From the monthly archives: "julio 2013"

Tracey Moffatt ©

Tracey Moffatt (Brisbane, 1960) es una artista australiana de origen aborigen, criada en el seno de una familia blanca. Su obra tiene un fuerte contenido autobiográfico y se interesa por las identidades raciales, las relaciones de poder, el sexo y la posición social de la mujer.
Utiliza para su obra la fotografía, la instalación y el cine. Su cortometraje Night Cries(1990) participó en la selección oficial del Festival de Cannes en 1990. En este enlace podréis ver unos trailers del mismo.  Hay un componente de denuncia social, mostrar la marginación de los nativos australianos, la explotación doble, ser mujer y aborigen dentro de la sociedad.

Tracey Moffatt © Something More

En su serie Scarred for Life (1994), se compone de 9 litografías que imitan el diseño de la revista Life. La forma de presentar sus obras es tan importante como el contenido de las mismas que siempre cuestiona las relaciones entre el poder y las minorías. Lo más importante de la obra de Moffatt es que une un contenido de denuncia social con una estética colorista. Quizás ese manejo del color suavice el contenido, pero lo que si tengo claro es que forma parte de un estilo propio muy identificable.
Usar estéticas que podemos denominar contemporáneas no es incompatible con obras que cuestionen cualquier tipo de abuso o injusticia.
Todos los continentes que han sido colonizados han sufrido el exterminio de sus nativos. Nadie olvida los más de 50.000.000 de víctimas producidas por la Inquisición en suramerica, o los exterminios producidos por los británicos en America, y en general por todos los europeos que han colonizado otros territorios. La matanza de indígenas en la Patagonia Argentina a finales del siglo XIX y comienzos del XX es otro ejemplo a tener en cuenta.

Tracey Moffatt ©  ‘Something More (no. 5)’ from the series of 9 photographs ‘Something More’ 1989

Tracey Moffatt ©
‘Something More (no. 5)’
from the series of 9 photographs ‘Something More’
1989

Tracey Moffatt © Scarred for LifeBuscar estéticas personales permite al autor potenciar su obra, convertirse en una marca que se diferencia de todos aquellos que imitan con oportunismo las modas imperantes.
Moffatt tiene un discurso propio, y usa diferentes estéticas y soportes para potenciar lo que quiere decir. Esto es lo más importante, la búsqueda continua, trabajar sobre ideas propias y defender aquello que uno considera justo. La apuesta honesta del autor según mi opinión es la única que sirve, el trabajo de Moffatt es un buen ejemplo de ello. La defensa de una identidad cultural conlleva un posicionamiento político. Los artistas que se encuentran en estas circunstancias usan sus obras para defender aquello que es justo frente a las agresiones del poder. Conjugar estas narrativas en el mercado del arte, que suele ser extremadamente conservador, supone un difícil equilibrio. La construcción de la estética personal en la obra de Moffatt le permite ser fiel a sus contenidos y presentar su trabajo con un estética que seduce al coleccionista.

Tracey Moffatt ©

Irving Penn Spotted Hyena, Prague, 1986  Gelatin silver print, printed 1986 © by The Irving Penn Foundation

Irving Penn
Spotted Hyena, Prague, 1986
Gelatin silver print, printed 1986
© by The Irving Penn Foundation

La galería Hamiltons de Londres expone desde el 19 de junio al 13 de septiembre la serie Cranium Architecture del gran maestro Irving Penn (1917 – 2009). Este trabajo realizado en 1986 recrea la colección de cráneos de animales del Museo Nacional de Praga Narodni.
La fuerza estética y poderosa de las carcasas que contienen la vida, como apostilló Penn en 1989 “Un exquisito edificio de la maquina de vivir”.
Irving Penn comenzó a fotografiar cráneos humanos a finales de los años ’70 siendo su principal obra “Poor Lovers, 1979”. Como siempre la maestría técnica de Penn potencia la estética de sus obras, otorgándolas una rotundidad inapelable.

Los que os encontréis de vacaciones en Londres no os podéis perder esta gran exposición, la mayor realizada hasta la fecha de esta serie.

Hamiltons Gallery

13 Carlos Place 
Londres W1K 2EU Reino Unido 
Tel. +44 (0) 20 74999493/4 
 / Junio-agosto 
Lunes – Viernes 10 a.m.-6 p.m.


www.hamiltonsgallery.com

Irving Penn, Poor Lovers, New York, December 19, 1979, printed October 1980 Copyright The Irving Penn Foundation

Irving Penn,
Poor Lovers, New York, December 19, 1979, printed October 1980
Copyright The Irving Penn Foundation

Irving Penn Warthog, Prague, 1986  Gelatin silver print, printed 1986 © by The Irving Penn Foundation

Irving Penn
Warthog, Prague, 1986
Gelatin silver print, printed 1986
© by The Irving Penn Foundation

Irving Penn Hippopotamus, Prague, 1986  Gelatin silver print, printed 1986 © by The Irving Penn Foundation

Irving Penn
Hippopotamus, Prague, 1986
Gelatin silver print, printed 1986
© by The Irving Penn Foundation

 

 

 

 

