Evelyn Bencicova

La inquietante belleza de la pulcritud.

Evelyn Bencicova ©

Evelyn Bencicova (Bratislava, 1992) es una fotógrafa y directora de arte. Sus obras están realizadas con una estética pulcra, inquietante, que se completa en su mayoría con un tratamiento de luces planas, carentes de sombras, contrastes, y con un suave color pastel. La estética de su trabajo es muy reconocible, pero a su vez no podemos evitar comparar la similitud visual con su compatriota Maria Svarboba. Casualmente las dos tienen una web similar, que coinciden incluso en la maquetación y el estilo en la página de su presentación personal.

Evelyn Bencicova ©

Aunque la obra de Evelyn Bencicova me resulta mucho más inquietante y misteriosa; incluso algunos de sus trabajos tienen un punto de sofisticada transgresión, con imagénes tratadas con una perfección técnica y estética. Bencicova estudió en la Universidad de Artes Aplicadas en Viena, y su formación se hace visible en las estructuras de sus obras.

Evelyn Bencicova ©

Sus obras son puestas en escena, cuidadas hasta el mínimo detalle y con un excelente trabajo de post-producción. Se produce un idilio inmediato entre sus imágenes y el espectador, y es difícil no dejarse atrapar por el misterio de las mismas.

Evelyn Bencicova ©

En su web no hay una separación entre la obra personal y los trabajos comerciales o de fotografía de moda, y en su última publicación para el VOGUE CS, sus imágenes me recuerdan al trabajo de Eugenio Recuenco. No hay un tratamiento creativo diferente entre su trabajo personal y los encargos comerciales.

Evelyn Bencicova ©

De todas formas, su trabajo resulta increíblemente atractivo, conoce perfectamente los secretos de la dirección de arte y consigue unas imágenes libres de grietas o errores. Son obras compactas, que destacan por esa perfección insultante en la materialización de las ideas. Su trabajo comercial, reconocimientos, y exposiciones de sus obras es bastante extenso pese a su juventud. (1)

Visitar su web es de obligada visita.

Evelyn Bencicova ©

Trayectoria

(1) El trabajo comercial y artístico de Evelyn ha aparecido en artistas como Vogue Portugal, Vogue Czechoslovakia, Vogue Korea, ZEIT Magazine, The Gentlewoman, ELLE, Dazed & Confused, GUP, HANT y Metal Magazine. Su trabajo ha sido publicado en prestigiosos libros internacionales de fotografía y en varias plataformas en línea (Juxtapoz, iGNANT.com, Fubiz media) y ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Estocolmo, Londres, París, Berlín, Viena, Milán, Ámsterdam, Praga y Roma.

Evelyn Bencicova ©

(1) En 2016, Bencicova recibió los prestigiosos premios Hasselblad Masters y Broncolor GenNext. También fue seleccionada y premiada por LensCulture, fotógrafo independiente, Gomma Grant, Life Framer y OFF Festival. Su película de moda “Asymptote” (2016), creada conjuntamente con Adam Csoka Keller, recibió el premio “Mejor Nueva Película de Moda” en el Fashion Film Festival Milano 2017, y se presentó en SHOWstudio Fashion Film Awards, el Festival de cortometrajes austriaco-estadounidense. y en A Shaded View on Fashion de Diane Pernet.

Evelyn Bencicova ©

 

Antonio Pérez Río, Obras Maestras

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio Pérez Río (Madrid, 1972) es licenciado en Derecho y diplomado en Educación Social. Tras trabajar más de 10 años como educador y formarse en escritura y fotografía, fundó LENS Escuela de Artes Visuales, escuela que dirige desde entonces. También viene realizando su obra personal como artista.

Con su maqueta Louvre – Art Guide for Cyborgs fue finalista del premio Kassel Fotobookfestival Dummy Award. Seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2016 y en el Primer Encuentro de Artistas de Castilla y León con el mismo proyecto, que fue expuesto por primera vez en el Albert Hall Museum de Jaipur (India, 2017), en el marco del festival Jaipur Photo.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

Antonio acaba de publicar Obras Maestras, es una serie en la cual nos muestra el comportamiento de las personas en los museos, cuya adicción y dependencia de los smarthphones, les impide disfrutar de las obras de arte, limitándose a realizar unas capturas de forma compulsiva.

Poseer imágenes en vez de disfrutar de la contemplación de las mismas, y en definitiva de la propia vida. Es una serie muy complicada de realizar por las circunstancias del entorno, el museo, donde la masa se aglomera ante las obras de arte, con el único afán de obtener una buena captura digital de la misma. No ver con sus ojos, sólo capturar. La cámara nos separa de la vivencia.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras

La cita de José Saramago de su Ensayo sobre la ceguera que Antonio incluye en su libro es muy acertada para definir estos comportamientos:

<<Creo que nos quedamos ciegos,
creo que estamos ciegos, ciegos que ven,
ciegos que, viendo, no ven.>>

Obras Maestras es un libro que explora, a través de fotografías y textos, la transformación de la mirada humana sobre el arte. Se desarrolla en el Museo del Louvre y propone una nueva versión del canon del arte occidental, a través de su plasmación en las pantallas de los visitantes, que se convierten en un campo de juego simbólico que muestra las tensiones existentes entre las obras, los dispositivos digitales y las personas que miran a través de ellos.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

En palabras de su autor:

“El Museo del Louvre me fascina y aterra a partes iguales. Desde el año 2014 he pasado muchas jornadas en el interior del museo, con mi cámara de fotos y un bloc de notas, intentando reflexionar sobre la experiencia real de los visitantes de uno de los espacios de arte más visitados del mundo, un lugar recorrido por rutas de turismo masivo que se acercan a algunas de las obras más importantes de la historia. Pinturas y esculturas que han sobrevivido varios siglos se enfrentan a personas que visitan el museo por una vez en su vida y renuncian a mirarlas directamente.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.
Imagenes del libro

La contemplación ha dejado paso a la captación realizada por todo tipo de dispositivos digitales, auténticos cíclopes que recorren los pasillos del museo almacenando todo lo que ven en su inagotable memoria, generando una nueva manera de ser y estar en el mundo, una transformación de la experiencia del arte que apunta hacia una profunda modificación de la naturaleza humana. El resultado de estos cuatro años de trabajo y más de 500 kilómetros recorridos en las galerías del museo es un libro titulado Obras Maestras: un ensayo sobre los restos de un mundo devorado por sus imágenes.”

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras.

Sobre el libro:
Obras Maestras adopta un formato clásico: el catálogo de grandes obras de un museo. Así, la cubierta y el diseño interior del libro están inspirados en un libro de 1951: Art Treasures of the Louvre. Pero el contenido es muy diferente: las obras se contemplan únicamente a través de las pantallas de todo tipo de dispositivos digitales, una experiencia mediada que convierte a lo que se sitúa fuera de ellas en mera periferia, en un escenario desenfocado.

Antonio Pérez Río © 2018, de la serie Obras Maestras
Imagenes del libro

Es un libro bilingüe, inglés-español, en el cual el autor nos ofrece un texto titulado <<Un sueño>> en el cual nos cuenta sus impresiones, vivencias y reflexiones al realizar este trabajo. También incluye un guia de las obras maestras que aparecen en las fotografías.
La campaña de difusión del libro ha sido muy creativa e ingeniosa, realizada a través de unos vídeos llenos de humor que podéis ver en el siguiente link.

En definitiva, un trabajo muy interesante que a muchos les servirá de espejo de sus propios comportamientos, y un libro que deberemos tener en nuestra biblioteca.
Es un libro muy interesante y muy cuidado en cuanto a diseño, impresión y encuadernación, y lo podéis adquirir en la web de Obras Maestras.

Luigi Ghirri en el MNACRS

Luigi Ghirri, 1977 Salzburg
© Legado de Luigi Ghirri
Colección Particular, cortesia de Matthew Marks Gallery

Luigi Ghirri (1943-1992, Italia) es uno de los grandes artistas que han usado la fotografía como medio para cuestionar la realidad, a través de imágenes que puedan producir una reflexión en el espectador, entre lo que vemos, lo que representan y su significado.

Luigi Ghirri nació en Scandiano, cerca de Modena en la región de Emilia Romagna. Su campo de trabajo se encontraba en un radio de tres kilómetros cerca de su casa. Utilizaba esta zona para la captura de gran parte de sus fotografías. Trabajó como aparejador y hasta 1973 no se dedicó a la fotografía a tiempo completo.

 <<hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía ; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo>>

Luigi Ghirri (1)

Luigi Ghirri, 1972, Pescara
© Legado de Luigi Ghirri

Fue también un ensayista, pensador, conservador y editor. Amigo del cantante Lucio Dalla colaboró con él en algunas de sus canciones. Era un intelectual y para él la fotografía era una activación del pensamiento. La frase de Giordano Bruno << Pensar es especular con imágenes >> , fue siempre para él una referencia. En 1971 conoce al artista Franco Vaccari y con él explora y debate sobre el papel de la fotografía en el arte contemporáneo.

Criticó el uso masivo de las imágenes en el medio audiovisual como forma de alienación y agresión al espectador defendiendo el uso reflexivo de la fotografía:

<<la fotografia como una imagen necesaria, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes>> (2)

Luigi Ghirri, 1972. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Influenciado por el arte conceptual y experto en fotografía de arquitectura, en contraposición a sus intenciones sobre un estilo propio, ha conseguido que sus obras sean perfectamente reconocibles.

El uso de la sobrexposición, los colores pasteles, el minimalismo narrativo y el lenguaje conceptual constituyen las referencias básicas con las que podemos definir su obra. Usaba el color <<porque el mundo es en color>> en contraposición a los planteamientos de Cartier-Bresson que afirmaba que la fotografía era en blanco y negro y el color estaba destinado a la pintura y a la naturaleza.

En sus reflexiones sobre su serie Fotografie del periodo iniziale. 1970 -1973 Luigi Ghirri afirma lo siguente:

<<Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mi la fotografía es un lenguaje sin código alguno…
El encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la escena de una manera directa…
me he situado ante aquello que quiero representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotografías a laboratorios convencionales. Nunca me han interesado los procesos de maquillaje de la imagen. Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean al mismo tiempo, fotografías>> (3)

Luigi Ghirri, 1973. Modena Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

Kodachrome 1970 -1978 es su primer trabajo, con una estructura concreta y articulada. Realizaba diversos proyectos a la vez y muchas de las series que veremos en la exposición coinciden en el tiempo. La década de los setenta es una época muy prolífica en el trabajo de Ghirri.

