Rafael Roa © 2015 Dead Skin, 23 untitled

Rafael Roa © 2015
Dead Skin, 23 untitled

Only Skin by Laura Terré

Rafael Roa has also focused on the skin, with the intention to develop the concept of existence. Dead Skin is the title chosen to turn our gaze on a set of photographs of posed bodies which are an entirety portrait of the flesh that we are. His desire is to stress that constant inertia that leads the living bodies to death and that leaves traces printed on their skin, wrinkles, tattoos and mutilations, marks inflicted as pass rituals. Due to the documentary effect of photography that puts us on the trail of the living, eternally alive, through the work of freezing the moment, even in the case of aged bodies, almost blue, and deprived of the context of their lives, we don’t see corpses, we see friends, parents, lovers, coworkers.

Roa cuts the bodies into fragments, following a tradition that began with artistic photography of the early twentieth century. Those photographers disregarded for the first time the strict description of the proportions of the human body that had been carried out in nude photography to serve as a model for painters and sculptors. The modern photographers freely interpreted the body shapes and they dared to cut off the head and limbs to avoid any spatial reference. The body shapes are incomprehensible and the suppression of the face and eyes avoided all distraction, all communication with the person. Everything was reduced to flesh. We have magnificent icons in the tradition of abstract nude. As the early trials of Imogen Cunningham and Edward Weston. The portraits of Georgia O’Keefe’s feelings through their hands and equivalent the clouds of Alfred Stieglitz. And at the end of twentieth century, when prejudices to look at the naked body and conventions and taboos are lost, we have the beautiful series of self-portraits by John Coplans (his aged skin of the torso and its separate members of the body) . Or the hyperrealistic series of fragments in black and white, also with aged skin and bushy hairs and wrinkles of Robert Davies. And other style, which searches the beauty of young bodies, they are the unforgettable implausible fragments by Robert Mapplethorpe, who created a beauty body trend in the eighties. Or Bill Brandt, who surprised us with his outdoors nudes in mimesis with boulders from the beaches.

Roa’s photographs follow this tradition, but they do not seek abstraction nor are merely aesthetic , much less documentary (saving the detail of tattoos that give us a clue on the culture of the bodies). Its erotic content refers to an action stopped in time, in which we perceive the subject restless, busy in their passions and sometimes not very content with their physical transformation. The nude becomes a portrait “otherwise”. It was a genre exploited by photography since its origins, both privately and professionally. Unlike painting and drawing in which nude sublimated the human in beauty stereotypes, photography always liked the body as it is. So erotic photography intimidates those who contemplate it because of its realism that particularized personal details. The punctum, that Barthes said as inescapable real place. Photography is brash and gritty. When we look at a naked body, it makes us to hold our breath. Many blush to the erotic photos, they look sideways or take it to a corner and “use it” as pornography, because they feel the contact of the skin where they put their gaze. The mere eye contact produces in them the experience and need solitude for contemplation. The proximity is so strong! The viewer guides its photography experience, creating plans according to their interest and deciding to look at everything at once in the distance or only to look at certain details of the foreground.

Faced with the bodies that Rafael Roa portrays we don’t have much freedom. He diverts our attention from the volume and forms and he focuses on the most superficial: the texture and color of the skin. In these photographs, our gaze is caught inside the skin taut as a parchment lampshade . We see the naked from the vacuum of its volumes, in a diving vision, magic, converting the spheres in concavities.He does this by fragmenting the bodies and using an artificial dominant blue light, as if it was a submerged and amniotic vision. The weightless bodies flow like luminescent air bubbles. The purity of the waters that bath it , works as magnifying glass on the fine hair strokes, on the capillary veins, wrinkles and marks of underwear. We even see what we do not want to see. We know, in any case, that defects will be concealable and beyond that carnal contingency, the human being will wear clothing that will return their soul, hide all their embarrassments and reveal their class differences. May even look for a face in the mirrors where to encastrar their eyes that will bring the gaze and thus stop being only skin.

Dead Skin is a Rafael Roa’s art work

link to buy the book: http://www.rafaelroa.net/libros-deadskin.php

Ultrainocencia de Manuel Arija

Ultrainocencia de Manuel Arija

El director Manuel Arija lleva a la gran pantalla la pieza teatral ULTRAinocencia. La película, en la que entre otros participará también Sergi López, se financia por colaboración popular a través del micromecenazgo. La compañía castellonense de teatro formada por Pablo Molinero y David Climent (loscorderos.sc) salta al cine por primera vez. Manuel Arija tiene una importante trayectoria como director de cortometrajes y afronta su primer largo con este proyecto.

