes de Estado en la galería Helga de Alvear, se podrá visitar hasta el 12 de noviembre próximo. Tras graduarse en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, Santiago Sierra completó su formación artística en Hamburgo, donde estudió con los profesores F.E. Walter, S. Brown y B.J Blume. Sus comienzos estuvieron vinculados a los circuitos de arte alternativo en Madrid – El Ojo Atómico, Espacio P- aunque continuaría desarrollando su carrera en México (1995-2006) e Italia (2006-2010). En 2010 renunció al Premio Nacional de Artes Plásticas. La obra se compone de 25 fotografías de veteranos de guerra cara a la pared y de un vídeo, locutado por 2 habitantes árabes de los nombres de las 2205 personas asesinadas durante los ataques de efectuados a la franja de Gaza desde el 8 de julio al 26 de agosto de 2014. El listado incluye 70 víctimas israelíes sin establecer ninguna distinción entre las víctimas. Las fotografías de los veteranos a una escala de tamaño similar al natural reflejan también la actitud de una mayoría de mirar hacia otro lado ante situaciones de injusticias, en los conflictos socio-políticos. Esta lista no se completará jamás.

Cada día en el planeta se suceden las muertes de civiles inocentes que pierden la vida en los conflictos que se están produciendo. Las imágenes de la violencia son digeridas sin problemas por la población y convivimos con ese ritual informativo a diario. Toda la obra de Santiago Sierra tiene un contenido político-social y viene focalizando los temas que trata en situaciones de injusticias o corrupción política que se producen a diario. En su web podéis ver el vídeo en el cual se muestran sobre un fondo negro los nombres de las víctimas.

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado (detalle de la fotografía)

Santiago Sierra © 25 Veteranos, 2.205 Crímenes de Estado (detalle de la fotografía)

Carlos Alba

Carlos Alba © The observation of Trifles Robert Adams. Mile End Rd. Tower Hamlets. London. 2014. Fine-Art Photography project "The observation of trifles".2013-2016. Photography Carlos Alba. Don´t use it whitout permission of the author. ©CarlosAlba 2013-2015

© CarlosAlba 2013-2015  Robert Adams. Mile End Rd. Tower Hamlets. London. 2014.
Fine-Art Photography project “The observation of trifles”.2013-2016.

Carlos Alba (1984, Madrid) es un fotógrafo y videógrafo afincado en Londres desde el 2012, donde compagina el trabajo comercial con el desarrollo de su obra. Coincidí con él en la escuela PIC.A de Alcobendas donde se celebraban los visionados de Descubrimientos en 2015. En unos de los descansos, él me enseño su portfolio en el cual estaban incluidos algunas de las imágenes de su trabajo The observation of Trifles ( La observación de las nimiedades) y al verlo me produjo inmediatamente ese <<Punctum>> del que hablaba Barthes. Por eso cuando en mi programa de correo ha saltado la convocatoria de su exposición me ha dado una alegría. Su esfuerzo es recompensado.

The observation of Trifles es una narración visual que muestra el mapa personal del autor en el Este de Londres. Objetos que se mezclan con las miradas de las gentes, y escenas cotidianas, van completando esa narración en clave conceptual que el autor nos propone. Ese mundo urbano se construye no sólo con las imágenes de paisaje sino también con objetos encontrados que son como las pistas de un mapa del tesoro. En palabras del autor: <<The observation of Trifles es cómo un extranjero trata de encontrar su camino en un nuevo país y un nuevo barrio. Yo soy el inmigrante. Tomando objetos que encuentro en las calles y utilizándolos como una especie de arqueología visual, descubro el Este de Londres y sus habitantes. Estos objetos destinados a la basura, nos pueden decir mucho de la vida en la ciudad y de la sociedad a la que pertenecemos>>.

Carlos Alba ha sido galardonado con el Premio Flash Forward UK. Magenta Fundation (Canada, 2016); el Premio Zona C Auditiorio de Galcia. Santiago de Compostela (España 2016); y fue finalista del Gran Prix Fotofestiwal de Lodz  (Polonia 2016). También fue finalista, en 2015, de los El Awards Encontros Da Imagen. Braga (Portugal) y en Descubrimientos PHE15, PhotoEspaña. Madrid (España). La exposición The observation of Trifles se inaugura en La Fábrica el próximo 17 de septiembre y podrá visitarse hasta el 1 de noviembre. Además, tras su paso por La Fábrica, la exposición recabará en el Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela (España), en noviembre de este año. El libro The observation of Trifles ha sido seleccionado para participar en una exposición de libros de fotografía de autor dentro del festival SCAN de Tarragona. El libro fue presentado en La Fábrica el pasado 7 de junio y está disponible en la librería.

