Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio es una joven artista mexicana que actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México y el norte de México; estudió la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación con especialización en periodismo en la U.N.A.M., de la F.C.P y S., y la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica por la UAM-X. La Ira De La Devoción es su último trabajo y ha sido comisariado por el prestigioso fotógrafo Alfredo de Stefano.

Esta obra es una expresión personal de los traumas y relaciones familiares de la autora, el psicoanálisis y las metáforas visuales conviven y estructuran la narrativa de la obra. La fotografía refleja la síntesis de los que son sus autores, su vida, cultura y experiencias personales. Liza nos habla de su obra en los siguientes términos: “En La Ira De La Devoción los traumas familiares se heredan a través de la sangre, ese acto se concreta en la relación entre ellos y no solo se manifiesta en el lastimarse si no también en el auto desprecio. Hablo de la epigenética, un concepto de la Biología y la Psicología que esta serie pretende construir a partir de dos conexiones: La depresión de lo que significa para mi lo familiar y mi relación con lo maternal. Entorno sagrado para la mayoría de los latinos y hebreos que ejerce una figura de devoción difícilmente quebrantable por su relación cultural y casi simbiótica con la religión, pero que es también el disfraz de seres con tremendo poder sobre los sentimientos, que con frecuencia saben herir las almas de sus hijos desde una economía del no decir, una hipocresía del no estar, pero estar, una sobreactuación en el vivir y una solemnidad en el hablar, lo que no hay que hablar.

El personaje de la madre actúa para mi como un monstruo real y simbólico, que nunca se deja ver por completo, pero que tiene su raíz en el terror autoritario que ejerce mi abuelo sobre mi madre. Piezas articuladas que se encuentran en mi exposición conformada como una especie de diario psicoanalítico de mi relación con mi progenitora, donde conviven imágenes fotográficas, dibujos, y frases que alimentan a la maternidad como esa relación desencantada y perversa, más allá de la poesía idílica de su interpretación.”

Hay una mezcla estética que convive en la obra de Liza Ambrossio, unas imágenes inquietantes con otras del archivo familiar o fotografías de partes de pinturas que se incorporan a la narración. La post-producción digital esta muy presente en algunas de las imágenes. Lo heterogéneo de la estética enriquece el producto final. La obra de Ambrosio ha sido expuesta en México y Latinoamérica y esta serie ya producida se encuentra preparada para ser expuesta en Europa. Sería la primera vez que podríamos disfrutar del trabajo de esta joven artista mejicana. En su web podéis explorar con profundidad su obra.

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

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Liza Ambrossio © La Ira De La Devoción

Ambrotype in case, portrait of girl, Ann Plummer, metal, glass, wood, leather, textile, photographed by Mr Iby, Linonee, New South Wales, Australia (Interior)

Ambrotype in case, portrait of girl, Ann Plummer, metal, glass, wood, leather, textile, photographed by Mr Iby, Linonee, New South Wales, Australia (Interior)

Desde su nacimiento, la fotografía ha producido apasionados debates sobre el uso, y definiciones de la misma. Su desarrollo técnico ha ido acompañado de cambios estéticos y narrativos, ampliando sus formas de uso. Los planteamientos de Paul Valéry sobre las transformaciones de las técnicas de las artes, son extrapolables a lo que está sucediendo ahora. Quizás estos nuevos usos de la herramienta nos permiten abrir nuevas reflexiones sobre su significado y lenguaje y como estos han afectado a su relación con el receptor. Creo que el profundo estudio de todas las reflexiones que se han hecho hasta la fecha sobre la fotografía nos aportan una perspectiva diferente y más amplia para abordar los planteamientos sobre el uso de la herramienta en la actualidad. Cada persona usa la fotografía desde puntos de partida diferentes. Unos como mero divertimento y otros como forma de expresión artística. El eterno debate de la fotografía-arte fotografía-sin arte. Entre esos polos opuestos se encuentran muchos otros usos que son definidos por aquel que coge una cámara o cualquier herramienta que capture imágenes.

Podemos abordar la racionalidad del acto fotográfico frente al dedo como instrumento masturbador de la cámara, como lo definió Cartier Bresson. La mitología de que la fotografía representa “lo real” se desmonta fácilmente. Recurrimos a Panofsky para demostrar que la perspectiva no es un medio neutro que nos permita restituir la realidad, toda la realidad. El momento decisivo frente a la fotografía fabricada, el fotógrafo cazador frente al creador de imágenes que sólo existen en su interior y son producidas con posterioridad. La puesta en escena en contraposición a la fotografía que refleja las huellas. Un fotógrafo que profundice en las áreas del pensamiento, crítica, estética y análisis de la herramienta tomará un camino diferente frente a aquellos que no usan la herramienta de una forma reflexiva. La ficción versus la huella de lo real, significados, narrativas, estéticas e interpretaciones de los receptores de las imágenes, un mundo apasionante en el cual profundizar para que con estos conocimientos podamos establecer nuestro punto de partida en el uso de la herramienta.