Sinopsis

ULTRAinocencia es una distopía del presente actual. La humanidad ha perdido casi por completo la fe en un ser divino. Nuestros héroes Adán y Orión son una excepción. Juntos han desarrollado un complejo sistema que les permite moverse entre dimensiones, usando la danza y el movimiento físico con las emisiones de radio. Han sido elegidos por una delegación religiosa para buscar y traer evidencias de la existencia de una entidad superior. Para ello viajarán en una nave diseñada para la dedicación a esta causa, la oración y el mantenimiento de su pureza espiritual y mental. El paso del tiempo y la falta de éxito convierte sus vidas en algo rutinario que tambalea sus ilusiones y esperanzas. Accidentalmente Orión descubre una revista escondida en el baño común. Adán la ha mantenido en secreto durante todos estos años. Rota su confianza le lleva a pensar que esa revista ha sido la causante de todos sus fracasos. Orión intenta estrangularlo y casi lo mata. Incapaces de recuperar la confianza mutua y en una crisis de fe, su única forma de sobrevivir será encontrando a Dios.

Fechas de rodaje

23-24 Julio – Almeria (chirivel)  9 Agosto – 2 septiembre – Barcelona y Banyolas (girona) 5-6 septiembre Teruel

Micromecenazgo

Esta ha sido la forma de financiar la película y podéis hacer aportaciones en el siguiente enlace en el cual podréis ver las recompensas y el calendario del proyecto. Quedan 3 días para apoyar este interesante proyecto.

Otros Enlaces

Entrevistas

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Los Corderos ©rojobarcelona

Los Corderos
©rojobarcelona

El director Manuel Arija

El director Manuel Arija

Cupid and Centaur in the Museum of Love, 1992 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 6/12) 107 x 91 cm

Cupid and Centaur in the Museum of Love, 1992
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 6/12)
107 x 91 cm

Joel-Peter Witkin (1939, NY, USA) expone en la galería Michel Soskine INC. de Madrid una selección de sus obras de los años 80 y 90 con sus trabajos más recientes. Todos recordamos aquella exposición de 1988 en el MNACRS comisariada por Alain Dupuy. La muestra actual nos da la posibilidad de reencontranos con este gran artista que no separa su vida de su obra, reflejando su mundo interior y onírico con una estética tan personal que lo ha convertido en un artista único. Sus influencias del van desde Giotto a la fotografía del siglo XIX, y se le ha comparado con artistas como Goya o el Bosco.

Witkin y su mundo macabro y oscuro se pasea por lo mórbido, lo perverso lo erótico y por todas aquellas creencias que el hombre ha inventado para la justificación de su propia existencia. La estética de un mundo oscuro por el cual muchos artistas transitaron antes, creando el claroscuro y la representación de un mundo interior tormentoso. La belleza plástica de la muerte, cabalgando sobre el eros como si de un potro salvaje se tratase, y lo efímero melancólico como aderezo de una narrativa brutal y explosiva que aterroriza a unos y provoca admiración en aquellos que saben apreciar la diferencia entre un artista y la gran masa de aburridos imitadores de las estéticas que fabrica el mercado. Quizás nos encontremos delante de la exposición más atractiva de PHE2016, aunque se encuadre dentro de su Festival Off y la podremos visitar hasta el 30 de julio. Las obras de Witkin de esta exposición oscilan entre 5000,00€ y 50.000,00€ dependiendo de tamaños y tiradas.