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

Sarah Moon es un fotógrafa de origen inglés que vive en Francia y ha desarrollado su carrera profesional en diversos paises del mundo. Su nombre se ha vinculado con las grandes publicaciones del mundo de la moda, siendo una habitual de Vogue en muchas de sus ediciones internacionales. Cacharel o Chanel también han usado sus imágenes para sus publicidades de ropa y accesorios.
Una parte importante del estilo de Sarah Moon ha sido el uso continuo de películas Polaroid, y el tratamiento personal de los positivos para obtener un tipo de fotografías que tuviesen un aspecto de haber pertenecido a tiempos pasados.
Todas estas variables han configurado la estética de Sarah Moon tanto en su trabajo comercial como en su obra. En la actualidad sólo se dedica a la realización de su trabajo personal. No hay diferencia alguna entre las estéticas usadas para sus trabajos de moda y las de su trabajo personal. Sarah Moon es una autora con personalidad propia y sus imágenes son inconfundibles e identificables.
Muchos fotógrafos jóvenes que quieren abrirse camino en el mundo de la fotografía de moda deberían tener como ejemplo a fotógrafos como Sarah Moon. No se trata de imitar las corrientes de éxito, si no de la búsqueda propia de un estilo propio que vaya diferenciando nuestro trabajo del resto.
La metáfora, el misterio, el surrealismo, los sueños, y un determinado tipo de mujer, forman el universo de Sarah Moon, y todas estas características se repiten de una forma constante en su obra.

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

 

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

Sarah Moon ©

 

 

 

Roswell Angier ©
Roswell Angier fotografía el mundo sórdido de los bares de chicas, travestis, y espectáculos eróticos de la denominada Zona de Combate en los años ’50 en Boston, cuando las peleas de los marineros y rockeros eran habituales en la zona.
En los años ’70 esa parte de la ciudad sufrió una transformación y se convirtió en un área de recreo para adultos, con la aparición de cines que proyectaban películas porno, y locales con bailarinas de striptease.
Los fotógrafos como Roswell Angier, Jerry Berndt, o John Goodman reflejaron ese mundo marginal, nocturno, donde las bailarinas, los travestis y los consumidores de esos servicios, eran los protagonistas.

Chesty Morgan, una mujer de grandes pechos de silicona, duros como cemento, desproporcionados, listos para engrandecer los sueños eróticos de los clientes que huyen de sus miserias cotidianas.
Los personajes de Roswell Angier huyen, usan las plumas, las lentejuelas, sus miradas de divas del sexo, de arriba a abajo para esconder todas sus soledades y amarguras.
En la barra son las reinas, y allí abajo sus clientes con un vaso en la mano babean mientras ellas se contorsionan como objetos de sus fantasías sexuales.
Siempre es así, la soledad llena la vida de estos personajes que son objeto de novelas, películas o fotografías. Las historias de mundos marginales son el artículo de consumo de las clases medias conservadoras y patrióticas. Los fotógrafos muestran los cuerpos desnudos de las chicas, las miradas tristes de los travestis, y la frialdad de los consumidores de sexo rápido.
Roswell Angier © 1973 Chesty Morgan, “La Zsa Zsa Gabor de Burlesk
Roswell Angier ©
Roswell Angier © 1973
Roswell Angier ©

Roswell Angier ©

Roswell Angier ©

Roswell Angier ©

 

 

Tian Taiquan © Sacrifice 5
Tian Taiquan (1960, Chongqing) es un fotógrafo que ha realizado un trabajo sobre los guardias rojos y la revolución cultural. Tian Taiquan se inspira en un cementerio donde están las tumbas de más de 500 guardias rojos.
La serie presentada en esta galería tiene dos partes. La primera son una serie de desnudos de guardias rojos, maniatados, torturados y ahogados por toda la iconografía de insignias del partido. Esta es según mi opinión la parte menos interesante de la serie. Los fotomontajes recuerdan los primeros trabajos de la era digital, que chirriaban un poco por su falta de credibilidad técnica.
Supongo que para las costumbres chinas, la exhibición de cuerpos desnudos mostrando el vello púbico puede suponer una cierta transgresión.
La segunda parte la forman las obras de la serie Lost y Sacrifice, que representan los cuerpos vagando por el cementerio. Sigue usando los desnudos, la muerte y la tortura.
Esta parte del trabajo me recuerda a algunos trabajos de la primera época de nuestro desaparecido Jorge Rueda.
Tian Taiquan © Lost 5
El trabajo de este fotógrafo es una narración sobre el eros y tánatos, con el trasfondo de la revolución cultural, y la historia de estos guardias rojos deambulando sobre sus tumbas, como fantasmas del pasado, recordando las ilusiones perdidas.
El erotismo y los cuerpos son utilizados como una forma de transgresión, y unido a la muerte forma el cocktail más utilizado en el mundo del arte.
Tian Taiquan © Totem Recollection No.2
Tian Taiquan © Time

Tian Taiquan © Time

Tian Taiquan © Lost-No.27

Tian Taiquan © Lost-No.27

Tian Taiquan © Sacrifice No 25

Tian Taiquan © Sacrifice No 25