From the monthly archives: "febrero 2014"
Rafael Roa © 2014 dead skin 3, Sony Alpha 99

Rafael Roa © 2014
dead skin 3,
Sony Alpha 99

Fotografiar la vida, los sueños, lo cotidiano o explorar la profundidad de los surcos que se quedan en nuestra piel. El cuerpo transformado por el tiempo, los rostros se modifican hasta no hacerse reconocibles. En definitiva lo efímero de nuestra existencia marca el ritmo de nuestra vida. Buscar ese sentido individual a cada día y materializarlo en imágenes como expresión de uno mismo.
Cada uno debe aprender a usar la cámara para expresarse o ser un autómata irracional que aprieta ese botón que captura todo lo que tiene delante. A mi no me interesan para nada todos aquellos que pertenecen al segundo grupo que en alguna ocasión los he definido como “mono-captadores” por ese uso irracional de la herramienta.
Materializar una idea, o un sueño, y tener la necesidad de compartir una realidad que nos abofetea el rostro. Puedo decir que estos son los parámetros en los que me muevo para fotografiar.
La relación con el medio se transforma con el paso de los años, no es la misma en los años de aprendizaje que cuando has recorrido ya un buen trecho del camino. La prisa es siempre algo negativo, pero mucha gente cuando les hablas de la calma, de la reflexión o la serenidad para afrontar este viaje lo consideran como algo negativo y piensan que les estás boicoteando su autopista hacia el éxito.
No se debe perder un segundo más con ese tipo de sujetos, si ellos disfrutan con los “trucos”, las modas, o piensan que la postproducción digital es más importante que la toma pues allá ellos. Cada uno debe afrontar su propio viaje como considere más oportuno, yo prefiero una forma lenta y reflexiva de expresarme, es lo que he aprendido de los grandes maestros y creo que es la forma más beneficiosa e intima con el medio y el resultado final.

Rafael Roa © 2013 Shadow in a blue suit

Rafael Roa © 2013
Shadow in a blue suit

Pierre Gonnord ©

Pierre Gonnord ©

Pierre Gonnord (Cholet, Francia, 1963) vive y reside en Madrid desde 1988. Fotógrafo autodidacta, a finales de 1998 comienza su proyecto sobre el rostro humano. Impartirá un taller en PIC.A los días 25 y 26 de febrero, con una masterclass especial para los alumnos de la escuela el martes 25. El taller se repetirá los días 13 y 18 de marzo. Con una estética basada en el barroco, su trabajo es inconfundible también debido a la especial selección de los personajes que fotografía. Su obra ha sido expuesta en galerías y museos de todo el mundo.

Pierre Gonnord ©

Pierre Gonnord ©

 

Pierre Gonnord ©

Pierre Gonnord ©

 

Bruce Gilden © Postcards from America

Bruce Gilden © Postcards from America

Bruce Gilden (1946, Nueva York) es un fotógrafo especializado en fotografía documental y miembro de Magnum de pleno derecho desde 1998. Se crío en Brooklyn y ha realizado un gran trabajo sobre este barrio y sobre toda la ciudad de Nueva York. Su primer trabajo lo realizó en 1986 sobre Coney Island, la famosa playa de Brooklyn.
Bruce Gilden habla de su trabajo de esta forma: “Soy conocido por tomar fotografías de cerca, cuanto más viejo me hago más me acerco para fotografiar”.
El ensayo sobre Nueva Orleans corresponde a los primeros años de su carrera. Su ensayo sobre Haiti ganó el Premio Europeo de la Fotografía en 1995. Fancing New York (1992) y A Beautiful Catastrophe (2005) forman parte de sus trabajos más destacados. Como no puede ser de otra manera tiene la influencia de toda la fotografía documental americana de los años ‘50 y ‘60.
Bruce Gilden expondrá los retratos de su ensayo “Postcards From America” en la galería berlinesa Robert Morat desde el 8 de marzo hasta el 10 de mayo.
Sus retratos de esta serie certifican lo que él dice, se acerca cada vez más a los personajes que fotografía ofreciendo al espectador los surcos de los recuerdos de cada persona que incluye en su serie.
Os recomiendo que exploréis su web y su trabajo en Magnum para que podáis tener una visión global de la obra de este fotógrafo.

Bruce Gilden © Milwaukee, Wisconsin. 2013.

Bruce Gilden © Milwaukee, Wisconsin. 2013.

Bruce Gilden ©, Mary, Milwaukee, Wisconsin

Bruce Gilden ©, Mary, Milwaukee, Wisconsin

Bruce Gilden © "Jean at the State Fair, Milwaukee, Wisconsin"

Bruce Gilden © “Jean at the State Fair, Milwaukee, Wisconsin”