En 1978 se publica Kodachrome, y en 1979 en Parma realiza la exposición Vera Fotografía. En esta exposición se muestran todos los proyectos realizados hasta la fecha: Fotografie del periodo iniziale (1970); Kodachrome (1970-78); Colazione sull’erba(1972-74); Catalogo (1970-79); Km 0.250 (1973); Diaframma 11, 1/125, luce naturale(1970-79); Atlante (1973); Italia ailati (1971-79); Il paese dei balocchi (1972-79); Vedute (1970-79); Infinito (1974); In scala (1977-78); Identikit (1976-79); Still-Life (1975-79).

Luigi Ghirri nos da algunas de sus reflexiones sobre este trabajo, que constituyen una referencia dentro del cuerpo de su obra.

<<Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace de estas fotografías, que no quieren hablarnos de como las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratar de relacionar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad>> (4)

Luigi Ghirri, 1972, Marina di Ravenna. ©Legado de Luigi Ghirri

En el año 2000, se expuso en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid su serie <<Il profilo delle nuvole>>. Este trabajo recoge la interpretación del artista sobre el paisaje. Un interesante texto de Giani Celati titulado <<Comentarios sobre un teatro natural de las imágenes>> , nos ayuda a conocer los pensamientos de Ghirri sobre esta obra. El catálogo se publicó en 1989, tres años antes de la muerte de Ghirri.

En 2015 pudimos ver la obra de Luigi Ghirri en la exposición Construyendo Mundos, en la Fundación ICO de Madrid.

Luigi Ghirri murió prematuramente en 1992, pero su legado es indudable y su obra forma parte del arte europeo contemporáneo, investigar su obra nos da una perspectiva diferente sobre lo que esta ocurriendo hoy con otros autores; y nos demuestra su clara influencia en muchas de las obras que vemos en la actualidad.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Venecia de 2009 el documental <<Deserto Rosa>> basada en la obra de Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, 1972, París. Legado de Luigi Ghirri, cortesia de Matthew Marks Gallery

La Exposición

La exposición El mapa y el territorio de Luigi Ghirri se podrá visitar en el MNACRS (Museo Reina Sofía) desde el 25 de septiembre hasta el 7 de enero de 2019. Ha sido comisariada por James Lingwood.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta.
Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color “sin paralelo en la Europa de la época”, según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado. (5)

Luigi Ghirri, 1974, Orbetello
©Legado de Luigi Ghirri

Podemos decir que la exposición que vamos a ver en el MNACRS es una versión de la exposición Vera fotografia que se presentó 1979 en Parma. En el catálogo aparecen los mismos textos de Luigi Ghirri y el mismo orden que acompañaban a las series presentadas en la exposición de Parma. Nos encontramos ante la mayor retrospectiva de este periodo de la obra de Ghirri que se ha hecho con anterioridad en España.
El catálogo es una pieza fundamental para que el espectador conozca con profundidad la obra de este artista tan importante en la última parte del siglo XX.

Luigi Ghirri, 1972, Brest
© Legado de Luigi Ghirri

 

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Citas

(1) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(2) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 29. Texto de Maria Antonella Pelizzari. La imagen necesaria de Luigi Ghirri. editor: MACK. organizador: MNACRS

(3) Luigi Ghirri – El mapa y el territorio. pag 58. editor: MACK. organizador: MNACRS

(4) El mapa y el territorio. Pag 76. Kodachome, Luigi Ghirri.
editor: MACK. organizador: MNACRS (1)

(5) Resumen de la información en la web del MNACRS.

Humberto Rivas, ahora en Mapfre

HUMBERTO RIVAS © 1983, Carlos Pazos

Humberto Rivas (1937 Buenos Aires – 2009 Barcelona) fue un fotógrafo de origen argentino que se afincó en Barcelona desde 1976, donde se instaló para huir del golpe de estado genocida que se produjo en Argentina.

Centraré este post en su etapa española ya que fue la que conocí. Si mal no recuerdo me encontré con él por primera vez en 1982. Con posterioridad, le invitamos a exponer en la Galería Image (1) de Madrid; no recuerdo la fecha exacta pero debió ser en 1984.

Su obra se centra fundamentalmente en el retrato, el cual era muy directo, logrando una perfecta complicidad con los personajes que fotografiaba, dotando a sus imágenes de una gran autenticidad y fuerza expresiva.

Su obra, como él mismo reconocía tenía influencias de Richard Avedon y Diane Arbus, era difícil en esa época aislarse de estéticas tan poderosas como la de estos autores; a pesar de todo Rivas consiguió hacer una obra de autor y reconocible por todos. En 1999 fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía.

El 21 de septiembre se inaugura en la sala de Mapfre de Barbara de Braganza (Madrid) una exposición retrospectiva que podrá visitarse hasta el próximo 5 de enero. Con más de 180 obras y material de archivo, suponemos que será una exposición muy interesante para poder conocer la obra de Rivas con una cierta profundidad.

HUMBERTO RIVAS © 1979 Maria

Opiniones Exageradas

En la nota de prensa de la Fundación Mapfre y en su web se dice textualmente: <<Humberto Rivas (1937-2009) fue un autor fundamental para el desarrollo de la fotografía en España a partir de la primera mitad de los años setenta, cuando llegó a Barcelona procedente de Argentina. Con él se produjo una renovación del medio, contribuyendo a su consideración como un lenguaje artístico de pleno de derecho.>>

Honestamente creo que es una exageración considerar que Humberto Rivas fue un autor fundamental para el desarrollo de la fotografía en España. Fue un autor importante como otros muchos de esa generación tan rica y creativa de los años ochenta.

Tampoco con su obra se produjo esa renovación, ni fue fundamental para que la fotografía fuese reconocida como arte en este país. Puedo citar una amplia lista de autores de esa generación con una obra al menos tan importante como la de Humberto Rivas.

No es necesario exagerar ni afirmar cosas que no se ajustan a lo que realmente sucedió en aquellos años. El reconocimiento de la fotografía como arte en este país se debe al trabajo de generaciones de fotógrafos, galeristas, editores, responsables de instituciones culturales, etc., que han luchado para que nadie cuestione hoy que la fotografía es una herramienta más del arte contemporáneo.

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(1)
Galería Image de Madrid. Fundada por José Puga, José Mª Castillo, Rafael Ramírez, y Rafael Roa.
Periodo de actividad: 1983-1985.
Exposiciones de la galería:
Gabriel Cualladó, Ángel Sanz, Eva Rubinstein, Jim Bensgton, Miguel Oriola, América Sánchez, Valentín Sama, Humberto Rivas, Manolo Laguillo, Tony Catany, Klaus Frahm entre otros.

Ricard Terré, Exposición Retrospectiva.

Ricard Terré © 1956

La Sala Canal de Isabel II presenta esta exposición dedicada a Ricard Terré, (1928, Sant Boi de Llobregat – 2009, Vigo), es uno de los grandes nombres de la fotografía española; miembro del Grupo AFAL cuyo trabajo contribuyó a la renovación de la fotografía española de mediados del siglo XX.

La exposición que se inaugura el viernes 7 de septiembre sigue la senda de las exposiciones realizadas con anterioridad a miembros del Grupo AFAL como Gabriel Cualladó y Paco Ontañón, que pudimos ver también en esta misma sala.

Toda su obra se concentra en unos 300 rollos de 35mm, reflexivo en la selección de los instantes, ha sabido reflejar momentos llenos de poesía, magia, fuerza y sentimientos. Ricard Terré afirmaba que: “La fuerza de la fotografía está en reflejar un acontecimiento irrepetible”. Saber capturar lo efímero de la vida desde un punto de vista poético y alejado de la crónica diaria.

Ricard Terré ©

La exposición

La muestra, comisariada por la historiadora Laura Terré, recorre la trayectoria del fotógrafo, cuya producción puede dividirse en dos periodos diferenciados: de 1955 a 1969 y de 1982 a 2005. 

Sin embargo ni su estilo ni sus motivaciones sufrieron variación en el lapso de tiempo que abandonó la fotografía. En el segundo periodo Galicia es el territorio de su búsqueda: las romerías ancestrales, las fiestas paganas y las procesiones de Semana Santa que le llevaron a cruzar la raya de Portugal en pos de su autenticidad.

Esos lugares y esas gentes le animaron a seguir experimentando la plástica rotunda del blanco y negro así como la expresión de lo humano a través de los seres que le salían al paso: niños de todas las clases sociales, gente de las aldeas, jóvenes embriagados en las fiestas, mujeres poderosas en el trabajo.

Hay tres elementos que se imponen como categorías para agrupar sus imágenes, aparentemente tan dispares y distantes.

Tres caminos que se trenzan en la obra de Terré como en una encrucijada, saliendo y entrando de sus series y atravesando los territorios fotografiados: el reinado de los niños, la celebración de los días que corren cada uno con su afán, y la muerte, esa presencia sombría que es preciso conocer.

La exposición se podrá visitar del 8 de septiembre al 11 de noviembre en Sala Canal Isabel II Madrid. Podéis ver un vídeo muy interesante en el que Ricard Terré nos habla de su trabajo en el siguiente link.

La exaltación de lo vacuo

Martin Parr © Magnum GB. Scotland. Glasgow. Fairy cakes. 1999.

Estamos viviendo una época en la cual para poder establecer un análisis profundo sobre lo que está sucediendo en la relación entre el uso las imágenes y los espectadores tenemos que recurrir irremediablemente a los textos de Jean Baudrillard. Todo es visible, consumimos imágenes velozmente y de igual forma las olvidamos.

Estamos atrapados por los dispositivos smartphones que se han convertido en el becerro de oro al que adoramos y damos culto cada día. Estar comunicados, informados, ver a través del dispositivo todo aquello que consideramos una información necesaria para seguir viviendo, producir imágenes para compartir nuestras vidas con el mundo, si no somos visibles no existimos.

Las exposiciones de arte deben establecer una relación con el espectador, el cual puede conectar o no con la obra expuesta. Hasta aquí todo es normal. Lo que es curioso es la forma en la cual se presentan las obras en algunos espacios expositivos. Diseñar y maquetar una exposición es similar a la maquetación de un libro.

Se trata de ordenar el contenido para que los espectadores tengan una lectura coherente con la intención del artista y la obra expuesta. Ahora bien, cuando se trata de una exposición colectiva, los comisarios son los responsables de dar forma a la exposición desde el punto de vista narrativo y conceptual. Hoy en día se han convertido en “los intocables” del mundo del arte, los sumos sacerdotes que se encargan de dirigir el ritual.

Apostar por el caos puede ser muy valido cuando se tiene una intención rupturista y de transgresión, algo ya en desuso en el arte actual dominado por el mercado, que dirige el espectáculo según sus intereses.