Carlos Alba © The observation of Trifles

Carlos Alba © The observation of Trifles

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.Haggerston Park. Hackney. London. 2014.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.Haggerston Park. Hackney. London. 2014.

Carlos Alba © The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

Carlos Alba ©
The Observation of Trifles. London, 2013-2016.

 

Nanna Hänninen

Nanna Hänninen © Possible definition of present and entirety as fragments From the series Now is Now 2015

Nanna Hänninen © Possible definition of present and entirety as fragments
From the series Now is Now 2015

Nanna Hänninen (1973, Rovaniemi, Finlandia) es un artista que pertenece a la Escuela de Helsinki. Su trabajo se desarrolla en torno a conceptos como la alienación, el miedo y el vacío. Los expresa a través de imágenes de objetos o fotografías intervenidas, que le sirven como vehículo de transmisión.

En Now is Now, part II nos muestra una serie de naturalezas muertas de papeles arrugados, algunos escritos, que provienen de los propios cuadernos de la artista, mediante los cuales nos expresa sus emociones más intimas. La ansiedad, las amenazas de carácter existencial y la supervivencia emocional son transmitidas mediante estás imágenes al espectador. Esta estética minimalista ya fue empleada por Nanna Hänninen en su serie Fear and Security (2001-2003), el blanco, los papeles arrugados a modo de esculturas de lo cotidiano ocupan la escena, acompañados de textos desenfocados que transmitían sensaciones de abandono y desesperación. No es fácil para el espectador medio, acostumbrado a consumir imágenes con narrativas de la imitación de lo real, sumergirse en el minimalismo poético que Hänninen nos presenta. Esta simplicidad estética acaba por seducirnos y nos acerca al mundo interior de la artista. Now is Now, part II se inaugura el próximo día 15 en la Galería Camara Oscura de Madrid y podremos disfrutar de esta exposición hasta el 29 de octubre.

Nanna Hänninen © Understanding the big picture I 2015

Nanna Hänninen ©
Understanding the big picture I 2015

Nanna Hänninen ©

Nanna Hänninen © Understanding the big picture 2015

Nanna Hanninen © Unsolved-universe

Nanna Hanninen © Unsolved universe

Charo Corrales – Borderline

 

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales (1968, Cádiz) es una artista multidisciplinar formada en Inglaterra y que ha realizado la mayor parte de su obra en Sevilla donde vive. Su trabajo aborda la identidad como mujer y reivindica en su obra el derecho de libertad y expresión personal, y el feminismo forma parte del discurso de su trabajo. Desde hace unos 2 años viene publicando en su blog un retrato cada día, y es este trabajo la base de su último trabajo Borderline.

Representarse a uno mismo, mostrase como forma de expresión para expulsar los fantasmas interiores, materializar en imágenes aquellos momentos en que nuestros sentimientos más íntimos se apoderan de nosotros y nos conducen desbocados como potros salvajes sin rumbo. Es, el todo o la nada de nuestras sensaciones más ocultas, compartir nuestras miradas sin reconocernos a nosotros mismos. Charo Corrales se entrega en estas fotografías, no hay límites porque cuando las pasiones nos atrapan las fronteras no existen. El cuerpo como forma de representación de su ser y la mirada como fuga a ninguna parte. Entregarse a todo aquello que nos produce placer y tratar de sobrevivir al dolor inmenso y profundo que nos provoca el vacío y las huellas del tiempo. Charo no se oculta con máscaras como otros artistas que también son el objeto de su obra, como Cindy Sherman o Jorge Molder. Está más cerca de los diarios personales de Lina Scheynius, ese tipo de fotografía directa sin codificar.

Ella nos mira directamente a los ojos y comparte con nosotros la estela de su sangre, sus lágrimas, su gozo y sus pasiones. Su obra es un acto de inmensa generosidad y entrega. Las metáforas están ausentes, cada imagen es un disparo a quemarropa que el espectador tiene que digerir y encajar. La transgresión se une a su honesta representación de su volcán interior, como forma de expresar la amalgama de sus sensaciones personales. No hay huida sino un duelo personal a la luz de la luna. La obra de Charo Corrales se aleja de todas esas imitaciones de las corrientes comerciales que el mercado absorbe, para hacerlas desaparecer con la misma fugacidad que las produce. Ella siempre llega al límite, camina por escarpados senderos llenos de aristas rocosas, conoce bien todo aquello que comparte en sus imágenes, lo sufre y lo goza, acepta las huellas que el tiempo deja a su paso. No se rinde y sigue avanzando sin detenerse.

Borderline es el último trabajo de Charo Corrales que ha materializado en un libro que se presentará en la 2ª edición de EX, feria de la edición contemporánea y el libro de artista de Sevilla, que se celebrará del 16 al 18 de septiembre en el Espacio Santa Clara.

