1. Rafael Alberti, escritor * Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm 1985 © Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014

1. Rafael Alberti, escritor *
Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm
1985
© Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014

Alberto Schommer (1928, Vitoria) último Premio Nacional de Fotografía expone desde hoy su serie Máscaras en el Museo Nacional del Prado. La  exposición la podremos visitar hasta el 14 de septiembre. Este trabajo es una serie de retratos que realizó en la década de los ’80 y que en su mayoría fueron publicados semanalmente por el suplemento EPS. La obra de Schommer tiene una relación directa con el tiempo y las huellas que van dejando en nuestros rostros.

El equilibrio entre las luces y las sombras acentúa esas huellas en los rostros de los personajes que fotografía. El retrato concebido como una opinión del sujeto que fotografiamos lleva al autor a dar una interpretación subjetiva del personaje. Estas características han sido una constante en la pintura del retrato de los reyes de este país. La ironía con la que Goya retrataba a esos individuos fue sólo apreciada por muy pocos elegidos que tenían esa capacidad de análisis visual. Alberto Schommer como muchos otros artistas de este país tiene esa influencia cultural que transmite en sus obras, cambiando esa ironía por la fuerza de la mirada y el dramatismo del paso del tiempo. Una exposición imprescindible para todos y especialmente para aquellos que su referencia cultural más cercana es la de creer que Michael Jackson siempre fue blanco.

2. José Luis L. Aranguren, filósofo * Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm 1985 © Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014

2. José Luis L. Aranguren, filósofo *
Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm
1985
© Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014

4. Juana Mordó, galerista * Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm 1985 © Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014

4. Juana Mordó, galerista *
Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm
1985
© Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014

Chema Madoz ©

Chema Madoz ©

Abordar este debate y aclarar algunos matices sobre este tema es relativamente sencillo, ver esa diferencia es tan simple como comparar el mundo de la fotografía con el mundo de la tecnología. Pasar de ser un fotógrafo a convertirse en un autor depende si se consigue crear un lenguaje propio que te haga sobresalir de la mayoría. En el mundo de la tecnología hay empresas que producen esos avances y otras que siguen reproduciendo esquemas del pasado en la fabricación de sus productos.
Ningún fotógrafo se convierte en autor de la noche a la mañana, hay años de trabajo en la búsqueda de una estética y lenguaje propios. Nunca vas a asistir a un curso, taller o master y salir de allí siendo un autor. Eso forma parte de un recorrido individual de cada uno y sólo una minoría consigue dar ese salto y destacar del resto.
El primer error que cometemos es la falta de autocrítica sobre aquello que denominamos obra personal. En muchos casos estamos influenciados por esa vorágine de información y de tendencias estéticas que se producen en el ámbito de las artes, la moda y la publicidad.
Caer en la imitación de las tendencias de éxito e incluso llegar a tener un éxito comercial en el mundo del arte no te garantiza que te hayas convertido un autor.

A la sombra de la escuela de Düsseldorf surgieron en este país legiones de imitadores y hasta a uno de ellos se le otorgó un Premio Nacional de Fotografía. El éxito comercial no garantiza que nuestro trabajo se haya convertido en una referencia innovadora en las estéticas de las vanguardias fotográficas del momento. La falta de autocrítica y la ligereza en el uso de los vocablos autor, artista o famoso produce una legión de sujetos que creen que han alcanzado esa cima deseada y lo más gracioso es que consiguen engañar a otros muchos que carecen de cultura visual y no saben detectar de que fuentes beben para hacer algunos de esos cócteles horrorosos con los llenan galerías y museos.
Lo primero que deberíamos hacer todos es mirarnos al espejo y analizar lo que estamos haciendo con la frialdad de un asesino en serie para eliminar todo aquello que nos sobra y lo segundo ponernos cada día a trabajar buscando ese lenguaje que nos haga diferentes.