El caos como ocultación de la falta de contenido, el uso de las imágenes como si se tratase de un revoltijo de productos en rebajas, esperando que los espectadores se avalanchen sobre ellas con las misma voracidad y entusiasmo que en unos grandes almacenes.

Es evidente que se idolatra la forma en que se consumen las imágenes en las redes sociales y se imita y su forma de exhibición.

Duchamp y el arte contemporáneo

Esta reflexión no es nueva ya que Duchamp afirmaba lo siguiente en relación con el arte contemporáneo: “La totalidad del mundo del arte ha alcanzado un nivel tan bajo, ha sido comercializado hasta un grado tal, que el arte y todo lo que tenga que ver con él se ha convertido en una de las actividades más triviales de nuestro tiempo.

El arte en estos tiempos se ha hundido hasta uno de sus más bajos niveles en la historia, seguramente incluso inferior al de finales del XVIII, cuando ya no había gran arte, sino pura frivolidad. En el siglo XX el arte está jugando un papel de puro entretenimiento, como si viviéramos una época divertida, ignorando todas las guerras que experimentamos como parte de lo que somos”. (1)

¿Alguien se acuerda hoy en día del significado de tomar partido, comprometerse o ser fiel a unas ideas?

Y los comportamientos de los artistas en el proceso creativo, podemos empezar a analizar lo que hacen unos y otros y comprobar que ya “el plagio” no produce ningún rubor en quién lo práctica.

Es simplemente un reflejo de la falta de ética política y social, de los usos y costumbres que se producen desde la pirámide del poder hasta su base.

Si el poder se apodera del dinero público como nos vamos a escandalizar por unos cortas y pegas en tesis doctorales, libros o plagios en las obras de arte. Al fin del al cabo hay que estar a la última y se trata de buscarse un hueco en el templo de lo “cool”.

Se ve claramente quienes son los imitadores y de que teta han mamado, sólo tienes que tener un mínimo de cultura visual para darte cuenta, pero la mayoría lo digiere como si de algo novedoso de tratase. En este país los imitadores de Martín Parr surgen como setas en otoño.

En definitiva, no sirve de nada los textos que se han escrito, ni las reflexiones que se han hecho con anterioridad, de hacía dónde debe dirigirse el arte como expresión individual y representación colectiva de una sociedad, como forma de participación de los productores y receptores de las obras, y como forma de compromiso colectivo. La exaltación de lo vacuo está en su edad de oro, aunque toda situación es susceptible de empeorar.

Acabo este post con una reflexión de Jose Luis Brea:

Es en última instancia tarea del arte iluminar el lugar -el espacio de la representación- desde el que podría realizarse ese trabajo de fundación de las nuevas formas de cultura que permitirían al hombre, a la humanidad, reconciliarse con su existencia.

Esto significa: acertar a darse una adecuada auto representación -como precisamente aquel ser que tiene esa tarea por misión. El conocer-se y saber algo de sí; merecer ostentar con dignidad el inalcanzable pero irrenunciable rango de verdadera humanidad. (1)

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(1) José Luis Brea: Un ruido secreto.
El arte en la era póstuma de la cultura. Murcia: Mestizo, 1996

Javier Viver en Camara Oscura

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris

Javier Viver (Madrid, 1971) es escultor, fotógrafo y autor de fotolibros. Su trabajo se debate entre el documental y la ficción como medios de aparición de lo invisible. De esta forma se define este artista que nos presenta en la galería Camara Oscura de Madrid su visión del famoso archivo fotográfico del hospital parisino La Salpêtrière.

Su construcción se debe a Luis XIV que le encargó el proyecto al artquitecto Liberal Bruant en 1656. Durante el siglo XIX y bajo la dirección del neurólogo Jean Martin Charcot convirtieron este hospital en uno de los más reconocidos en salud mental. Bajo su dirección se realizó este archivo fotográfico de los pacientes entre 1875 y 1918.

Javier Viver / Instalación
Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

La Salpêtrière

“Pero en esta operación, el uso de la fotografía propició la incorporación del espectáculo y con el toda una trama de complicidades entre los pacientes y sus fotógrafos.

El espectáculo de La Salpêtrière se hizo teatro de variedades en las sesiones de los martes, ante una concurrida representación de las élites culturales y científicas, mediante la inducción por hipnosis de contorsiones, crisis epilépticas y ataques de histeria, el registro y exposición de gabinetes de curiosidades y rarezas biológicas, fenómenos y monstruos.

El resultado fue un archivo fotográfico sin precedentes, testigo de la época colonial, realizado con la intención “panóptica” del régimen disciplinario y documento sistematizado de los límites del alma humana.”

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver reinterpreta el archivo, agrupando las imágenes en una clasificación fotográfica de desnudos, retratos, fotografías de detalle de los cuerpos de los pacientes, y nos sumerge en un viaje al pasado, en el cual nos podemos imaginar las sesiones fotográficas o las relaciones entre los pacientes y aquellos fotógrafos que captaban sus miradas perdidas o sus cuerpos deformes.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Este  fotolibro fue premiado en 2016 por el Ministerio de Cultura como el Mejor Libro de Arte. Ahora bajo el titulo de “Archivo de lo Inclasificable” presenta su trabajo en la galería Camara Oscura, en una pieza que es un “archivador de artista” en el cual se encuentran esas miradas perdidas de los pacientes de ese hospital. Reinventar las historia, alejarse del uso puramente científico que tuvieron en su día esas imágenes, y enfrentarlas con el espectador; que de forma aleatoria va abriendo esos cajones.

Las imágenes siempre nos transmiten emociones, las sensaciones que nos pueden producir estas fotografías sacadas del aquel contexto para el que fueron realizadas, y con miradas del siglo XXI, les otorgan frente a nuestros ojos un nuevo significado ciento cuarenta y tres años después.

En la web de Javier Viver tenéis toda la información del fotolibro y también podéis descargar el pdf del mismo. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de julio, y está incluida en el Festival OFF de PHE 2018.

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Javier Viver / Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris 1875-1918, 2013

Graciela Iturbide en Alcobendas

Graciela Iturbide © 1969

Graciela Iturbide (México, 1942) es uno de los grandes nombres de la fotografía mejicana. Ha realizado un trabajo de carácter documental pero con grandes dosis de poesía. Sus imágenes son evocadoras, llenas de una belleza plástica y emocional que impactan profundamente con el receptor de las mismas. Alumna de Manuel Álvarez Bravo moduló su forma de fotografiar alargando el tiempo en su forma de plantear su acto fotográfico.

La calma, la pausa, la contemplación y las metáforas aparecen en su extensa obra que ido paralela a su vida. Su obra ha sido expuesta en los museos más importantes del mundo, obteniendo grandes premios entre los que destaca el Premio Hasselblad en 2008.

Estará en Alcobendas en miércoles 23 de mayo para dar una clase magistral en el Centro de las Artes, y con posterioridad inaugurar su exposición con motivo del Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas que le fue otorgado en 2017. Por motivos de agenda se ha retrasado su presencia en Alcobendas hasta hoy.

Graciela Iturbide © de la serie Seris

El Premio

El jurado reconoció de manera especial la forma de abordar con firmeza y claridad los sistemas socioculturales de la cultura mexicana en toda su dimensión. En cada uno de sus trabajos encontraron narración, intimidad, magia y sobre todo franqueza, experiencias únicas e irrepetibles a través de sus complicidad en sus propuestas visuales.

Por todos estos valores y de forma unánime el jurado, compuesto por:

Pablo Juliá (Editor gráfico y exdirector del CAF Centro Andaluz de la fotografía), Margarita Sánchez (Coleccionista), Juan Manuel Castro Prieto (Fotógrafo, Premio Nacional de fotografía 2015), Laura Revuelta (Redactora Jefe de ABC Cultural), Belén Poole (Coordinadora del Centro de Arte Alcobendas), José Mª Díaz-Maroto (Conservador de la Colección de Fotografía Alcobendas) e Ignacio García de Vinuesa (Alcalde de Alcobendas) y actuando como secretaria del Mismo Yolanda Sanchís (Gerente del Patronato Socio Cultural del Ayuntamiento de Alcobendas), determinó otorgar el Premio Internacional de Fotografía Alcobendas en esta quinta edición a Graciela Iturbide.

Graciela Iturbide © La señora de las iguanas

La exposición

La exposición recorrerá su extensa trayectoria. Setenta fotografías nos mostrarán sus imágenes más icónicas. Tendremos una completa visión de los trabajos del desierto de Sonora, Juchitán, las matanzas, de cabras, los pájaros, el baño de Frida, sus viajes y autorretratos.

Esta exposición ha sido comisariada por José María Díaz-Maroto y Belén Poole. Es una ocasión para ver y oír a esta autora imprescindible de la historia de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

Graciela Iturbide © Autorretrato 1979

Graciela Iturbide © Carnaval

Lo Irreversible

Rafael Roa © 2018, Off Limits

Lo efímero, ese concepto inasible siempre me ha obsesionado en relación con la vida y la fotografía. Es imposible detener el tiempo y por tanto el acto fotográfico captura el pasado inmediato. La fotografía está ligada al pasado, a los recuerdos, y a la huella. El tiempo nos hace sentir la fugacidad de la vida, y hemos tenido la necesidad de que la fotografía nos permita ver quienes ya no somos y la transformación de los lugares que conocimos.

Igual que la memoria va borrando con el paso del tiempo los rostros de aquellos a los que amamos, hemos perdido la nitidez del recuerdo, la memoria del tacto de su piel, y el sonido de su voz, Sólo la fotografía nos recuerda como eran, porque con total seguridad el tiempo habrá dejado en sus rostros una huella equivalente al paso de los años.

La fotografía reflejo del tiempo y el pasado inmediato nos ayudan a gestionar nuestros recuerdos, sacando de las cajas, esas imágenes antiguas que nos mostrarán a alguien que ya no existe. Ese encuentro entre la imagen del pasado y nosotros mismos es un choque emocionalmente fuerte. La imagen de la fotografía ya no nos representa, las huellas de nuestra decadencia nos han transformado en otra persona completamente diferente.

El proceso es irreversible, igual que el acto fotográfico que no consigue materializar la imagen latente en un negativo.
Lo efímero define la imposibilidad de detener el tiempo para poder disfrutar de los instantes felices que desearíamos convertir en eternos. La fotografía sólo nos muestra el pasado, por eso nos cautiva y nos seduce, es la única forma que tenemos de materializar lo vivido.