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Charo Corrales © 2014-2016 De la serie Borderline

Greg Semu

Greg Semu © 2007 The Battle of the Noble Savages

Greg Semu © Musse du Quai Branly,  2007 The Battle of the Noble Savage

Greg Semu (1971, Nueva Zelanda) es un artista de origen samoano cuya obra se basa en la historia de las migraciones de estos pueblos del Pacifico. Aunque se siente samoano también se siente extraño en esa tierra, no creció allí y eso le produce este sentimiento. Vivió en Nueva York y París antes de establecer su residencia en Sidney recientemente. Semu es un fotógrafo autodidacta y en 1995 realizó su primera exposición en Aukland. Su trabajo aborda el desplazamiento cultural con la colonización, y en particular sobre la colonización política y religiosa.

En 2007, recibe el encargo del Musse du Quai Branly de París y realiza la obra The Battle of the Noble Savages. En 2010 crea la serie The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, un trabajo de 9 imágenes producidas como consecuencia de una residencia en The Center Cultural Tjibaou en Nueva Caledonia. En este trabajo Semu es el protagonista de algunas de las obras de la serie. Algunas de las obras de Semu se presentan en cajas de luz de 120x180cm lo que produce un gran impacto en el espectador. Su obra The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16, se inspira en dos pinturas del siglo XIX de Louis John Steele and Charles F. Goldie’s The Arrival of the Māoris in New Zealand, 1898, and Théodore Géricault’s, 1805, ambos de los cuales dramatizan la supervivencia en el mar. Estéticamente usa el claroscuro y puede ser encuadrado en la corriente del Pictorialismo Contemporáneo al que pertenecen artistas como: Bill Henson, Jeff Bark, Pierre Gonnord y Yang Yong Liang, entre otros.

Greg Semu © 2010 Auto portrait as La Pieta, 2010. The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians series

Greg Semu © 2010 Auto portrait as La Pieta, 2010.

Greg Semu © 2010 The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, 2010.

Greg Semu © 2010 The Last Cannibal Supper… cause tomorrow we become Christians, 2010.

Greg Semu © The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16

Greg Semu © The Arrival, diptych 2014–15 – The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Greg Semu © The Raft - The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Greg Semu © The Raft – The Raft of the Tagata Pasifika (People of the Pacific), 2014–16 series.

Raymond Moore

Raymond Moore © 1968 Cardiff

Raymond Moore © 1968 Cardiff

Raymond Moore (1920-1987, Reino Unido) fue el fotógrafo clave en el desarrollo de la fotografía artística británica. Olvidado y apreciado por unos pocos que tratan de mantener viva su obra. Por un problema legal su archivo está en paradero desconocido y no hay ninguna noticia en la actualidad de que pudiese ponerse a buen recaudo y ser objeto de exposiciones y publicaciones.

Raymond Moore se formó en el Wallasy College of Art (1920) obteniendo una beca para una exposición en en el Royal College of Art a la edad de 27 años. Con posterioridad cambió la pintura por la fotografía como su herramienta de creación. Moore utilizó la fotografía como medio de expresión personal alejándose de los usos habituales de esos años marcados por la fotografía más comercial. A los que le acusaban de estar influenciado por el arte moderno les respondía que era mejor que tener influencias del siglo XIX. En 1968 estuvo en Estados Unidos y colaboró con Minor White en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. El trabajo de Harry Callahan y Aaron Siskind influyó en el desarrollo de su obra en esa etapa,  que se materializó con posterioridad en 1970 en su exposición en el Instituto de Arte de Chicago. Sus imágenes nos muestran una visión poética, minimalista y conceptual del paisaje, de los detalles que el considera más importantes. La desolación y soledad es una constante en su obra. Espero que en algún momento su archivo este disponible para mostrar su obra en la actualidad.

Frente a la multitud de relaciones entre objetos en el mundo visual, estoy impulsado a elegir o seleccionar aquellos acontecimientos que reflejan con mayor precisión un estado del ser en ese momento en el tiempo. Esta elección se rige por una conciencia instintiva de poder esencial del medio de traducir y volver a crear en términos fotográficos. Un nuevo mundo se presenta mágicamente en forma de marcas hechas por el proceso óptico-química, relacionado con el mundo de la comunicación visual todos los días y sin embargo, al margen de ella. A partir de este mapa de la experiencia, es de esperar algo de valor puede ser revelada. – Raymond Moore