Bruce Gilden © Colleen, Milwaukee, Wisconsin

Bruce Gilden © Colleen, Milwaukee, Wisconsin

Dennis Hopper © 1961 Double Standard

Dennis Hopper © 1961
Double Standard

Dennis Hopper (1936, Dodge City, Kansas- 2010, Venice, California) ha sido un actor, cineasta y fotógrafo norteamericano criado en la plenitud de la generación Beat. Dirigió y actuó en una de las películas de culto como Easy Rider (1969) que forman parte de la iconografía cultural de aquellos años. Su carrera es un ejemplo de esas relaciones que se han producido entre el cine, la fotografía y la literatura.
En 1961 gana un primer premio de fotografía en un concurso australiano y en 1964 realiza su primera exposición individual en Primus/David Stuart Gallery de Los Ángeles. En 1963 Henry Geldzalhler le presenta a Andy Warhol con el que colabora en diferentes proyectos.
Su biografía como actor y director de cine es espectacular, pero no menos que la calidad de su trabajo fotográfico que ha quedado en  segundo plano hasta el final de su vida.
Es un ejemplo de artista multidisciplinar influido por toda la explosión artística de los años ’60. Todo este periodo de agitación cultural ha tenido una importancia decisiva en el desarrollo de la fotografía del New Color de los ’80.
La influencia de está corriente fotográfica ha sido muy notable en el cine independiente norteamericano de esas últimas décadas. París, Texas (1984) de Wim Wenders es un claro ejemplo. La actual fotografía contemporánea se inspira estéticamente en el New Color y narrativamente en la pintura de Edward Hopper y en la literatura de la generación Beat.
Dennis Hopper el extravagante fotógrafo de Apocalypse Now (1979) es un miembro más de esa brillante generación de artistas.
Su trabajo fotográfico se inspira en Robert Frank y Gary Winogrand entre otros, y nos ofrece una personal mirada de ese entorno en ebullición. Desde 1961 ha expuesto su obra fotográfica y pictórica con regularidad.

Dennis Hopper © 1965 Durango, Mexico

Dennis Hopper © 1965
Durango, Mexico

Dennis Hopper © 1961 Biker Couple

Dennis Hopper © 1961
Biker Couple

Dennis Hopper © 1961 Bad heart

Dennis Hopper © 1961 Bad heart

Dennis Hopper © 1965 Selma, Alabama. Full employement

Dennis Hopper © 1965 Selma, Alabama. Full employment

Dennis Hopper © 1965 The Byrds

Dennis Hopper © 1965
The Byrds

Dennis Hopper © 1964 Ed Ruscha

Dennis Hopper © 1964
Ed Ruscha

Dennis Hopper © 1964 Irving Blum and Peggy Moffitt

Dennis Hopper © 1964
Irving Blum and Peggy Moffitt

Santiago Sierra © 2008 Los Penetrados, tercer acto: 3 hombres de Raza blanca penetran a 3 mujeres de raza negra.

Santiago Sierra © 2008
Los Penetrados, tercer acto: 3 hombres de Raza blanca penetran a 3 mujeres de raza negra.

Antoni Muntadas en su trabajo On Translation habla del miedo, de la instrumentalización política del mismo para generar la angustia y que las gentes voten políticas más conservadoras.
Así mismo, Muntadas nos habla de la industria del miedo, de la generación del beneficio económico a través de este concepto. Evidentemente como él comenta, nos encontramos es esa situación, el poder del sistema financiero ha trasmitido ese miedo al poder político, que se ha plegado sometiéndose a sus deseos, y de esa forma utilizarlo como generador de esa angustia contra los ciudadanos para que admitan obedientemente el pago del tributo de los fondos públicos al poder económico. En algunos casos ha sido más fácil. El poder político se ha puesto en nómina del poder económico obteniendo el derecho de pernada y la impunidad para el saqueo.
Se trata de adormecer las conciencias generando la inseguridad para acabar con todo intento de rebelión y utilizar la violencia contra los que no se sometan.
Acabar con la reflexión y la crítica al poder, limitar los focos de resistencia, marginar toda sublevación social, intelectual o artística, en definitiva comprar a aquellos que pueden tener una opinión más influyente en la sociedad.
Todas las dictaduras han atacado de una forma u otra a la parte del mundo de la cultura que les era hostil, y han usado a los adeptos como propagandistas del régimen.
El triunfo del mercado, al que no lo acepte se le margina con el olvido, no existe para el sistema, el arte debe ser sólo un objeto decorativo inocente que adorne las mansiones de esos mismos financieros que han creado la inestabilidad y que bajo el concepto del miedo han recuperado la iniciativa y el poder absoluto.
El arte ha perdido su sentido crítico, y a los rebeldes se le cierran las puertas de los grandes museos del país, cuando su trabajo es formalmente reconocido en el exterior.
Santiago Sierra es según mi opinión el más importante exponente de aquellos que representan con su trabajo una rebelión intelectual, él no vende objetos decorativos, sino reflexión y critica contra el poder.
Por eso es necesario traducir ese miedo, y darlo a conocer, esa sensación de inseguridad de que nada sólido quedará bajo nuestros pies, esa angustia que nos transmiten día a día por los medios audiovisuales, y contra las que seguramente Nam June Paik hubiese propuesto acciones de boicoteo.
La rebelión intelectual debe olvidarse de los mercados, de las ferias de arte, y de los lugares donde ellos han creado el zoo para encerrar el pensamiento y la crítica.
Si esto no se produce, la definición de Sloterdijk sobre las masas tendrá cada vez una mayor vigencia, y todos los presagios desde Orwell hasta hoy nos darán la razón.


Los Encargados de Santiago Sierra y Jorge Galindo © 2012