¿Hacia dónde va la fotografía?

Taller De Iniciación A La Estética De La Fotografía 10-11 de Septiembre

 

Wu Tien-chang ©

Wu Tien-chang ©

Jorge Molder © Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Jorge Molder ©
Rico Pobre Mendigo Ladrón / Exposición en el CBA hasta el 17 de mayo

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Riitta Päiväläinen © 2014 De la serie River Notes

Shanghái, China, 1948 ©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

Shanghái, China, 1948
©Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos
Cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson

André Gelpke © 2013 Waiting for the miracle

André Gelpke © 2013 de la serie Waiting for the miracle

André Gelpke (1947, Beienrode, Alemania) es uno de los fotógrafos alemanes más destacados de la última parte del siglo XX. Fue alumno de Otto Steinert desde 1969 a 1975. En 1975 funda con Rudi Meiser y Gerd Ludwig la agencia Visum. En 1979 abandona la agencia por el conflicto entre la fotografía comercial y la de autor dedicándose al desarrollo de su propia obra. Posteriormente fue profesor en la Escuela Técnica Superior de Dortmund. Se instala en Suiza desde 1989 y es profesor en la Universidad de Zurich hasta el 2012. Durante todos estos años desarrolla su obra personal.

La fotografía no reproduce la realidad. La obra de André Gelpke se presenta como una fotografía realista cuando no lo es. Gelpke afirma que: “la seudo apariencia de sus imágenes realistas cuestionan su propia realidad”. “La realidad, condicionada por la distancia del acontecimiento, por la oleada de esas imágenes de crueldad, se convierte en ficción.” La fotografía es el arte de lo imaginario, es un mero fragmento aislado de algo que se produce delante de nosotros y que se interpreta por la mirada subjetiva del fotógrafo, y que necesita una descodificación imaginaria por parte del espectador. En el fondo en la obra de Gelpke subyace una crítica al mundo real a través de una estética de la ficción, con la intención de cambiar una realidad por otra.

Sus imágenes atrapan al espectador y lo sumergen en un interrogante continuo de las obras que nos ofrece. Nos muestra una visión personal de todo aquello que le inquieta y obsesiona. Es uno de esos autores que nos muestran imágenes con un significado diferente a la mirada de lo cotidiano que estamos acostumbrados a digerir. Esa ficción de su obra quizás sea la mejor forma de comprender la realidad. Gelpke no tiene nada que ver con la Escuela de Dusseldorf, ni con el gigantismo de sus obras ni la especulación comercial de las mismas. Es un fotógrafo lleno de preguntas que lanza al espectador. Por eso su obra es tan interesante y nos atrapa alejándonos de la fotografía comercial triunfante en las bienales de arte. La obra de André Gelpke tiene como base el pensamiento, la reflexión y todas las emociones internas que este artista trata de compartir con nosotros.

André Gelpke © 2002- 2005 de la serie Allesanet

André Gelpke © 2002- 2005
de la serie Allesanet

André Gelpke © 1972-1979, de la serie Fluchtgedanken

André Gelpke © 1972-1979, de la serie Fluchtgedanken

André Gelpké © 1980 -2010 de la serie In Germany

André Gelpké © 1980 -2010
de la serie In Germany

André Gelpke © 1988-1997 de la serie Father, mother, children

André Gelpke © 1988-1997 de la serie Father, mother, children

Hemut Newton © Jo Champa 1988,

Helmut Newton Foundation © Jo Champa 1988,

Helmut Newton (1920, Berlin – 2004, LA) ha sido uno de los grandes fotógrafos de los últimos cuarenta años. No sólo por sus trabajos de moda, sino por el sello personal que supo imprimir a sus fotografías, no diferenciando entre su trabajo comercial y su obra personal. Un autor que ha impuesto su estilo y estética personal en un mundo tan complejo como el de la fotografía de moda. Un referente para generaciones posteriores.

Pero no quiero hablar de la calidad fotográfica de Newton, y si de la forma de enfrentar el desnudo, de mostrar el deseo y la transgresión, con un glamour que lo hacía digerible a toda la burguesía adinerada. Newton consiguió eso, quitar la caspa ultraconservadora a las castas de los asquerosamente ricos y hacerlos sentirse con un toque moderno y transgresor. Hasta las más extremistas feministas en algún momento se han rendido a Newton, o han aceptado a sus modelos, a cuatro patas y con una silla de montar en la espalda. Creó un estándar de mujer perfecta, alta, fuerte escultural, de proporciones exactas, para ser deseadas a través de sus fotografías. Este tipo de mujeres y sus posiciones, en general de dominio, eran un sello que ha identificado sus obras durante toda su carrera.