Raymond Moore © 1969 Nicosia

Raymond Moore © 1969 Nicosia

Raymond Moore © 1977 Alomby

Raymond Moore © 1977 Alomby

Raymond Moore © 1980 Marypot

Raymond Moore © 1980 Marypot

Raymond Moore © 1980 Harrington

Raymond Moore © 1980 Harrington

Gregory Crewdson, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Hoy he tenido la oportunidad de ver el último libro de Gregory Crewdson Cathedral of The Pines (2013-2014). Dicho trabajo fue expuesto en la la Gagosian Gallery de NY durante el primer trimestre de este año. Este es su nuevo trabajo después de 5 años, que ha realizado en un contexto de rupturas personales y profesionales. La obra se ha realizado en Becket (Massachusetts). La producción se ha realizado en tres tandas de trabajo de cuatro semanas cada una. Hay mucho trabajo de pre-producción y post-producción en sus series que superan ampliamente los periodos de las tomas.

Aislarse para renacer de nuevo es en la mayoría de las ocasiones la mejor forma para poder volver a crear de nuevo. Da igual si este trabajo de Crewdson está influenciado por la pintura europea y americana del siglo XIX, según la critica, es sólo una anécdota del mundo del arte. Lo importante para mi es que sus obras se corresponden con su estilo estético y narrativo que ha hecho de este fotógrafo un artista reconocible a simple vista. Es un trabajo muy poético lleno de soledades y abandono, de huidas y reflexiones interiores, que son acompañados estéticamente por una luz fría de invierno, que transmiten silencios profundos al espectador.

El tamaño de cada imagen enmarcada es de 114,5×146, 2 cm y realiza una serie de 3 obras por imagen más 2 pruebas de autor. El libro tiene un tamaño aproximado de 40x31cm y su precio en librerías es de 70€. Una edición muy cuidada y con una excelente reproducción.

Entrevista con Gregory Crewdson en BLOUINARTINFO

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Joel-Peter Witkin

Cupid and Centaur in the Museum of Love, 1992 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 6/12) 107 x 91 cm

Cupid and Centaur in the Museum of Love, 1992
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 6/12)
107 x 91 cm

Joel-Peter Witkin (1939, NY, USA) expone en la galería Michel Soskine INC. de Madrid una selección de sus obras de los años 80 y 90 con sus trabajos más recientes. Todos recordamos aquella exposición de 1988 en el MNACRS comisariada por Alain Dupuy. La muestra actual nos da la posibilidad de reencontranos con este gran artista que no separa su vida de su obra, reflejando su mundo interior y onírico con una estética tan personal que lo ha convertido en un artista único. Sus influencias del van desde Giotto a la fotografía del siglo XIX, y se le ha comparado con artistas como Goya o el Bosco.

Witkin y su mundo macabro y oscuro se pasea por lo mórbido, lo perverso lo erótico y por todas aquellas creencias que el hombre ha inventado para la justificación de su propia existencia. La estética de un mundo oscuro por el cual muchos artistas transitaron antes, creando el claroscuro y la representación de un mundo interior tormentoso. La belleza plástica de la muerte, cabalgando sobre el eros como si de un potro salvaje se tratase, y lo efímero melancólico como aderezo de una narrativa brutal y explosiva que aterroriza a unos y provoca admiración en aquellos que saben apreciar la diferencia entre un artista y la gran masa de aburridos imitadores de las estéticas que fabrica el mercado. Quizás nos encontremos delante de la exposición más atractiva de PHE2016, aunque se encuadre dentro de su Festival Off y la podremos visitar hasta el 30 de julio. Las obras de Witkin de esta exposición oscilan entre 5000,00€ y 50.000,00€ dependiendo de tamaños y tiradas.

Amour, Nuevo México​, 1987 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/3)     104 x 104 cm

Amour, Nuevo México​, 1987
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/3)
104 x 104 cm

Eve knighting Daguerre, 2003 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/12) 84 x 98 cm

Eve knighting Daguerre, 2003
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/12)
84 x 98 cm

Religion of Self Interest, Nuevo México, 2013 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 2/6) 75,5 x 62 cm

Religion of Self Interest, Nuevo México, 2013
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 2/6)
75,5 x 62 cm

Caminar Sobre Los Bordes

Rafael Roa © 2015 De la serie Dead Skin

Rafael Roa © 2015
De la serie Dead Skin

Gilles Deleuze: Los acontecimientos son como los cristales, no devienen y no crecen más que por los bordes, sobre los bordes.