Amour, Nuevo México​, 1987 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/3)     104 x 104 cm

Amour, Nuevo México​, 1987
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/3)
104 x 104 cm

Eve knighting Daguerre, 2003 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/12) 84 x 98 cm

Eve knighting Daguerre, 2003
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 3/12)
84 x 98 cm

Religion of Self Interest, Nuevo México, 2013 Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 2/6) 75,5 x 62 cm

Religion of Self Interest, Nuevo México, 2013
Fotografía, gelatina de plata sobre papel (Edición 2/6)
75,5 x 62 cm

PEREZ SIQUIER-Sin titulo
Se ha presentado en el MNACRS La exposición colectiva Humanismo y subjetividad en la fotografía española de los años 50 y 60. El caso Afal, incluida en la sección oficial de PHotoEspaña 2016. Ha sido comisariada por Laura Terré, hija de Ricard Terré uno de los miembros del Grupo Afal, y por el departamento de Colecciones del Museo Reina Sofía. Estaban presentes en dicha presentación los dos autores que sobreviven del grupo Carlos Pérez Siquier y Ramón Masats. Los fundadores fueron Carlos Pérez Siquier y José María Artero García (1928-1991) que fueron el núcleo principal de la revista.

La vida de AFAL giró alrededor de su publicación del mismo nombre cuyos contenidos eran de fotografía y cine. Dicha revista fue el medio por el cual se publicaron los trabajos fotográficos más interesantes de esa época. Entre el material cedido por Carlos Perez Siquier al MNACRS figuran obras de: José María Artero, Leonardo Cantero, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Gonzalo Juanes, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Alberto Schommer, Ricard Terré o Julio Ubiña, y en la exposición podremos ver obras de otros autores como: Francesc Català-Roca, Gerardo Vielba, Virxilio Vieitez, Juan Dolcet, Fernando Gordillo, Rafael Sanz Lobato o Sigfrido de Guzmán. Todos los fotógrafos que participaron en la revista de AFAL, muchos de ellos también fueron integrantes de La Palangana (1959), que tuvimos la ocasión de ver una exposición de este grupo en la edición de PHE2014. Este grupo vinculado a la RSF de Madrid lo formaron: Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón, Joaquín Rubio Camín, Juan Dolcet, Fernando Gordillo, Gerardo Vielba y Sigfrido de Guzmán.

Ellos fueron los que crearon las bases del desarrollo de la fotografía española en la segunda mitad del siglo XX. Las generaciones posteriores han crecido bajo su influencia y gracias a ellos nuestra fotografía ha tenido ese desarrollo posterior. A mi me gustaría una ordenación en el museo por autores y con un espacio mayor que el que ahora tiene asignado. Creo que ese gran mosaico de autores con un cartel en una esquina en el cual vemos quienes son los fotógrafos representados en el puzzle es incomodo para el espectador e inmerecido para ellos. Estamos frente a una generación estéticamente brillante y con una increíble fuerza narrativa que supo mostrar en aquellos años de oscuridad y miseria su visión de la realidad del país. Pérez Siquier comentó su lucha contra la censura moral y política de la época y en cierta forma en estos tiempos de retroceso y censuras del mercado no hemos avanzado mucho en ese aspecto. Una exposición imprescindible para asomarse a la más importante generación de autores del siglo XX.

CANTERO-Hombre caminando hacia un coche

GORDILLO ESCUDERO-Retrato familiar

TERRE-Semana Santa

MASATS-Terrassa

SANZ LOBATO-Valencia

CUALLADO-Ninna de la rosa

VIELBA CALVO-Retrato de Tertre

MISERACHS-El metro de Plaza Catalunya

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot (1948, Camas, Sevilla) es un fotógrafo que pertenece a esa generación de comienzos de los años ’80 que surgió en el entorno de la RSF de Madrid. Fue un miembro destacado del Colectivo 28. Crecimos bajo la influencia de los grandes maestros de la Escuela de Madrid como Gabriel Cualladó, Paco Gomez, Paco Ontañon, y Juan Dolcet entre otros.

Fotógrafo autodidacta, Santos Mingot siempre ha tenido esa mirada precisa, estéticamente minimalista con la que nos muestra las sutilezas de lo cotidiano que pasan desapercibidas para la mayoría. La poesía silenciosa de su fotografía nos cautiva y sumerge en ese mundo del difícil equilibrio entre las luces, las sombras, las formas y los significados. Es un trabajo intimo, lleno de sugerencias que el espectador tiene que interpretar. Santos Mingot es un maestro de esa generación, y después de su última exposición internacional en Tokio (2012), ahora tenemos la posibilidad de ver su proyecto Ausencias, en la RSF del 11 de mayo al 7 de junio. Un autor imprescindible con una mirada única, que representa el triunfo de las ideas y el trabajo serio frente a esa vorágine de mediocridad que nos rodea.

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias

José Santos Mingot © De la serie Ausencias