El museo Foam De Amsterdam le dedica una retrospectiva que podremos ver hasta el próximo 4 de septiembre, una gran ocasión para visitar esa ciudad y ver la obra de este artista.

Helmut Newton Foundation © Sigourney Weaver Vanity Fair, 1995

Helmut Newton Foundation © Sigourney Weaver
Vanity Fair, 1995

Helmut Newton Foundation © 1981 Selfportrait with Alice Springs and model

Helmut Newton Foundation © 1981 Selfportrait with Alice Springs and model

Helmut Newton Foundation © 1976 Catherine Deneuve

Helmut Newton Foundation © 1976 Catherine Deneuve

Aino Kannisto ©

Aino Kannisto ©

Jean Claude Lemagny establece dos tendencias en la fotografía. Por un lado la fotografía directa como el retrato, el paisaje o el reportaje que explora la realidad que el fotógrafo ofrece y la fotografía que se basa en la puesta en escena, completamente subjetiva y manipulada. Si analizamos los cambios sucedidos en la herramienta de la fotografía en los últimos veinte años, el desarrollo tecnológico y los cambios de usos en el medio fotográfico podemos llegar a la conclusión de que dicha división no es tan tajante ni refleja las relaciones reales entre la herramienta, el fotógrafo y el objeto o sujeto a fotografiar y el receptor de las imágenes.

Primero debemos determinar que consideramos como una puesta en escena. Porque igual que François Soulages lo ve muy claro en la obra de Julia Margaret Cameron, podemos analizar y llegar a la conclusión de que los retratos de cualquier fotógrafo ambulante o rural son puestas en escena. Instantáneas donde los sujetos fotografiados se esfuerzan por ofrecer una imagen alejada de su vida cotidiana. ¿O acaso no todos posamos, casi instintivamente, cuando nos vemos frente a una cámara? Partiendo de esta reflexión no podemos evitar cuestionarnos si la fotografía en algún momento ha mostrado una huella muy similar a lo real o si ha sido simplemente un vehículo que reflejase las apariencias. En los tiempos que vivimos y más desde la aparición de la fotografía digital, la herramienta se ha convertido en una representación  de puestas en escenas.

Toda la fotografía de retrato editorial, que tuvo su gran boom de la mano de publicaciones como Rolling Stone o Vanity Fair y cuya referencia más mediática es Annie Leibovitz, son puestas en escena. El retrato clásico tal como lo habíamos conocido hasta entonces era considerado aburrido por los editores que deseaban tener en sus publicaciones retratos de la estrella del momento o imitaciones de la misma. Se produjo entonces un aluvión de retratos más escenificados, había que ser más creativo que los otros para poder mantenerse en el mercado. De todas formas los retratos clásicos de Yousuf Karsh o Irving Penn, ¿no son retratos escenificados o es que los retratos siempre ha sido escenificados?

La relación con el personaje, la dirección del posado, el uso de la luz nos acerca a una puesta en escena muy cuidada, y nos aleja de ese concepto de la fotografía directa o real. Porque incluso el punto de vista o el encuadre produce una alteración de la perspectiva y nos conduce a la obtención de una fotografía subjetiva y alejada de esa representación mecánica que producía la perdida del aura en la herramienta de la fotografía.

En la época de la reproductibilidad técnica lo que queda dañado de la obra de arte, eso mismo es su aura. Walter Benjamin.

Podemos determinar que en la sociedad de la simulación en la que vivimos, la fotografía captura continuas puestas en escena y podemos poner en duda si no lo hizo desde sus orígenes. Reflexionar sobre todo lo que se ha escrito en el ámbito de la representación, significado y estética de la fotografía y poner todo en paralelo a los usos actuales del medio, nos sirve para entender como la herramienta y sus usos han ido evolucionando, no sólo desde el productor y transmisor de esas imágenes sino también en la interpretación del receptor de las mismas.

Bruce Gilden © Postcards from America

Bruce Gilden © Postcards from America

August Sander. Young Farmers / Jóvenes granjeros, 1927.

August Sander. Young Farmers / Jóvenes granjeros, 1927.

Petrina Hicks © Shenae and Jade, 2005 Lightjet print 111 x 119cm, edition of 8

Petrina Hicks ©
Shenae and Jade, 2005
Lightjet print
111 x 119cm, edition of 8