Rafael Roa © 1994, Polaroid 50×60

Gabriel Cualladó

Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó, París 1962

Gabriel Cualladó (Massanassa, 1925 – Madrid, 2003) es uno de lo los fotógrafos más importantes de la fotografía española que pertenece a la generación de la posguerra. Miembro de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid desde 1956, y del Grupo La Palangana y AFAL.

Podemos considerar que fue autor destacado de esa generación de artistas que formaron los cimientos del desarrollo de la fotografía española en la segunda mitad del siglo XX. Gran amigo de Paco Gómez, ejerció de fotógrafo aficionado durante toda su vida, teniendo una mirada privilegiada para reflejar todo aquello que quería retener con su cámara. Retratos, instantes efímeros de la vida, su entorno familiar y los viajes fueron entre otros los temas que desarrolló.

Fue un fotógrafo con una gran cultura visual, compraba revistas en el extranjero, y procuraba estar informado de las tendencias de la fotografía, investigaba y trabajaba con pasión. En 1962, viaja a París con un grupo de fotógrafos españoles invitados por el Ministerio de Cultura Francés para hacer un reportaje de la ciudad. Allí surge la mirada moderna del artista realizando un reportaje que supuso una ruptura estética y narrativa con la forma en la cual se fotografiaba en este país.

Su mirada está a la altura de los trabajos que William Klein realizaba en aquellos años. Tuve la suerte de ver parte de aquellas fotografías en 1980, en el estudio de Pepe Puga. Con posterioridad, Pepe Puga, Rafael Ramírez, y yo fundamos la Galería Image en Madrid e inauguramos con una exposición de Gabriel. Era un hombre cercano que como otro grande de esa generación Paco Gómez influenciaron de forma decisiva a mi generación.

En sus imágenes podías percibir esas sensaciones intensas que recibes cuando un fotógrafo lo entrega todo en el acto fotográfico. Eso es recibido por el espectador, y ese es el Punctum del que nos hablaba Roland Barthes. Gabriel Cualladó comentaba que sus negativos cabrían en una caja de zapatos, muchos creemos que es una exageración.

Exposición

En la excelente retrospectiva de su obra, comisariada por Antonio Tabernero, sitúa este periodo de su obra entre los años 1956-1994.

Podemos ver a un Gabriel Cualladó en plenitud creativa con imágenes directas, intimistas, que inmediatamente producen esa relación emocional intensa, y a la que se vuelve con calma y reposo para disfrutar de la composición, el claro oscuro y las miradas de sus personajes. Hay melancolía y desesperanza, las calles destruidas, los rostros desgastados por el tiempo y una falta de futuro subyacen en el ambiente.

En los años 1980-81 realiza su serie del Rastro madrileño, un trabajo lleno de silencios y fuerza narrativa. El claroscuro sustenta la base estética de las obras. En 1994 se le otorga el Premio Nacional de Fotografía. Ahora tenemos la oportunidad de ver una excelente retrospectiva de su obra en la sala del Canal de Isabel II en Madrid hasta el próximo 29 de abril. El catálogo es imprescindible.

Gabriel Cualladó, 1968, El Fitu

Gabriel Cualladó, 1958, Clemente

Autorretrato, 1956

Ellen Kooi, Elements

Ellen Kooi © Wijk – mountains 2018

Ellen Kooi ( 1962 Leeuwarden, NL) es uno de los talentos de la fotografía holandesa y su obra se encuadra dentro de la corriente del realismo mágico. Hemos tenido la ocasión de ver su obra en múltiples ocasiones en nuestro país. En octubre de 2014 los alumnos de PIC.A pudieron asistir a una visita guiada de la autora en su exposición retrospectiva que se celebró en el Centro de Arte de Alcobendas.

De nuevo en Madrid, inaugurará su exposición “Elements” el próximo viernes día 9, en la galería Camara Oscura. En esta nueva serie sigue utilizando a los niños como personajes de sus fotografías, con una puesta en escena magistral ofreciendo al espectador que encuentre su propia interpretación a sus obras. Sus imágenes son misteriosas, estéticamente bellas y poseen una seducción a la cual es imposible resistirse. Por lo tanto debemos anotar en nuestra agenda esta exposición como imprescindible.

Ellen Kooi nos habla de sus obras en los siguientes términos: “Se pueden ver mis imágenes como enigmas sin resolver pero eso sería una forma de pensar demasiado ‘lógica’, como si tuviera que haber una respuesta para todo. No existe una única respuesta a una narración.

Lo que a mí de verdad me importa es que las historias que cuento sobre el cuerpo, su fuerza y vulnerabilidad, encuentren eco en las experiencias personales del espectador. Mis narraciones tienen finales abiertos y yo las presento de manera que cada uno pueda imaginar sus propias historias y encuentre sus propias respuestas.”

Ellen Kooi © 2016 Haarlem – Wies

Ellen Kooi © 2018 Boskoop – dome 2018

Ellen Kooi © 2017 Nieuwe Meer – surfplank

El ritual y la fotografía

 

Kevin Carter © 1993. Fotografía realizada en Sudán y publicada en el NY Times. Ganó el premio Pulitzer. Un año más tarde Carter se suicidó. Esta imagen jamás será olvidada, es un ejemplo brutal de las desigualdades, la miseria y la violencia que el sistema produce en los seres humanos.

Fotografiar lo exótico, documentar el ritual, las costumbres, y retener el tiempo han sido siempre una de las aspiraciones de muchos fotógrafos desde los orígenes de la fotografía. El reportaje fotográfico ha dominado las narrativas de la fotografía durante un largo periodo de la corta vida de la herramienta.

Fotografiar todo aquello que se encuentra alejado de nuestro hábitat cotidiano y capturar la escena con ese equilibrio teatral del momento decisivo, ha sido, es y sigue siendo la máxima aspiración de muchos fotógrafos que quieren emular al gran Cartier Bresson.

“La fotografía debe captar en el movimiento el equilibrio expresivo”. “La fotografía debe apoderarse del instante”.

Estas frases extraídas del texto de François Soulages sobre la Estética de la fotografía son un buen punto de partida para profundizar sobre la fotografía documental que registra los ritos, y lo exótico que se encuentran alejados de nuestra cultura.

Efectivamente la fotografía debe apoderarse del instante, del ritual, de las miradas tribales, y de aquellos espectáculos que tanto seducen al receptor, porque si los rituales se apoderan de la fotografía, esta pierde todo su significado sirviendo sólo al ritual como propaganda del mismo. Como ejemplo, esto sucede siempre en actos de sectas que habitualmente vemos en documentales.

Devorar las imágenes para asimilar de inmediato el rito como algo incuestionable que viene de la tradición, creer y justificar esas creencias que dejan anulada la inteligencia de los seres humanos. El dogma hecho imagen. El triunfo de la propaganda que Goebbels hizo efectiva en el régimen nazi. La derrota de la mirada crítica.

Por lo tanto, si planteamos nuestro trabajo, con la creencia que fotografiando lo exótico, la miseria lejana, las miradas profundas de los niños que pasan hambre, sin profundizar en la esencia del problema, estaremos haciendo lo mismo que hacen los turistas adinerados en los safaris fotográficos: coleccionar imágenes inservibles que sólo alimentaran nuestro ego.

La fotografía debe de ser valorada por lo que expresa y por las preguntas que lanza al receptor de las mismas, el ritual nunca debe apoderarse de la imagen, y si las imágenes no nos sugieren cuestionarnos sobre su significado, no sirven para nada, pasaran al olvido de forma inmediata, no habrán existido jamás.

Désirée Dolron, Exaltation series, 1991-1999

Chou Ching Hui

Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

Chou Ching Hui (Taiwan, 1965) es un artista chino que desarrolla un trabajo de fabricación de imágenes en el cual las tecnologías de post-producción digital son imprescindibles para su realización. Se licenció en periodismo y en 1988 comenzó su interés por la fotografía.

Después de trabajar durante unos años como fotoperiodista en medios locales de Taiwan, fundó en 2004 su propia compañía de tratamiento y diseño de imágenes.

Animal Farm es uno de sus trabajos más importantes y lleva el mismo titulo que la novela de George Orwell. Para la realización de este trabajo el proceso de producción se extendió durante cinco años.

Se utilizaron dos parques zoológicos que fueron visitados por el artista y su equipo de producción para la selección de las localizaciones.

Chou Ching Hui © de la serie Animal Farm

Se trataba de sustituir a los animales en el zoológico por humanos. Escenas domésticas, juegos infantiles, actos cotidianos son representados en los espacios que habitualmente ocupan los diversos animales del zoo.

Esta puesta en escena intenta provocar reflexiones en el espectador sobre la estructura de la conciencia del propio cuerpo, la estructura de la conciencia de la supervivencia y la estructura de la conciencia colectiva.

Chou Ching Hui pretende algo más que sus obras sean vistas como una representación barroca de una ficción, con una excelente puesta en escena.

La intención de cuestionar al espectador ha sido siempre una constante en la historia de muchos artistas que se han alejado de la representación banal y literal de la belleza.

Sus símbolos culturales están presentes y los utiliza como metáforas para expresar sus propios planteamientos sobre la vida y el arte. Es una forma de tomar partido.

Podéis profundizar en la obra de este interesante artista en su web.

Límites

Rafael Roa © 2018 / De la serie Off Limits

El tiempo se suspende en el final de la vida entre el ser y dejar de ser, ese límite no visible entre dos mundos irreconciliables, como la luz y la oscuridad. El límite como frontera, como paso a otro estado físico y también el límite de la prohibición, la barrera que impide el paso y protege posesiones o estados.
Lo efímero, como concepto de pérdida eterna en la vida, todos los actos que realizamos dejan de ser no visibles.

Ese sueño imposible de eternizar lo efímero, de retener el tiempo de felicidad y pasar a la velocidad de la luz los instantes de pesar que oscurecen nuestra vida.

El límite como sinónimo de prohibición continua, de represión individual o colectiva en beneficio del poder que nos controla y dirige. Pero a pesar de todo no hay límites en el pensamiento propio, en la producción de esas imágenes no visibles que sólo nosotros somos capaces de ver y modificar a nuestro antojo. Ese es el único espacio de libertad que nos queda, nadie puede controlar nuestra capacidad de imaginar, de pensar y de reflexionar íntimamente alejados de todo y de todos.

Y vuelvo a darle vueltas a la cita de Paul Klee sobre los diferentes estados no visibles que nos encontramos en nuestro recorrido por la existencia y no-existencia. Algo similar ocurre con las imágenes, son visibles aquellas que materializamos, ese instante de tiempo retenido que la fotografía captura, ya está enterrado en el pasado.