William Klein ©

William Klein ©

Irving Penn ©

Irving Penn ©

Robert Mapplethorpe Foundation ©

Robert Mapplethorpe Foundation ©

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Juliette Bates (1983, París) es una joven fotógrafa que esta exponiendo ahora con Duane Michals y Arthur Tress en la galería Esther Woerdehoff de París hasta el 12 de julio. Su obra se basa en la metáfora visual para crear unas imágenes pulcras, misteriosas y con una estética que potencia la historia que plantea al espectador.
En su serie “Historias Naturales”, con un personaje anónimo y misterioso cuestiona la condición humana e intenta entender y desafiar el paso del tiempo en la vida. Paisajes, pequeños objetos que podemos coleccionar y los paisajes y acantilados de Normandía son parte de las imágenes que nos muestra para darnos pistas sobre la intencionalidad de ese personaje misterioso que busca en los objetos que colecciona las respuestas a las grandes preguntas sobre la vida. En su web podéis ver otras facetas de su trabajo.

Juliette Bates © Histoires Naturelles

Juliette Bates © Histoires Naturelles

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Juliette Bates © Histoires Naturelles, 2011.

Johann Ryno de Wet © 2011 Hill, de la serie Underland

Johann Ryno de Wet © 2011
Hill, de la serie Underland

Johann Ryno de Wet (Johannesburgo, 1982) expondrá en en El Centro De Las Artes de Alcobendas desde el 3 de julio al 2 de septiembre. Su obra está marcada por un exceso de dramatismo y el uso de unas nubes radioactivas y tenebrosas que sugieren una fuerte influencia del cine del caballero negro. Gotham city está presente como referencia visual. Su serie No Man’s Land mezcla imágenes perfectamente resueltas con otras que son un canto al exceso de lo kitsch en el tratamiento digital. No hay más discurso que un exceso de sobredosis de la Apocalipsis en unos parajes solitarios amenazados por esas nubes negras que emergen del horizonte.

Esto se repite en su serie Shadow Valley y nos sorprende con su trabajo Underland, para mi con diferencia su mejor trabajo, que está a años luz de las series comentadas anteriormente. Ese dramatismo de esos paisajes en blanco y negro tratados en clave baja, nos introduce en un mundo que pudiese ser real. La homogeneidad estética de este trabajo y sus precisos encuadres forman una serie potente y compacta que sumerge al espectador en un mundo de soledad y que nos provoca esa reflexión sobre un posible día después, en el cual nos muestra los restos de un naufragio colectivo.

Johann Ryno de Wet © SCYSCRAPERS, 2008 de la serie Shadow Valley

Johann Ryno de Wet © SCYSCRAPERS, 2008 de la serie Shadow Valley

Johann Ryno de Wet © THE MAGNETIC FIELDS, 2006 de su serie No Man's Land

Johann Ryno de Wet © THE MAGNETIC FIELDS, 2006 de su serie No Man’s Land

Johann Ryno de Wet © SYREN, 2006, de sus serie No Man's Land

Johann Ryno de Wet © SYREN, 2006, de sus serie No Man’s Land

Costa de Marfil, 1930 Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Costa de Marfil, 1930
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier Bresson (1908, Chanteloup en Brie, Francia – 2004, Montjustin, Francia) ha sido uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, cofundador de la agencia Magnum y es considerado por muchos el padre del fotoperiodismo moderno.
No voy a hablar de la vida de este gran fotógrafo conocido internacionalmente ya que todos hemos visto monografías de su obra y conocemos sobradamente su biografía.
Tenemos la oportunidad de ver una importante retrospectiva de su obra en la Fundación Mapfre de Madrid hasta el 7 de septiembre próximo.
La exposición ha sido realizada por el Centre Pompidou de Paris en colaboración con la Fundación Mapfre y la participación de la Fondation Cartier-Bresson. Esta exposición es el broche de oro a la programación fotográfica que podemos ver en Madrid que coincide con PHE2014 y otras interesantes exposiciones en galerías de arte y en el Centro De Las Artes de Alcobendas.

Hyéres, Francía 1932 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Hyéres, Francía 1932
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Dassau, Alemania, 1945 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Dassau, Alemania, 1945
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Dassau, Alemania, 1945 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Dassau, Alemania, 1945
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Shanghái, China, 1948 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Shanghái, China, 1948
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Thurles, Irlanda, 1952 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Thurles, Irlanda, 1952
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Martine Franck, París, 1967 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Martine Franck, París, 1967
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson