From the monthly archives: "agosto 2016"
© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Hoy he tenido la oportunidad de ver el último libro de Gregory Crewdson Cathedral of The Pines (2013-2014). Dicho trabajo fue expuesto en la la Gagosian Gallery de NY durante el primer trimestre de este año. Este es su nuevo trabajo después de 5 años, que ha realizado en un contexto de rupturas personales y profesionales. La obra se ha realizado en Becket (Massachusetts). La producción se ha realizado en tres tandas de trabajo de cuatro semanas cada una. Hay mucho trabajo de pre-producción y post-producción en sus series que superan ampliamente los periodos de las tomas.

Aislarse para renacer de nuevo es en la mayoría de las ocasiones la mejor forma para poder volver a crear de nuevo. Da igual si este trabajo de Crewdson está influenciado por la pintura europea y americana del siglo XIX, según la critica, es sólo una anécdota del mundo del arte. Lo importante para mi es que sus obras se corresponden con su estilo estético y narrativo que ha hecho de este fotógrafo un artista reconocible a simple vista. Es un trabajo muy poético lleno de soledades y abandono, de huidas y reflexiones interiores, que son acompañados estéticamente por una luz fría de invierno, que transmiten silencios profundos al espectador.

El tamaño de cada imagen enmarcada es de 114,5×146, 2 cm y realiza una serie de 3 obras por imagen más 2 pruebas de autor. El libro tiene un tamaño aproximado de 40x31cm y su precio en librerías es de 70€. Una edición muy cuidada y con una excelente reproducción.

Entrevista con Gregory Crewdson en BLOUINARTINFO

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

© Gregory Crewdson. Courtesy of Gagosian Gallery, Cathedral of The Pines

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio es una joven artista mexicana que actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México y el norte de México; estudió la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación con especialización en periodismo en la U.N.A.M., de la F.C.P y S., y la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica por la UAM-X. La Ira De La Devoción es su último trabajo y ha sido comisariado por el prestigioso fotógrafo Alfredo de Stefano.

Esta obra es una expresión personal de los traumas y relaciones familiares de la autora, el psicoanálisis y las metáforas visuales conviven y estructuran la narrativa de la obra. La fotografía refleja la síntesis de los que son sus autores, su vida, cultura y experiencias personales. Liza nos habla de su obra en los siguientes términos: “En La Ira De La Devoción los traumas familiares se heredan a través de la sangre, ese acto se concreta en la relación entre ellos y no solo se manifiesta en el lastimarse si no también en el auto desprecio. Hablo de la epigenética, un concepto de la Biología y la Psicología que esta serie pretende construir a partir de dos conexiones: La depresión de lo que significa para mi lo familiar y mi relación con lo maternal. Entorno sagrado para la mayoría de los latinos y hebreos que ejerce una figura de devoción difícilmente quebrantable por su relación cultural y casi simbiótica con la religión, pero que es también el disfraz de seres con tremendo poder sobre los sentimientos, que con frecuencia saben herir las almas de sus hijos desde una economía del no decir, una hipocresía del no estar, pero estar, una sobreactuación en el vivir y una solemnidad en el hablar, lo que no hay que hablar.

El personaje de la madre actúa para mi como un monstruo real y simbólico, que nunca se deja ver por completo, pero que tiene su raíz en el terror autoritario que ejerce mi abuelo sobre mi madre. Piezas articuladas que se encuentran en mi exposición conformada como una especie de diario psicoanalítico de mi relación con mi progenitora, donde conviven imágenes fotográficas, dibujos, y frases que alimentan a la maternidad como esa relación desencantada y perversa, más allá de la poesía idílica de su interpretación.”

Hay una mezcla estética que convive en la obra de Liza Ambrossio, unas imágenes inquietantes con otras del archivo familiar o fotografías de partes de pinturas que se incorporan a la narración. La post-producción digital esta muy presente en algunas de las imágenes. Lo heterogéneo de la estética enriquece el producto final. La obra de Ambrosio ha sido expuesta en México y Latinoamérica y esta serie ya producida se encuentra preparada para ser expuesta en Europa. Sería la primera vez que podríamos disfrutar del trabajo de esta joven artista mejicana. En su web podéis explorar con profundidad su obra.

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

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Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Ambrotype in case, portrait of girl, Ann Plummer, metal, glass, wood, leather, textile, photographed by Mr Iby, Linonee, New South Wales, Australia (Interior)

Ambrotype in case, portrait of girl, Ann Plummer, metal, glass, wood, leather, textile, photographed by Mr Iby, Linonee, New South Wales, Australia (Interior)

Desde su nacimiento, la fotografía ha producido apasionados debates sobre el uso, y definiciones de la misma. Su desarrollo técnico ha ido acompañado de cambios estéticos y narrativos, ampliando sus formas de uso. Los planteamientos de Paul Valéry sobre las transformaciones de las técnicas de las artes, son extrapolables a lo que está sucediendo ahora. Quizás estos nuevos usos de la herramienta nos permiten abrir nuevas reflexiones sobre su significado y lenguaje y como estos han afectado a su relación con el receptor. Creo que el profundo estudio de todas las reflexiones que se han hecho hasta la fecha sobre la fotografía nos aportan una perspectiva diferente y más amplia para abordar los planteamientos sobre el uso de la herramienta en la actualidad. Cada persona usa la fotografía desde puntos de partida diferentes. Unos como mero divertimento y otros como forma de expresión artística. El eterno debate de la fotografía-arte fotografía-sin arte. Entre esos polos opuestos se encuentran muchos otros usos que son definidos por aquel que coge una cámara o cualquier herramienta que capture imágenes.

Podemos abordar la racionalidad del acto fotográfico frente al dedo como instrumento masturbador de la cámara, como lo definió Cartier Bresson. La mitología de que la fotografía representa “lo real” se desmonta fácilmente. Recurrimos a Panofsky para demostrar que la perspectiva no es un medio neutro que nos permita restituir la realidad, toda la realidad. El momento decisivo frente a la fotografía fabricada, el fotógrafo cazador frente al creador de imágenes que sólo existen en su interior y son producidas con posterioridad. La puesta en escena en contraposición a la fotografía que refleja las huellas. Un fotógrafo que profundice en las áreas del pensamiento, crítica, estética y análisis de la herramienta tomará un camino diferente frente a aquellos que no usan la herramienta de una forma reflexiva. La ficción versus la huella de lo real, significados, narrativas, estéticas e interpretaciones de los receptores de las imágenes, un mundo apasionante en el cual profundizar para que con estos conocimientos podamos establecer nuestro punto de partida en el uso de la herramienta.

¿Hacia dónde va la fotografía?

Taller De Iniciación A La Estética De La Fotografía 10-11 de Septiembre

 

Wu Tien-chang ©

Wu Tien-chang ©

Jorge Molder © Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder ©
Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Shanghái, China, 1948 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Shanghái, China, 1948
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

André Gelpke © 2013 Waiting for the miracle

André Gelpke © 2013 de la serie Waiting for the miracle

André Gelpke (1947, Beienrode, Alemania) es uno de los fotógrafos alemanes más destacados de la última parte del siglo XX. Fue alumno de Otto Steinert desde 1969 a 1975. En 1975 funda con Rudi Meiser y Gerd Ludwig la agencia Visum. En 1979 abandona la agencia por el conflicto entre la fotografía comercial y la de autor dedicándose al desarrollo de su propia obra. Posteriormente fue profesor en la Escuela Técnica Superior de Dortmund. Se instala en Suiza desde 1989 y es profesor en la Universidad de Zurich hasta el 2012. Durante todos estos años desarrolla su obra personal.