Esa fascinación que nos seduce de esta herramienta, de eternizar los recuerdos, ese fugaz acto en el cual la luz atrapa el instante y nos deja un objeto dispuesto a ser manipulado e interpretado por el autor. Jugar con esa imagen latente o con ese archivo digital y proceder a nuestro antojo.

El resultado final se alejará infinitamente del momento vivido, ya imposible de volver a ver. Todo lo que nos queda es una captura que sólo imitará lo vivido y nos lo acercará vagamente.

Los límites vuelven a actuar para impedirnos recrearnos en las imágenes del pasado, igual que jamás volveremos a sentir el tacto de la piel que amamos en nuestra juventud.

Bill Henson – Kindertotenlieder

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Bill Henson (1955, Melbourne,  Australia) ha publicado con la editorial Stanley / Barker su obra Kindertotenlieder basada en la obra musical de Gustav Mahler. En 1833-34 el poeta alemán Friedrich Rückert (1788-1866), perdió a su hija Louise y al mes siguiente a su hijo Ernst por escarlatina. Como consecuencia de este doloroso hecho Friedrich Rückert escribió el poemario Kindertotenlieder en memoria de sus hijos.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Setenta años más tardes el compositor Gustav Mahler y en contra de la opinión de su esposa Alma compuso la obra musical que contenía los 5 poemas de Friedrich Rückert. Como si se tratase de una maldición la hija mayor de Gustav Mahler, María murió de escarlatina a los 4 años en su casa de veraneo de Maiernigg. La casa fue cerrada y la familia Mahler nunca regresó.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Bill Henson se enamoró de la obra musical de Mahler con 19 años y pensó que en algún momento de su vida produciría imágenes de esta historia. El proyecto de Bill Henson ha durado 40 años, realizado durante múltiples viajes realizados a Austria, fotografiando la casa del lago donde murió la hija de Mahler, los paisajes y la cabaña del bosque donde compuso la obra.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Las fotografías de Henson son el complemento idóneo a los poemas de Friedrich Rückert y la música de Gustav Mahler. Las fotografías de Henson alcanzan el clima dramático de estas obras, sumergiendo al espectador en ese tiempo pasado que nunca vimos. Las luces de esos atardeceres melancólicos, el color especial de los retratos y los paisajes realizados con la estética inconfundible de Henson que sabe transitar en la penumbra de una forma magistral.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

La edición muy cuidada por Stanley / Barker contiene también los poemas de Friedrich Rückert y la música de Gustav Mahler lo que convierten en este libro en un objeto de coleccionista. Podéis visitar la web de Stanley / Barker para mayor información.

Bill Henson © Kindertotenlieder / Stanley / Barker

Ron Jude

Ron Jude © 2011-2015, de la serie Lago

Ron Jude (1952, Los Ángeles, USA) es un fotógrafo de mirada sutil y minimalista que construye sus obras a base de ese tipo de imágenes que podríamos definir como restos del naufragio. Es un fotógrafo para espectadores que sepan interpretar el silencio, la pausa y la calma. Crece en una zona rural de Idaho entre paisajes inmensos, cazadores de pieles y chicos con coches que buscan su propia autoafirmación.

Ron Jude © 2011-2015, de la serie Lago

En su última serie Lago Ron Jude regresa al desierto de California intentando buscar pistas sobre su propia identidad.

Este trabajo realizado entre los años 2011- 2014 se expresa entre la búsqueda de recuerdos borrosos y el capricho de la mirada atraída por los golpes de vista que surgen en su camino.

Ron Jude © 2011, de la serie Lick Creek Line

Lost Home es un proyecto en el que colaboran 10 fotógrafos que tienen que dar respuesta a poemas del guionista japonés Nobuyiki Ishiki. Ron Jude participa en este proyecto con unas fotografías fechadas entre 1997 y 2005.

Entre los participantes en este proyecto se encuentran Daido Moriyama, Christian Patterson, Roe Ethridge, Slavica Perkovic, entre otros. El conjunto de libros Super Labo se publicó en 2013.

Ron Jude © 1997-2005, de la serie Lost Home publicado en Super Labo Book

Sus series surgen entre los recuerdos y las pistas que el sigue para configurar una narración de imágenes que una a una no tendrían ningún sentido narrativo. No muestra el todo de algo sino pequeños detalles o pistas que el espectador debe seguir.

Sus obras se encuentran entre un documentalismo de ficción y unas fotografías llenas de sensaciones ocultas que pueden ser interpretadas de formas divergentes. En su web podéis analizar y disfrutar con calma su obra y encontrar su mirada personal.

Ron Jude © 1996, de la serie Vitreous China

 

Ron Jude © 1990-92, de la serie Nausea

Sascha Weidner

The Estate of Artist Sascha Weidner © – Approved Print No 1, 2017

Sascha Weidner (1974-2015, Alemania) es una de las grandes pérdidas de la fotografía alemana contemporánea. Su prematura muerte nos deja una obra llena de poesía, silencios y preguntas continuas que lanza al espectador. Se aleja del gigantismo especulativo de la Escuela de Düsseldoff que ha machacado el mercado de las bienales de arte con ese vacío narrativo y su gigantismo excesivo.

The Estate of Artist Sascha Weidner ©
Trial II 2008 de la serie Am Wasser Gebaut


Sascha Weidner
nos regala generosamente evocadoras imágenes que nos alejan de esa marabunta sin principios que produce “arte” como el que come comida basura. Toma partido a sabiendas que la estética y la narrativa de sus imágenes no está hecha para la masa que llena de oropeles inunda las moquetas de las más famosas bienales de arte.

Su trabajo busca espectadores cómplices que sepan apreciar las sutilezas del lenguaje, los silencios y la serena contemplación. La obra de este fotógrafo te seduce inmediatamente, te conquista con un flechazo y después no puedes abandonarle. La poesía nunca abandona a los espíritus libres que no se someten a ninguna moda comercial.

Podemos disfrutar de la obra de este autor en Clervaux Cité de l´Image (Luxemburgo) hasta el 13 de Abril de 2018, en el Sprengel Museum Hannover que tiene su legado, y en la galería Dorothée Nilsson de Berlin hasta el próximo 25 de noviembre.
Podéis ver su obra en la siguiente web.

The Estate of Artist Sascha Weidner © Flooding II, 2011 de la serie Am Wasser Gebaut

Bea Rivas

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Bea Rivas (1976, Madrid), economista de profesión. aborda la fotografía como una herramienta de comunicación y expresión artística. Desde 2015 se forma en PIC.A en los cursos superiores.

Acaba de ganar hace unos días el Primer Premio de ONPhoto Soria y la Beca amateur del Seminario de Fotografía y Periodismo Fundación Santa María de Albarracín, del cual el año pasado también fue finalista. Bea Rivas viene realizando exposiciones y cosechando premios desde el 2010. Su último trabajo Rezoorts es por el cual ha obtenido los galardones mencionados y es el que voy a mostrar en este post.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Sus imágenes están llenas de metáforas visuales, y de preguntas que envía al espectador para provocar una cierta reflexión sobre los temas que plantea. Se alejan del concepto de instantánea y construye con sus fotografías una narración que nos hace cuestionarnos la realidad, la ficción y las causas de todo aquello que nos muestra.

Alejarse de esa forma instintiva de atrapar el momento para establecer una opinión sobre todo aquello de uso cotidiano, que disfrutamos sin cuestionarnos porque se ha convertido en un espacio de ocio y los visitantes en consumidores irreflexivos. La fotografía de Bea Rivas tiene esa belleza sugerente de la poesía visual, sutil y llena de matices que nos cautiva y nos provoca esa sensación que no querer que la contemplación de su obra llegue a sus fin.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

También nos hace cómplices de su ironía que utiliza como arma para establecer una crítica a esos negocios que obtienen grandes beneficios con la excusa de la conservación de las especies. La contemplación de los animales como actividad de ocio y consumo que atrae a grandes masas a esos parques temáticos del cautiverio, dónde los animales se muestran como mercancía.

Este concepto de coleccionismo especulativo se aleja de las opiniones vertidas por Walter Benjamin en su obra de los Pasajes. “El conjuro que intenta el coleccionista busca encerrar en un círculo mágico lo que es el objeto individual, uno que se congela en tanto que un final escalofrío (el de ser adquirido) lo recorre. […] Coleccionar es una forma del recuerdo remitida a la praxis, y es la más terminante entre las distintas manifestaciones profanas de la ‘cercanía’.”

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

La forma de trabajo de Bea Rivas se basa en la planiificación con vista a la elaboración de unas fotografías que expresen el significado que la autora quiere transmitir. No hay nada al azar, tiene muy claro lo que quiere hacer y como lo quiere hacer. Nos encontramos ante una artista que va a dejar su huella dentro de la historia de las artes visuales, ella no lo sabe pero yo si. Os dejo en enlace a su web.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Bea Rivas sobre su obra Rezoorts:

En el siglo XXI los zoológicos se han convertido en grandes estaciones turísticas.
Situados geográficamente en ciudades donde el turismo o las vacaciones representan la mayor parte de la actividad local son gestionados por sólidos grupos empresariales, generalmente de carácter privado, con importantes inversiones económicas y con una intencionalidad lucrativa que funciona en base al modelo capitalista.

Bea Rivas © 2017 de la serie Rezoorts

Diseñados como parques temáticos a modo de “family entertainments centers” disponen de una linea argumental  claramente definida que les sirve de inspiración; los animales exóticos y en peligro de extinción.

Bea Rivas © 2017 Portada de la maqueta de Rezoorts

Los animales se exhiben mimetizados en paisajes artificiales y ambientes que recrean el hábitat natural de cada especie, unos decorados más propios de la industria del cine, que se sitúan en las antípodas del verdadero que se les niega con el cautiverio.

Bea Rivas © 2017 Interior de la maqueta de Rezoorts

Ire Lenes

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes (Madrid, 1981), es una joven fotógrafa que empieza a destacar con sus obras. Su formación realizada en la escuela PIC.A y su pasión por la fotografía la han conducido a la realización de diferentes tipos de trabajos, desde la fotografía conceptual a la documental. Desde hace un par de años ha comenzado a obtener premios y el último ha sido el premio Ciudad de Alcalá de fotografía documental por su ensayo “Archipiélagos”.

Un trabajo en la linea del estudio de las identidades de algunas comunidades en el norte de Europa y que sigue la estela de ensayos realizados en esa dirección por autores como Rafal Milach, Alexander Gronsky o Ville Lenkkeri. Archipiélagos es un trabajo muy cuidado y realizado con la minuciosidad y dedicación de su autora, realizando diversos viajes para lograr penetrar en esa población que vive en un gueto y se resiste a perder su idioma, cultura y tradiciones. Las fotografías de Ire Lenes nos atrapan y nos producen el deseo de querer ver más cuando hemos acabado de verlas. El compromiso con el trabajo propio se siente en cada fotografía. Ire Lenes esta explorando con la herramienta y eso se nota en la diversidad de temás y géneros fotográficos que constituyen su trayectoria. Esperamos que esta joven autora nos siga sorprendiendo en un futuro cercano.