Esa sucesión de instantes van construyendo la historia de nuestra vida, ese tiempo pasado e intangible que recordamos vagamente. Sólo las fotografías nos recuerdan como fuimos, los momentos felices o las miradas llenas de tristeza. El tiempo es el dominador de nuestra existencia y las imágenes son intentos de huellas. Porque una imagen no refleja el antes o el después sólo un tiempo imperceptible del pasado. Es indiferente si lo que deseamos guardar sea algo real, individual o colectivo, o que la imagen producida refleje un pensamiento abstracto de algo que no existe. El resultado final será un lejano intento de imitación de una huella tan fugaz como se evapora el recuerdo de la textura de la piel que acariciamos, o la pasión que vivimos. Crecer sobre los bordes de nuestros abismos personales para identificarnos, para recocernos levemente en nuestro trabajo. Esa síntesis que destila una pequeña parte de nuestro contenido interior, de nuestros conocimientos y vivencias sepultadas por las hojas perdidas del calendario. Reconocernos como reto antes de desaparecer, tener la ilusión de que en esos momentos íntimos de trabajo pudimos aportar un matiz diferente al resultado de nuestras ilusiones y esfuerzos. Reflexionar, pensar, creer en nuestras ideas como forma de representación personal, y alejarse de la marabunta que en tropel destrozan todo a su paso.

Saul Leiter

Saul Leiter©

Riitta Päiväläinen

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen (1969, Maaninka, Finlandia) es una artista perteneciente a la Escuela de Helsinki. Del 7 de abril al 21 de mayo expondrá su serie River Notes en la galería Cámara Oscura de Madrid. Desde sus primeras series interviene en el paisaje, creando unas imágenes que no existen hasta que son fabricadas e integradas en esos entornos a los que modifica temporalmente, cambiando su significado. Esta forma de trabajo se ha convertido en su sello personal que hace inconfundible sus obras. En 2005 comenzó con las series de Vestige, que forman un quinteto de obras que se complementan y van ofreciendo al espectador matices diferentes de un paisaje irreal que su intervención lo hace más atractivo e interesante. Esta exposición es una ocasión para ver en directo el trabajo de esta artista.

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2004,  Obis DE la serie VESTIGE - AOMORI, BLUE FOREST

Riitta Päiväläinen © 2004, Obis
DE la serie VESTIGE – AOMORI, BLUE FOREST

Riitta Päiväläinen © 2000 Wind II, De la serie VESTIGE - WIND

Riitta Päiväläinen © 2000 Wind II, De la serie VESTIGE – WIND

Charo Corrales

Charo Corrales © 2015

Charo Corrales © 2015

Charo Corrales (1968, Cádiz) es una artista multidisciplinar formada en Inglaterra y que ha realizado la mayor parte de su obra en Sevilla donde vive. Su trabajo aborda la identidad como mujer y reivindica en su obra el derecho de libertad y expresión personal, y el feminismo forma parte del discurso de su trabajo. Todo tipo de lucha por unos derechos irrenunciables están presentes en sus obras. La fotografía, el vídeo, la instalación y la performance  son los medios por los que expresa sus ideas. Charo Corrales lleva trabajando un tiempo en una serie “Cada Día Un Retrato” que aborda todos los temas sobre la identidad individual.

Forma parte del colectivo artístico “Bendita Mujer” con Aline P (1984, Pau, Francia),  y mañana a las 20h presentaran en Sevilla su nueva performance como colofón a la exposición “Mujeres con mucho arte” que se ha estado celebrando en Centro Cívico Las Sirenas de dicha ciudad. La militancia  feminista y la defensa de los derechos de las mujeres es una constante en la obra de estas dos artistas, sus obras son una respuesta a todo aquello que les produce una agresión.

Bendita Mujer © Charo Corrales y Aline P.

Bendita Mujer © Charo Corrales y Aline P.

Charo Corrales © 2015

Charo Corrales © 2015

Charo Corrales © 2015

Charo Corrales © 2015

Charo Corrales © 2015

Charo Corrales © 2015

Anna Orlowska

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Anna Orlowska (1986, Opole, Polonia) es una artista emergente que expone sus obras de su serie Leakage en la galería Panoptikon de Estocolmo hasta el 25 de abril. Una serie interesante llena de sugerencias y metáforas que se adentran en su mundo onírico.

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Anna Orlowska © de la serie Leakage

Jorge Molder En El CBA

Jorge Molder © Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder ©
Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder (1947, Lisboa) es uno de los artistas más relevantes en el panorama del arte contemporáneo y que usan como modo de expresión la fotografía. Podremos disfrutar hasta el 17 de mayo de una excelente exposición en el CBA de Madrid. Molder bajo el uso del autorretrato ha creado un personaje que es el objeto de su obra. A través de él nos muestra sus emociones y todos los fantasmas que le inquietan y acosan. Afirma que se aleja de las ideas pero eso no es siempre posible para un hombre que viene del campo de la filosofía. Las ideas ayudan a materializaren imágenes las sensaciones y emociones que nos invaden en cada instante.
Esa estética del claroscuro soporta la esencia de la obra que nos ofrece y produce en el espectador una atracción inmediata para entrar en ese mundo personal del artista.
La seducción de la oscuridad, el uso de las metáforas y las máscaras personales que usamos de una forma inconsciente cada día forman parte del lenguaje narrativo de su obra.
Se aleja de la reina del disfraz como es Cindy Sherman, de la farsa que sustenta la obra de la fotógrafa norteamericana y nos ofrece ese personal mundo que ha creado como espacio de reflexión e interpretación de sus emociones más ocultas.
Alberto Ruiz de Samaniego (1966, Vigo) ha escrito un excelente ensayo sobre la obra de Molder titulado “Negro Teatro de Jorge Molder”, y que se ha publicado con motivo de está exposición.Este libro se convierte en una guía imprescindible para acercarnos a la obra de este artista.