La fotografía no reproduce la realidad. La obra de André Gelpke se presenta como una fotografía realista cuando no lo es. Gelpke afirma que: “la seudo apariencia de sus imágenes realistas cuestionan su propia realidad”. “La realidad, condicionada por la distancia del acontecimiento, por la oleada de esas imágenes de crueldad, se convierte en ficción.” La fotografía es el arte de lo imaginario, es un mero fragmento aislado de algo que se produce delante de nosotros y que se interpreta por la mirada subjetiva del fotógrafo, y que necesita una descodificación imaginaria por parte del espectador. En el fondo en la obra de Gelpke subyace una crítica al mundo real a través de una estética de la ficción, con la intención de cambiar una realidad por otra.

Sus imágenes atrapan al espectador y lo sumergen en un interrogante continuo de las obras que nos ofrece. Nos muestra una visión personal de todo aquello que le inquieta y obsesiona. Es uno de esos autores que nos muestran imágenes con un significado diferente a la mirada de lo cotidiano que estamos acostumbrados a digerir. Esa ficción de su obra quizás sea la mejor forma de comprender la realidad. Gelpke no tiene nada que ver con la Escuela de Dusseldorf, ni con el gigantismo de sus obras ni la especulación comercial de las mismas. Es un fotógrafo lleno de preguntas que lanza al espectador. Por eso su obra es tan interesante y nos atrapa alejándonos de la fotografía comercial triunfante en las bienales de arte. La obra de André Gelpke tiene como base el pensamiento, la reflexión y todas las emociones internas que este artista trata de compartir con nosotros.

André Gelpke © 2002- 2005 de la serie Allesanet

André Gelpke © 2002- 2005
de la serie Allesanet

André Gelpke © 1972-1979, de la serie Fluchtgedanken

André Gelpke © 1972-1979, de la serie Fluchtgedanken

André Gelpké © 1980 -2010 de la serie In Germany

André Gelpké © 1980 -2010
de la serie In Germany

André Gelpke © 1988-1997 de la serie Father, mother, children

André Gelpke © 1988-1997 de la serie Father, mother, children

Hemut Newton © Jo Champa 1988,

Helmut Newton Foundation © Jo Champa 1988,

Helmut Newton (1920, Berlin – 2004, LA) ha sido uno de los grandes fotógrafos de los últimos cuarenta años. No sólo por sus trabajos de moda, sino por el sello personal que supo imprimir a sus fotografías, no diferenciando entre su trabajo comercial y su obra personal. Un autor que ha impuesto su estilo y estética personal en un mundo tan complejo como el de la fotografía de moda. Un referente para generaciones posteriores.

Pero no quiero hablar de la calidad fotográfica de Newton, y si de la forma de enfrentar el desnudo, de mostrar el deseo y la transgresión, con un glamour que lo hacía digerible a toda la burguesía adinerada. Newton consiguió eso, quitar la caspa ultraconservadora a las castas de los asquerosamente ricos y hacerlos sentirse con un toque moderno y transgresor. Hasta las más extremistas feministas en algún momento se han rendido a Newton, o han aceptado a sus modelos, a cuatro patas y con una silla de montar en la espalda. Creó un estándar de mujer perfecta, alta, fuerte escultural, de proporciones exactas, para ser deseadas a través de sus fotografías. Este tipo de mujeres y sus posiciones, en general de dominio, eran un sello que ha identificado sus obras durante toda su carrera.

El museo Foam De Amsterdam le dedica una retrospectiva que podremos ver hasta el próximo 4 de septiembre, una gran ocasión para visitar esa ciudad y ver la obra de este artista.

Helmut Newton Foundation © Sigourney Weaver Vanity Fair, 1995

Helmut Newton Foundation © Sigourney Weaver
Vanity Fair, 1995

Helmut Newton Foundation © 1981 Selfportrait with Alice Springs and model

Helmut Newton Foundation © 1981 Selfportrait with Alice Springs and model

Helmut Newton Foundation © 1976 Catherine Deneuve

Helmut Newton Foundation © 1976 Catherine Deneuve