Ire Lenes nos habla de Archipiélagos: Naujoji Vilna es un barrio ubicado al este de Vilnius, capital de Lituania y subsiste a modo de archipiélago, les une lo que les separa, el idioma ruso.
Lituania fue la primera república soviética en independizarse y dicho proceso no fue transitorio sino radical, todos los símbolos soviéticos se eliminaron, las fábricas soviéticas se cerraron y el idioma ruso paso a ser un idioma de segunda clase.
A día de hoy en Lituana todo lo referente a aquellos tiempos se mira con recelo a la par que con miedo, pero Naujoji Vilna tiene una realidad completamente distinta. Por su situación geográfica muy próxima a las fronteras de Polonia y Bielorrusia y potenciado por su carácter industrial presenció un gran proceso de inmigración de trabajadores de otras repúblicas, polacos, rusos y bielorrusos. En aquellos tiempos el ruso era el nexo de unión, tras la caída del comunismo sus habitantes no emigraron, permanecieron en el barrio y a día de hoy en sus calles se escucha el ruso, persiste un colegio en dicho idioma, bibliotecas con literatura rusa, supermercados con productos en cirílico, un cementerio ruso e incluso los adornos navideños aguantan hasta la celebración del año nuevo viejo, lo que es curioso en un país de mayoría católica.
El caso de este barrio es algo excepcional, ya que en el resto de la república, rehuyen del idioma ruso, lo que a priori parece un modelo de integración tiene un trasfondo de gueto.

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Ire Lenes © De la serie Archipiélagos

Rafael Navarro en la Foundation Auer Ory

Rafael Navarro © 1976
Involución #1

Rafael Navarro (1940, Zaragoza) está exponiendo en la Fondation Auer Ory una retrospectiva de su obra, la cual podremos disfrutar hasta el próximo 25 de noviembre si viajamos hasta Ginebra. Rafael Navarro es uno de los fotógrafos que usaba narrarativas diferentes a lo que estábamos acostumbrados a ver en los años ’80. Cuando conocí su obra él exponía en Madrid su serie Dípticos de 1983. Utilizaba un lenguaje diferente al resto de los fotógrafos de esa época, alejado de la fotografía documental que marcó a la generación del Grupo Afal. La reflexión y el uso de las metáforas visuales formaban parte de su forma de contar historias. Podemos decir que Rafael Navarro es un fotógrafo conceptual. Fue un innovador en aquellos años.
Rafael Navarro es un autor que tiene un largo recorrido internacional y que es más habitual tener noticias de sus exposiciones en el exterior que su presencia en nuestro país. Otro fotógrafo que debería haber sido galardonado hace ya tiempo con el Premio Nacional de Fotografía. Un autor imprescindible que las jóvenes generaciones deben conocer.

Rafael Navarro © 1978-1985

Miguel Oriola, ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola (1943, Alcoy) es uno de los fotógrafos españoles más importantes, con una obra extensa e intensa que deja una huella profunda en el espectador. Desde su trabajo Pensat i fet (1975) hasta hoy nos ha venido sorprendiendo con trabajos cada vez más interesantes. Esta serie fue un adelanto estético y narrativo en un país inundado por la fotografía documental de la generación anterior. En Pensat i fet nos muestra una obra realizada bajo la mirada de la parte por el todo y llena de provocación, en una época miserable y triste que auguraba el fin de la dictadura.

A este trabajo le han seguido muchos otros, cada vez más innovadores y con ese punto de transgresión que caracteriza la obra de este artista. Sus fotografías no dejan indiferente a nadie, son impactos visuales que provocan en el espectador todo tipo de sensaciones. Oriola acaba de publicar su último libro ACTUS (2017), una obra con imágenes que acorralan al espectador y lo dejan sin salida. El caos del mundo es reflejado en sus libros desde ALPHAVILLE, SKETCH 5, SKETCH 7, con una estética de un claro oscuro extremo y que sumergen al espectador en una experiencia trepidante.

Sobre la belleza estética, el orden y desorden podemos recurrir a estas palabras de Alvarado-Planás: Nuestro sentido de la belleza, y nuestra estética por tanto, nos lo inspira la coexistencia armónica del orden y del desorden, tal como existe en los objetos físicos: en las nubes, en los árboles, en las montañas y en los cristales de nieve. Las formas de todas estas cosas son procesos dinámicos que se han realizado en formas físicas, donde coexisten de modo inmanente, combinaciones concretas de orden y desorden. Así, apreciamos y sentimos un mundo gobernado por el caos, y nuestros sentidos se inundan con el desorden que nos rodea.(1)

Es imprescindible este último libro de Oriola, ACTUS que como los citados anteriormente forman el cuerpo de trabajo de su obra en los últimos años. Una obra realizada desde la libertad y el compromiso del autor que nos llenará de sensaciones intensas. El 22 de septiembre Miguel Oriola expondrá ACTUS en Bilbao en la escuela CFC, un evento que no nos podemos perder. A continuación y como primicia os adjunto el manifiesto de Miguel Oriola sobre su este trabajo:

Habitamos el caos, ese lugar donde los hechos y las cosas devienen en su extraño orden, y sin embargo, un lugar propicio para la creación, lleno de resonancias, de sorpresas y lejos de certezas. Me pregunto qué es la fotografía, mientras siento que en mi interior se desencadenan estímulos e impulsos que me hacen actuar cada día en este entorno.

Ando por el mismo cauce donde suceden las cosas, un glorioso torbellino que es la vida, donde lo inesperado y el estupor son elementos esenciales para la acción y la vivencia que se convierte en imagen. Nada mas lejos que el deseo de ordenar ese caos, germen de todas las cosas, con estéticas complacientes, significados forzados, o conceptos rebuscados. Cuando el fotógrafo señala a algo, y no a otra cosa, infiere en el mismo acto fotográfico la intención que conceptuará su expresión.

Para ello es necesario el talento y la memoria inconsciente enriquecida, el mayor caudal de información de todos los tiempos que posee el ser humano a través del instinto. Percibo mi trabajo como una cualidad alucinatoria, que emana de una visión scópica constante, un flujo de emociones que genera imágenes nacidas de la intuición en un acto instintivo que me fusiona al sujeto para siempre.

El fotógrafo debería barrer de la mente los pensamientos racionales, para actuar libre de prejuicios, para poder adoptar una percepción sistémica, que le permita conocer la atmósfera que le envuelve en su entorno y fundirse en ella, convertirse en aquello que va a captar, ser él mismo, el sujeto de su imagen antes de accionar su cámara. Mas aún, debería crear en su interior un lugar de ausencias, un vacío que contuviera todas las posibilidades de infinitas imágenes de perfectas armonías las cuales te buscaran a ti. Mi trabajo está condicionado sobre todo por el grado de relación con el ser humano, individuos que como yo mismo, vivimos almacenando preguntas sin recibir respuestas. Y la fotografía cada día, sólo te proporciona más preguntas. Uno deambula en el lado de la incertidumbre a la espera de una revelación que esperas en cada imagen. Como negar la atracción incontenible de esta dudosa realidad que percibo y que me impulsa a exorcizar en cada imagen lo desconocido y lo profano. Solo soy un viajero en un transito incierto que sigo a la búsqueda de mi mismo en cada fotografía que hago. Miguel Oriola, 2017 ©

Miguel Oriola es una referencia muy importante en la fotografía española, sin embargo no ha sido todavía galardonado con el Premio Nacional de Fotografía que por su trayectoria merece. Esperemos que eso suceda muy pronto. En los siguientes enlaces podréis ver la obra de Miguel Oriola y comprar sus libros y fotografías.

ACTUS

Libros Miguel Oriola

(1)  http://reflexionesmarginales.com/3.0/21-de-la-teoria-del-caos-y-del-desorden-a-la-estetica/

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

Miguel Oriola © del libro ACTUS

 

 

El Triunfo Del Mercado

Alekséi Gan, 1922

Cuando Alekséi Gan escribió el Manifiesto Constructivista en 1922 creía firmemente en que la revolución del arte debería ir en paralelo a los cambios sociales y económicos de la revolución de 1917. Criticaba con dureza a los miembros del partido comunista por su falta de preparación para abordar estos cambios.

En 1941 acabó en una campo de concentración en Siberia donde supuestamente murió. Stalin, unos de los grandes asesinos de la historia acabó con todo aquello que no entendía y que posibilitase cualquier florecimiento del pensamiento crítico que pudiera poner en peligro su liderazgo. Todos los movimientos sociales del siglo XX han sido aplastados de igual forma, se hayan producido en Europa o en cualquier otro lugar del planeta.

Quizás las vanguardias fueron el último soplo de libertad  y de crítica al sistema. Después de todo aquello lo único que se ha producido es un control del capitalismo que ha amansado cualquier expresión artística integrándola en el mercado. El arte en occidente se ha ido convirtiendo en el refugio de inversores dudosos y en una producción de objetos meramente inofensivos.

En el antiguo telón de acero se resumía en el culto al líder y al sistema dictatorial de una cúpula que su único interés era mantener el poder como fuese. En ambos bandos la actitud del poder fue la de eliminar cualquier pensamiento crítico. Hablar de lo banal en el arte contemporáneo es hablar de una generalidad de la producción artística.

Nercado del arte

En el mercado del arte, el filtro es atroz para que nada se les cuele bajo los focos, por lo tanto el poder como siempre ha hecho, ha sometido a las supuestas elites culturales a aceptar sus normas. Podemos sugerir que la ideología triunfante es la estupidez, a la que prestigiosos pensadores le dedican reflexiones sobre la misma y el arte contemporáneo. La estupidez como forma de vivir aletargado.

Uno de los aspectos más enigmáticos del arte contemporáneo es su estupidez. Un punto de partida, sugerido por los análisis de Foucault, Deleuze, Barthes, Bataille, Rosset y Baudrillard, consiste en evitar oponer la estupidez a la inteligencia. La inteligencia no puede dar cuenta de la estupidez. (1)

La estupidez es la expresión simple del idiota que se ha instalado en la masa como la adoración diaria de todo aquello que llaman cool. Es cool todo lo que se incita a poseer o imitar para tener el éxito social, que nos haga entrar en el bienestar económico y nos aleje de un origen humilde que queremos borrar.