Circulo de Bellas Artes de Madrid
Jorge Molder. Rico Pobre Mendigo Ladrón
Sala Picasso, hasta el 17 de Mayo

 Jorge Molder, Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder, Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

 Jorge Molder, Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder, Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

 Jorge Molder, Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder, Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

La Perdida Del Pensamiento

Rafael Roa © 1989 Venezia

Rafael Roa © 1989
Venezia

Nunca conocí a Ángel González García personalmente, sólo he leído algunas de sus obras. Maria Vela Zanetti que sentirá su perdida directamente me hablaba de él cuando yo era un proyecto de fotógrafo a mediados de los años ochenta. La vida da vueltas y mi hijo Alberto fue alumno suyo en la Facultad de Historia del Arte. Para él, Ángel González y Calvo Serraller eran sus profesores admirados. Fui fotógrafo de moda gracias a Maria Vela Zanetti que siempre confió en mi trabajo y me abrió puertas en aquellos años. Su libro de poemas “José” con su dedicatoria me ha acompañado desde entonces. Busqué las sombras venecianas de Ezra Pound gracias a aquellas conversaciones intensas sobre fotografía, moda, arte y literatura en aquellos años de explosión creativa y alegría democrática.

En uno de mis primeros posts en este blog publiqué una estrofa de un poema de María Vela Zanetti que me acompaño en aquel fin de año de 1989 por aquella Venecia invadida por la niebla y el silencio. Mis recuerdos de aquellos años provocan esa sensación de vértigo que irremediablemente el paso del tiempo nos hace sentir. La muerte de aquellos que son de nuestra propia generación nos sitúa con una sensibilidad especial ante estos hechos. La perdida de todos aquellos que son valiosos para una sociedad sólo la sienten los que directamente notan su ausencia en lo cotidiano. Su familia, amigos cercanos y alumnos sentirán ese vacío. Las fotografías son pasado y las palabras se pierden con el viento, pero las obras valiosas de los hombres con talento siempre permanecerán.

 IFIGENIA EN AULIDE (extracto)

Invierno

La nieve ha empapado mi pellejo de fieltro

y parece un capote militar.

pero yo no vengo a estos bosques

a tentar la suerte.

Mi cabeza es una bomba sellada

y los bordes de mi abrigo

limpian el camino de basura.

Maria Vela Zanetti © 1987

Rafael Roa © 1990 Experimentación personal con creación de PDH

Rafael Roa © 1990
Experimentación personal con creación de PDH

Stephen Shore En La Fundación Mapfre

Stephen Shore © 1972 Amarillo, Texas

Stephen Shore © 1972
Amarillo, Texas

Stephen Shore (1947, NY) es uno de los máximos representantes de la corriente de New Color. Su trabajo ha estado influenciado por la obra de Walker Evans y como en el caso Joel Meyerowitz la sombra de Robert Frank planea sobre sus primeros trabajos de fotografía documental en blanco y negro. Edward Steichen le adquirió 3 fotografías para la colección del MOMA cuando él tenía sólo catorce años. Con 17 años conoció a Andy Warhol, y estuvo vinculado a The Factory durante algún tiempo. Este periodo le ayudó a su formación autodidacta.
Shore asimiló la visión de Walker Evans sobre el paisaje americano, lo adaptó a su visión colorista, construyendo una narración de los espacios que fotografiaba buscando aquellos detalles que para otros podían ser anecdóticos, Shore los convertía en el objeto central de sus fotografías.
Stephen Shore es uno de los máximos representantes del New Color y su influencia sobre otros miembros de esa tendencia y sobre la Escuela de Dusseldorf es indiscutible. Su trabajo con cámaras de gran formato y su punto de vista sobre imágenes que estábamos acostumbrados a ver como instantáneas ha aportado una nueva forma de mostrar aquello que por su cotidianidad pasa desapercibido para la mayoría.