La estupidez, la necedad, son lo no-pensado del pensamiento, su parte maldita, su dimensión heterológica. La palabra idiota recoge este sentido, es, al decir de Rosset, aquello “simple, particular, único”, incapaz de reflejarse en el espejo de la inteligencia, de duplicarse en el espacio de lo categorial.

La estupidez carece de doble en el espacio especulativo, como un vampiro, no conoce el estadio del espejo. Impotencia de la inteligencia, en un gesto desesperado, no hará más que reducir, tramposamente, la idiocia  de la estupidez al error, a la falsedad, condenándola sin siquiera haberla visto directamente a los ojos. (2)

Por lo tanto es fácil que triunfe la estupidez, en una sociedad en la cual se oculta el conocimiento y que los contenidos televisivos sirven para alienar a las masas. De nada ha servido la crítica de Nam June Paik al medio televisivo, de la misma forma que de nada sirvió el diario de la guerra (Kriegsfibel, 1955) de Bertolt Brecht para concienciar de los horrores de la Segunda Guerra Mundial.

La poca visibilidad de ambos mensajes y lo alejados que se encontraban del interés de la población por sobrevivir día a día los han hecho invisibles. Por lo tanto el triunfo del mercado de las artes decorativas y la eliminación de cualquier tipo de pensamiento crítico son las características principales del mercado del arte en la actualidad. Todo se puede vender e integrar en el sistema, sólo hay que convertirlo en un objeto de consumo.

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(1) – (2) http://www.henciclopedia.org.uy/autores/FGimenez/EroticaBanalidad.htm

Gabriele Basilico

Gabriele Basilico ©, Milan, 1978

Gabrielle Basilico (Milán, 1944-2013) es uno de los fotógrafos más importantes y que mejor interpreta la iconografía de las ciudades y la narrativa de los espacios. Muy conocido en nuestro país debido a su abundante actividad expositiva, su trabajo representa su visión personal sobre los espacios construidos, habitados y destruidos por el hombre.

Es el Atget de finales de siglo XX y comienzos del siglo XXI. Tenemos la suerte de disfrutar de una gran retrospectiva de su obra en la Fundación ICO. Como viene siendo habitual las exposiciones de esta fundación suelen ser una referencia muy importante del festival PHE, desde la última década viendo siendo así y esperemos que continue.

Esta exposición comisariada por Ramón Esparza, nos permite disfrutar de la obra de Basilico en su conjunto. Hay un interesante extracto del documental realizado por Amos Guitai en el que Gabriele Basilico nos habla de su forma de trabajar, de su obra, de su relación con la luz y el entorno que dificulta siempre obtener un punto de vista preciso.

Ritratti di Fabbriche, Beirut, la Mission Datar y Giovanni Battista Piranesi 

Sus explicaciones sobre la interpretación de los grabados de Giovanni Battista Piranesi y el contraste de estos con sus fotografías contribuyen a entender la obra del gran arquitecto y arqueólogo italiano del siglo XVIII.

Su trabajo técnicamente perfecto y rico en el uso magistral de la perspectiva, refleja en ocasiones la arquitectura olvidada de las ciudades, y a través de sus fotografías adquieren un valor arqueológico incrementado.

Esas huellas que el hombre va marginando por la costumbre y el uso cotidiano de los espacios, y que han perdido importancia con el tiempo, resucitan y adquieren un nuevo interés gracias a la mirada de Basilico.

La exposición transita por los grandes proyectos de Basilico, desde los Ritratti di Fabbriche, Beirut, la Mission Datar y su visión diversas ciudades. El trabajo sobre los restos de la guerra en Beirut en el año 1991 reflejan el silencio y las huellas de la destrucción de la ciudad.

Sus imágenes son gritos silenciosos que expresan todo ese horror sufrido por una ciudad maravillosa que mira al Mediterráneo, y destruida por los intereses de todos aquellos que les incomodaba un Libano tolerante y próspero.

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

Hay que ser muy técnico para fotografiar la arquitectura, pero Basilico sabe descubrir el alma de los edificios, las ausencias, y el punto exacto, en el cual una perspectiva concreta dota de un nuevo significado a esas moles de cemento, cristal y acero, que conforman la piel de las ciudades y su definición colectiva.

El catálogo de la exposición cuidadosamente editado es una publicación que debemos tener como una referencia importante de este autor. Podemos disfrutar de esta exposición hasta el próximo 10 de septiembre.

© Archivo de Gabriele Basilico di Giovana Calvenzi

Anders Petersen

Anders Petersen © Café Lehmitz

Anders Petersen (1944, Solna, Suecia) expone en esta edición de PHE su mítico trabajo Café Lehmitz, realizado en Hamburgo durante el periodo 1967-1970. Esta exposición comisariada por Alberto García Alix que forma parte de su <<Carta Blanca>> y constituyen conjuntamente con la exposición de Gabriele Basilico en la Fundación ICO la parte más relevante del festival.

En general, se aborda la fotografía documental desde el punto de vista del fotógrafo como un testigo de algo que ocurre y queremos mostrar. Petersen no ejerce de un simple testigo frío, sino que su integración en la sociedad de Café Lehmitz le convierte en uno de ellos.

Se mueve como un integrante más de ese colectivo, y sus imágenes realizadas desde el afecto otorgan a sus personajes esa dignidad que los aleja de la sordidez de lo marginal, que suele provocar el escándalo de los espectadores más conservadores y simples.

Petersen actúa de forma completamente diferente, y por eso sus fotografías nos transmiten esa intensidad emocional de la cual carecen otros trabajos de la misma temática realizados por otros fotógrafos. Sus copias de contacto, ampliadas una a una y publicadas en un libro que se puede ver en la exposición,

forman otra obra diferente que se aleja de la obra original, pero que es igualmente atractiva e interesante. Es una exposición imprescindible que no podemos dejar de ver varias veces.

Anders Petersen © Café Lehmitz

Antoine D’ Agata, la bestialidad

Antoine D’ Agata ©

Antoine D’ Agata

En este mundo sólo la mentira es obscena. La bestialidad como último espacio de libertad, último baluarte contra la virtualidad creciente de lo real. La anestesia de los sentidos, la lógica de una sociedad que designa los objetos y los seres como consumibles, la gestión brutal y la eliminación continua de amplias capas de poblaciones marginalizadas que llevan a las comunidades no productivas al rango de desecho social.

Mecanismos invisibles de una crueldad endémica, innombrable, que devora el mundo y elimina sistemáticamente a los individuos identificados como excedentarios por las lógicas que ordenan los flujos del beneficio. Tabú consensual del genocidio económico contemporáneo, invisibilidad de la organización de producción y consumo sobre la que descansa la democracia liberal.

Formas crueles de alienación social y económica: los individuos se exponen a aceptar que su existencia no tiene ningún valor, que ya no están enfrentados al orden de las cosas sino identificados con él. Reinvención continua de nuevas formas de esclavitud y supervivencia a través de la liquidación de la propia vida.

Coreografía incestuosa y asesina de la locura geométrica del mundo, que atestigua la determinación con que los hombres emprenden la aniquilación de los hombres. Ya no hay espíritu, ni alma, ni lógica, ni sueño, vigilia, sueños, fe o sentimientos.

Ni comienzo ni fin, ni causa ni efecto, tan sólo la ausencia y la exposición en un exterior sobre el que pensamiento no puede tener incidencia.

Disolución del contacto, del consenso, fin del hastío en el vértigo epidémico del vicio como principio de vida, de conocimiento y resistencia.

Imágenes virales matriz del caos que hace de mi devenir un devenir común, reproduzco el mal, lo propago, lo figuro de anonimato en anonimato, de un cuerpo a otro, para sobrevivir al desastre de la vida.

Este es unos de los textos que podemos ver en la exposición de Antoine D’ Agata, está impreso en el poster que los visitantes se pueden llevar. Es una declaración de intenciones por la cual pone en contexto su trabajo y ese cabalgar sin rumbo hacia ninguna parte.

Vivimos en sociedades injustas en las cuales las vidas de las personas no valen nada. Se altera el precio de los alimentos creando hambrunas y la industria de la guerra obtiene grandes beneficios gracias a los conflictos que provocan las grandes potencias. Pero nos escandalizamos con escenas de sexo explícito sin preguntarnos por qué el autor ha elegido ese camino.

Las censuramos y salimos escandalizados de la exposición. Esa es la forma de actuar de una gran mayoría. No miramos a los que nos rodea ni nos inmutamos por las injusticias cotidianas que suceden a escasos metros de distancia. El mundo está dominado por la codicia y la vida no vale nada, el poder se sustenta en una base amplia de sumisos y difamadores dispuestos a todo.

Allí donde otros proponen obras yo no pretendo
otra cosa que mostrar mi espíritu.
La vida es un consumirse en preguntas.
No concibo la obra como separada de la vida.
No amo la creación separada. No concibo tampoco
el espíritu separado de sí mismo. Cada una
de mis obras, cada uno de los planes de mí mismo,
cada una de las floraciones heladas de mi
vida interior echa su baba sobre mí.

Antonin Artaud
El ombligo de los limbos

Laura Carrascosa

Laura Carrascosa Recuero © De la serie Vacío

Laura Carrascosa (1978, Guadalajara) es una artista multidisciplinar que emplea la fotografía, el vídeo y la performance para la realización de sus obras. Su trabajo se puede definir como conceptual y se presenta a través de la realización de unas imágenes muy atractivas que rápidamente captan al atención del espectador. Tanto las imágenes como los vídeos nos seducen y siempre nos quedamos con el deseo de ver más. Sus obras hacen reconocible su trabajo muy fácilmente, con suma facilidad Laura Carrascosa ha creado un estilo propio. Su primer proyecto “Vacío / Void” (2014) se expuso en Madrid en 2015 y se compone de 35 fotografías y una vídeo performance.
Laura nos habla sus obras en los siguientes términos:
Vacío, actualmente figura, entre otras definiciones, como “Falto de contenido físico o mental “en el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, pero en la actualidad están surgiendo otras descripciones entorno a ella vinculadas al consumismo, perfección, placer y  anulación del esfuerzo valor de lo inmediato. Del mismo modo, según algunos investigadores, está relacionada con fobias y enfermedades como los trastornos de alimentación presentes en nuestra sociedad. El proyecto “Vacío” nace a partir de una experiencia vinculada a diversos de estos roles/factores sociales existentes, teniendo la necesidad de crear este proyecto en un lavadero, lugar donde las mujeres podían hablar con libertad y manifestarse como eran realmente. La finalidad de “Vacío” es generar en el espectador lo que es, un sentimiento de perdida, desorientación, caos, desequilibrio, equilibrio y finalmente de superación.
La primera exposición de Vacío se hizo en el lavadero público de Val de San García (Guadalajara). Para la artista es importante haber realizado la primera exposición en el lugar donde se gestó el proyecto.