En la Fundación Mapfre podremos ver una completa exposición de la trayectoria de Shore y contemplar la evolución de su obra durante todos estos años. El 17 de septiembre a las 18,30h podremos asistir a un dialogo entre el autor y la comisaria de la exposición Marta Dahó sobre “La naturaleza de la fotografía”, titulo del ensayo publicado por Shore sobre su experiencia como fotógrafo y profesor durante 24 años en el Bard College de Nueva York. Del 19 de Septiembre al 23 de Noviembre tendremos esta importante de exposición en Madrid.

Stephen Shore © 1963 NY

Stephen Shore © 1963
NY

Stephen Shore ©1972  Oklahoma city

Stephen Shore ©1972
Oklahoma city

Stephen Shore © 1973 Florida

Stephen Shore © 1973
Florida

Stephen Shore © 1977 Ginger Shore, Tampa, Florida

Stephen Shore © 1977
Ginger Shore, Tampa, Florida

La Última Cena De Veronika Marquez

Performance "Mi última cena" de Veronika Marquez, still de vídeo

Performance “Mi última cena” de Veronika Marquez, still de vídeo

“Si el artista no toma riesgos no merece la pena”. Esta frase de Robert Frank me sirve para hablar de la obra de Veronika Marquez (1979, Montevideo) que después de pasar tiempo en Madrid, ha vivido y trabajado en Nueva York y en la actualidad se mueve por diferentes países para la realización de su obra.
Conozco la obra de Veronika desde sus inicios, ella siempre ha jugado con esa dualidad en los personajes que representaba en sus trabajos. En Camila nos empezó a mostrar esta forma de narrativa en sus historias. El sábado pasado en una Off gallery que organizó en su estudio pudimos asistir a la presentación de su último trabajo.

En la performance “La última cena de Veronika Marquez”, la artista nos muestra con valentía y coraje los diferentes personajes que interpretó en su vida. Desplazándose en una barra de pole-dance que sirve como metáfora del pasado, del camino recorrido, nos cuenta la historia, habla y se mueve vertiginosamente, perfectamente sincronizada con sus palabras. Mientras las imágenes de vídeo de los diferentes personajes de “La Última Cena” se proyectan sobre ella. Como imagen final Veronika se rodea de todos los fantasmas de su pasado en una simulación de la última cena como punto final para cerrar la historia.

Veronika Marquez tiene la valentía de artistas como Robert Mapplethorpe, o Erwin Olaf, que es la de mostrarse sin tapujos, no esconder que son o han sido y como se posicionan en el vida.
La hipocresía social y la cobardía ética de todos aquellos que viven escondidos en sus escrúpulos contrasta con la valentía de artistas como Veronika Marquez. Enfrentarse a cada amanecer sin nada de lo que reprocharse a uno mismo y disfrutar de la brisa fresca es algo que pocos se pueden permitir. Veronika es una de las elegidas por ser una artista autentica que muestra al espectador realidades que muchos quieren ocultar. La explotación, la miseria y los abusos sobre los desfavorecidos producen la rebelión de todos aquellos que no quieren resignarse a interpretar el papel que el poder les tiene asignado previamente.
Veronika es un soplo de aire fresco en estos tiempos en los cuales los miserables adulan y potencian trabajos sin sustancia ni compromiso personal o social.

Mi Última Cena de Veronika Marquez
Dirección escénica de Performance: Mariana Wainstein
Asistente de Cámara: Angela Santiago de la Cruz
Asistente de producción: Luciana Malmierca

Performance Mi Última Cena de Veronika Marquez, still de vídeo

Performance
Mi Última Cena de Veronika Marquez,
still de vídeo

Erwin Olaf © autorretrato

Erwin Olaf © autorretrato

Robert Mappelthorpe, autorretrato, 1978

Robert Mapplethorpe, autorretrato, 1978

Traducir e Interpretar El Miedo

Santiago Sierra © 2008 Los Penetrados, tercer acto: 3 hombres de Raza blanca penetran a 3 mujeres de raza negra.

Santiago Sierra © 2008
Los Penetrados, tercer acto: 3 hombres de Raza blanca penetran a 3 mujeres de raza negra.