El proyecto “¿Qué lugar ocupo yo?” (2015) lo he querido basar en el poema: “Un señor maduro, con una oreja verde”. Gianni Rodari. En él hago referencia al sistema educativo actual, sistema que no trata la individualidad, sino la masa, olvidando el cultivo y desarrollo de la creatividad, de la curiosidad y valores tan importantes como la empatía, el trabajo en equipo ..etc, en definitiva, el respeto a las diferencias individuales como factor enriquecedor de la sociedad.
El niño/a continua, en hogares y escuelas, siendo un sujeto pasivo, que debe alcanzar de igual manera, unos conocimientos, que no son fundamentados desde su investigación y descubrimiento, sino que son dados magistralmente para una memorización que quedará en el olvido, al no ser aprendizaje significativo. La educación es un reflejo de la sociedad actual, una sociedad mayoritariamente competitiva, egoísta, que no tiene en cuenta los sentimientos ni emociones que los actos producen sobre los demás.
La serie ¿Qué lugar ocupo yo? se compone de 11 fotografías de color y una vídeo performance.

Rumores (2016) es una obra que nos habla de la difamación y de las etiquetas que nos ponen en el ámbito social. Se compone de 20 fotografías de color y una vídeo performance. Es una artista que tendremos que tener muy en cuenta en los próximos años. En este enlace podréis ver vídeos de estos trabajos.

Laura Carrascosa Recuero © de la serie ¿Qué lugar ocupo yo?

Laura Carrascosa Recuero © 2016, de la serie Rumores

Roger Ballen en Camara Oscura

Roger Ballen © Cortesía Galería Camara Oscura Madrid

Roger Ballen (1950, NY) expone en la galería Camara Oscura de Madrid lo que podemos considerar una pequeña restrosceptiva de su trabajoy hasta el 29 de julio podremos disfrutar de esta magnifica exposición; quizás sea una de las más importantes del Festival Off de PHE y candidata a merecer el premio a la mejor exposición de este año. Una expsosición que debemos anotar en nuestra agenda como imprescindible. Hace unos años tuvimos la suerte de recibir una clase magistral de este artista en el Centro de Arte de Alcobendas, tanto los alumnos de PIC.A como las personas que estuvieron presentes recordaran esa conferencia.

“Introspective” será la primera exposición antológica de Roger Ballen en Madrid. En este proyecto hemos querido seleccionar tres de sus series más icónicas -”Outland, “Shadow Chamber” y la más reciente “Boarding House”- para crear un recorrido alucinatorio y enigmático por una de las miradas más personales y singulares de la fotografía contemporánea. Ballen ha planteado a lo largo de su carrera lo que podríamos llamar un viaje de descubrimiento en el que abandonamos nuestro yo más cotidiano para enfrentarnos a con la parte más primitiva de la condición humana y de nuestra psique.

El viaje comienza con “Outland”, la culminación de más de veinte años de trabajo fotográfico. Imágenes pertenecientes al territorio de la ficción donde sus protagonistas son participantes activos del drama de su propia representación.

Este viaje continúa en “Shadow Chamber” por los recovecos de escenas donde la poética, el simbolismo, y la decadencia del objeto se sitúan en el centro de la narración. Ballen busca escenarios inquietantes y claustrofóbicos para acercarnos a su historia. El humor, la intriga, el caos, la suciedad, y la belleza batallan y nos fascinan o nos repugnan en un teatro sin espectadores donde convive el azar y la composición meticulosa de mundos distantes e invisibles.

Por último, nuestro viaje finaliza en “Boarding House” donde tanto los seres humanos como los animales aparecen aislados, extraños y perdidos, pero al mismo tiempo dotados de una gran fuerza. Supervivencia, alienación, y una cierta rendija abierta a la esperanza.

Pilar Pequeño – PHE 2017

Pilar Pequeño © Huellas, Terraza del Mar Menor

Pilar Pequeño © Huellas, Terraza del Mar Menor

Pilar Pequeño (Madrid, 1944) acaba de presentar su libro Huellas y expondrá dicho trabajo a partir del jueves 25 de mayo, a las 20h en la Galería Marita Segovia de Madrid. Esta exposición esta dentro del Festival Off de PHE 2017. Huellas es una trabajo de nos habla del paso del tiempo, dos lugares distantes y fotografiados en diferentes épocas nos reflejan los cambios que el tiempo y la mano del hombre han producido en dichos lugares. Dos edificios abandonados son los protagonistas de esta historia. Pilar Pequeño se ha adentrado con sigilo y con toda la sensibilidad que ella posee ha sido capaz de acercar al espectador estas atmósferas tan distintas. Lo efímero esta presente en cada una de sus fotografías.

Reproduzco a continuación dos extractos de los textos que aparecen en su libro.

Tiempo de ruinas

La diferencia entre la ruina y el escombro es la memoria. La vida que albergó ayer lo que hoy solo es piedra; estas paredes que ya no protegen a nadie ni a nada fueron colegio, casa, universidad, campo de concentración, albergaron no solo a personas, a niños, a hombres, sino a sus sueños y a sus miedos. 

Rosa Olivares

La poética de la luz

Huellas es un relato visual sobre la poética del paso del tiempo. En él confluyen avatares de dos recorridos. Dos escenarios que se funden en una única narración íntima y personal. El Baixo Miño y, en el otro extremo geográfico, el Mediterráneo del Mar Menor.

Un profundo y conmovedor diálogo con dos edificios que van muriendo lentamente. Transformación del fin en un nuevo comienzo. La pérdida como enriquecimiento. Suma de historias acumuladas entre sus paredes. El alba sucediendo a la noche.

María Teresa Gutiérrez Barranco

Huellas es un libro distribuido por La Fábrica. Es una nueva oportunidad para ver la obra de Pilar Pequeño y disfrutar de toda esa sensibilidad que ella transmite en sus fotografías.

Pilar Pequeño © Huellas, palmera del Mar Menor, 2000

Pilar Pequeño © Huellas, palmera del Mar Menor, 2000

Pilar Pequeño © Huellas, Iglesia Paxase Baixo Mintildeo, 2012

Pilar Pequeño © Huellas, Iglesia Paxase Baixo Mintildeo, 2012

PIlar Pequeño ©, barcas Paxase Baixo Mintildeo, 2003

PIlar Pequeño ©, barcas Paxase Baixo Mintildeo, 2003

Huir De La Farsa

Rafael Roa © 1990 Polaroid SX-70, Dino

Rafael Roa © 1990 Polaroid SX-70, Dino

Huir de la mediocre bacanal de las apariencias a la velocidad del rayo, como si se tratase de la llegada inminente de la peste bubónica. Alejarse de ese festín exhibicionista de los diletantes y defender a toda costa tu espacio y tu tiempo. El tiempo, ese gran tesoro fungible e irreversible, como el acto fotográfico que los autómatas realizan sin pensar. Lo efímero como gran tesoro y el silencio en contraposición a las estupideces.

Alejarse de esa fauna tóxica de delatores, cobardes y mediocres que se ocultan en la difamación de la denuncia anónima. La selva de las redes sociales en la cual todos estos sujetos intentar obtener la atención que su escasa capacidad intelectual merece.

La ausencia de noticias es una bendición para el disfrute intenso del día. Sumergirse en los libros y en el desarrollo de las ideas y disfrutar de aquellas personas que me estimulan y me enriquecen. No tengo tiempo que perder y tengo muy claro qué hacer con mi tiempo.

 El poeta Caballero Bonald me indica el camino <<somos el tiempo que nos queda>>. No quiero sentir miradas que no quiera ver, ni palabras que no quiera oír o leer. Entiendo perfectamente a aquellos que pueden alejarse del circo de las relaciones y las grandes ciudades, y observo la mirada llena de paz de Robert Frank en su casa de campo; la expresión en sus ojos se debe adquirir cuando uno deja de estar hostigado por ese infinito ejército de histriones.

Liberarse de servidumbres inservibles y disfrutar de todo aquello que me enriquece y me hace feliz. Ese es el camino.

La Egolatría Y La Ética Del Trabajo

Lewis Baltz ©

Lewis Baltz ©

Vivimos unos tiempos en que los que quieren tener éxito o creen haberlo alcanzado proclaman a los cuatro vientos que ellos emplean un 70% de su tiempo en vender lo que hacen y un 30% a producirlo. Todo se basa en el marketing salvaje del humo que venden y tiene esa inspiración del nazismo con esa frase de Göbbels: <<una mentira repetida mil veces se convierte en verdad>>.

Venderse al precio que sea, ocultar nuestra ignorancia y aparentar que lo sabemos todo y que cualquier cosa que producimos es tendencia y vanguardia. No hay espíritu de autocrítica, todo lo que hacen vale, y generalmente este tipo de sujetos se toman cualquier crítica ya sea en un periodo de aprendizaje o posterior como una afrenta personal. Sobre todo lo importante es ocultar sus carencias, seguir aparentando que son expertos en aquello que desconocen y mantener su comportamiento ególatra como escudo para ocultar su ignorancia. Estas actitudes de las masas posmodernas que se agrupan en torno a las modas imperantes y a las etiquetas del momento tienen éxito en todos aquellos individuos que aspiran a conseguir un cierto status en la actividad a la que se dediquen con la ausencia del esfuerzo y la ética del trabajo. El peligro de estas actitudes es el contagio masivo que producen, cuyo dios se encuentra en ese rincón del vago, del cual extraer cuatro frases de moda para aparentar que saben algo. Si esto les falla les queda el plagio, buscar algún autor que pudo haber hecho algo rompedor hace cuarenta años y con un par de retoques adaptarlo como si fuese una idea original. Todos estos comportamientos son consecuencia directa de la corrupción generalizada existente en el planeta, la economía de la especulación que altera el precio de las cosas sin haberse producido transacciones reales. Se premia el pillaje, a los impostores y los asaltantes que se ocultan sigilosamente en cualquier lugar. Los ególatras se pasean con la altivez que oculta su ignorancia, como modelos efímeros en una pasarela de patéticos personajes.

He elegido para ilustrar este post dos imágenes de Lewis Baltz, un gran artista del cual podréis disfrutar en la Fundación Mapfre de Madrid hasta el mes de junio.

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust

Lewis Baltz Monterey, de la serie The Prototype Works, 1967 Copia en gelatina de plata 20 x 25,2 cm Galerie Thomas Zander, Colonia ©The Lewis Baltz Trust