Antoni Muntadas en su trabajo On Translation habla del miedo, de la instrumentalización política del mismo para generar la angustia y que las gentes voten políticas más conservadoras.
Así mismo, Muntadas nos habla de la industria del miedo, de la generación del beneficio económico a través de este concepto. Evidentemente como él comenta, nos encontramos es esa situación, el poder del sistema financiero ha trasmitido ese miedo al poder político, que se ha plegado sometiéndose a sus deseos, y de esa forma utilizarlo como generador de esa angustia contra los ciudadanos para que admitan obedientemente el pago del tributo de los fondos públicos al poder económico. En algunos casos ha sido más fácil. El poder político se ha puesto en nómina del poder económico obteniendo el derecho de pernada y la impunidad para el saqueo.
Se trata de adormecer las conciencias generando la inseguridad para acabar con todo intento de rebelión y utilizar la violencia contra los que no se sometan.
Acabar con la reflexión y la crítica al poder, limitar los focos de resistencia, marginar toda sublevación social, intelectual o artística, en definitiva comprar a aquellos que pueden tener una opinión más influyente en la sociedad.
Todas las dictaduras han atacado de una forma u otra a la parte del mundo de la cultura que les era hostil, y han usado a los adeptos como propagandistas del régimen.
El triunfo del mercado, al que no lo acepte se le margina con el olvido, no existe para el sistema, el arte debe ser sólo un objeto decorativo inocente que adorne las mansiones de esos mismos financieros que han creado la inestabilidad y que bajo el concepto del miedo han recuperado la iniciativa y el poder absoluto.
El arte ha perdido su sentido crítico, y a los rebeldes se le cierran las puertas de los grandes museos del país, cuando su trabajo es formalmente reconocido en el exterior.
Santiago Sierra es según mi opinión el más importante exponente de aquellos que representan con su trabajo una rebelión intelectual, él no vende objetos decorativos, sino reflexión y critica contra el poder.
Por eso es necesario traducir ese miedo, y darlo a conocer, esa sensación de inseguridad de que nada sólido quedará bajo nuestros pies, esa angustia que nos transmiten día a día por los medios audiovisuales, y contra las que seguramente Nam June Paik hubiese propuesto acciones de boicoteo.
La rebelión intelectual debe olvidarse de los mercados, de las ferias de arte, y de los lugares donde ellos han creado el zoo para encerrar el pensamiento y la crítica.
Si esto no se produce, la definición de Sloterdijk sobre las masas tendrá cada vez una mayor vigencia, y todos los presagios desde Orwell hasta hoy nos darán la razón.


Los Encargados de Santiago Sierra y Jorge Galindo © 2012

 

Richard Mosse, The Enclave

Drag, 2012 © Richard Mosse / Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York

Drag, 2012 © Richard Mosse / Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York

Richard Mosse (1980, Kilkenny, Irlanda) expondrá en el FOAM de Amsterdam su instalación The Enclave, con la que representó a Irlanda en la 55 edición de la Bienal de Venecia. Este trabajo es una instalación de seis pantallas que muestran el conflicto del Congo, los señores de la guerra y la situación que ha producido 5,400.000 muertos. Este proyecto ha sido realizado con película infrarroja, con Trevor Tweeten como cinematógrafo y Ben Frost.

El vacío de poder producido en ese país ha llevado al nacimiento de los señores de la guerra que detentan el control de partes del territorio en el cual se producen todo tipo de atrocidades contra la población. En 2011 Richard Mosse estuvo en el Congo capturando con su cámara lo que podríamos denominar el embrión de The Enclave y que aglutinó en su serie INFRA. En la web de Mosse podéis ver sus series de fotografías sobre Iraq en sus proyectos titulados Nomads y Breach y los vídeos Untitled Iraq y Theatre of War. Las instalaciones y las presentaciones multimedia se han convertido en la forma actual de contar las historias en el fotoperiodismo o de recrear las ficciones en el arte contemporáneo.

Os recomiendo que exploréis la web de Mosse en profundidad. Desde el 21 de marzo al 1 de junio podréis visitar esta exposición en el FOAM de Amsterdam. Después de William Klein es otra exposición muy interesante.

The Enclave, production still, Trevor Tweeten (cinematographer) shooting Arriflex 16mm camera mounted on Steadicam in South Masisi, Nov 2012.

The Enclave, production still, Trevor Tweeten (cinematographer) shooting Arriflex 16mm camera mounted on Steadicam in South Masisi, Nov 2012.

Trevor Tweeten, John Holten, Ben Frost and Richard Mosse on the road to Kibabi, South Masisi, photo by Abdu Namula Jean Bedel, Nov 2012.

Trevor Tweeten, John Holten, Ben Frost and Richard Mosse on the road to Kibabi, South Masisi, photo by Abdu Namula Jean Bedel, Nov 2012.

Richard Mosse © Vintage Violence, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse ©
Vintage Violence, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse © Men Of Good Fortune, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse ©
Men Of Good Fortune, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse © General Février, North Kivu, Eastern Congo, 2010

Richard Mosse ©
General Février, North Kivu, Eastern Congo, 2010

Richard Mosse © Untitled XVII, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse ©
Untitled XVII, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse © Ruby Tuesday, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse ©
Ruby Tuesday, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse © Untitled, North Kivu, Eastern Congo, 2011

Richard Mosse ©
Untitled, North Kivu, Eastern Congo, 2011